„The Band Wagon“ / „Vorhang auf!“ – Inspirationsquelle für Michael Jackson

Gerade eben habe ich Vincente Minellis Film „The Band Wagon“ („Vorhang auf!) gesehen. Als großer Michael Jackson-Fan habe ich mir den Film vor allem deswegen ausgeliehen, weil Willa Stillwater in ihrem wirklich sehr, sehr empfehlenswerten Buch „M Poetica: Michael Jackson’s Art of Connection and Defiance“ auf die inhaltlichen wie themtischen Parallelen zwischen dem Film und Michael Jacksons Kurzfilmen eingeht (so weit ich weiß, ist das Buch bislang leider nur als ebook für den Kindle erhältlich). Über das Buch werde ich irgendwann auch mal ausführlicher bloggen müssen, aber erst einmal muss ich es zu Ende lesen… Willa Stillwater betreibt zusammen mit Joie Collins übrigens den Blog „Dancing with the Elephant„, wo die beiden regelmäßig ausführliche Diskussionen über Michael Jacksons Videos, Auftritte und andere Aspekte seines Lebens und Schaffens posten. Genau wie das Buch kann ich dieses Blog allen Jackson-Fans, die der englischen Sprache mächtig sind und sich intensiv mit Jacksons Werk und dessen Interpretation auseinander setzen wollen, sehr empfehlen!

Aber zurück zu „The Band Wagon“: Der Film stammt aus dem Jahr 1953 und Regisseur Vincente Minelli war der Vater von Liza Minelli, die ja mit Michael Jackson sehr gut befreundet war. Ich habe mir den Film wie gesagt angesehen, weil ich wissen wollte, durch welche seiner Elemente sich Michael Jackson für seine Videos und Auftritte hat inspirieren lassen. In „M Poetica“ geht Stillwater vor allem auf thematische Elemente ein, die im Film vorkommen und sich auch in Jacksons Lebenswerk und seiner Philosophie als Künstler finden lassen. Aber davon abgesehen gibt es natürlich auch ganz offensichtliche Einflüsse, die sofort deutlich werden, wenn man mit Jacksons Kurzfilmen und Performances vertraut ist und sich die 12minütige „Girl Hunt“-Schlusssequenz des Films anschaut, die ich zum Glück in voller Länge auf YouTube gefunden habe:

Dass Michael Jackson ein großer Fan alter Filmmusicals und ein Verehrer Fred Astaires war, wusste ich ja schon lange. Aber „The Band Wagon“ muss ja geradezu einer seiner Lieblingsfilme gewesen sein! Hier erkennt man eindeutige Vorlagen für die Videos zu „Billie Jean“, „Smooth Criminal“, „You Rock My World“ und auch zu „Bad“ (der Hintergrund mit der U-Bahn-Station). Außerdem muss man als Jackson-Fan natürlich auch an die „Dangerous“-Performance denken und Erinnerungen an den „Moonwalker“-Film werden ebenfalls wach (schließlich kommt auch dort ein Mr. Big als Bösewicht vor). Die Zeilen „She came at me in sections … she was bad, she was dangerous“ hat Jackson zudem fast eins zu eins in „Dangerous“ übernommen.

Ich werde mir diese Sequenz (und den ganzen Film) noch einmal anschauen müssen und dabei weiter auf Elemente achten, die Michael Jackson inspiriert haben oder die er vielleicht auch ganz direkt in einen seiner Kurzfilme übernommen hat. Es ist doch immer wieder interessant zu erfahren, dass auch Meisterwerke wie „Smooth Criminal“ nicht einfach aus dem Nichts entstanden sind, sondern gewissermaßen „Vorfahren“ haben.

Hier zum Vergleich ein paar der erwähnten Jackson-Videos/Performances:

„Michael Jackson – Man in the Music“ von Joseph Vogel

Eigentlich soll es hier ja – zumindest dem momentanen Untertitel des Blogs zufolge – in erster Linie um alles gehen, was mit Film und Kino zu tun hat. Eine weitere meiner großen Leidenschaften ist jedoch Michael Jackson, und weil 2011 ein wirklich großartiges Buch über Michael Jacksons Musik erschienen ist, widme ich diesem Buch nun einen Blogpost.

„Man in the Music“ stammt von dem US-Journalisten Joseph Vogel, der unter anderem für die Huffington Post und den Atlantic schreibt und für dieses Buch bereits 2005 mit den Recherchen begonnen hat. Es handelt sich also keinesfalls um eines jener Werke, mit denen nun nach dem Tod Jacksons abkassiert werden soll. Vogel hat in den letzten Jahren auf seiner Website und in zahlreichen anderen Veröffentlichungen immer wieder sein fundiertes Wissen rund um Michael Jackson im Speziellen und um die Popmusik und -kultur im Allgemeinen unter Beweis gestellt.

Man in the Music

Copyright Bild: Sterling Publishing

Das Besondere an „Man in the Music“ ist, dass es das bislang einzige Werk ist, welches sich ausschließlich und ausführlich mit Michael Jacksons Kunst auseinandersetzt. Es stellt also keine Biographie im Sinne einer Nacherzählung von Jacksons Leben dar, sondern konzentriert sich voll und ganz auf seine Musik, seine Auftritte und seine Musikvideos. Im Zentrum stehen dabei die Soloalben, die Jackson als Erwachsener zwischen 1979 und 2001 veröffentlich hat und denen Vogel jeweils einen eigenen Essay widmet. Dazu kommt noch eine ausführliche Einleitung, eine Betrachtung Jacksons letzter Lebensjahre (ebenfalls unter dem Gesichtspunkt seines kreativen Schaffens während dieser Zeit) sowie eine Besprechung des 2010 erschienen Albums „Michael“. Am Anfang des Buches merkt Vogel an, dass er beim Beginn seiner Recherchen sehr verwundert war, wie wenig Literatur damals über Michael Jackson als Künstler vorhanden war. Seine Motivation war also, einen detaillierten Überblick über Michael Jacksons Werk zu geben und dieses in den zeitgeschichtlichen und kulturellen Kontext einzuordnen. Vogel hatte sogar vor, Jackson 2009 in London während seines dortigen Aufenthalts für die „This is it“-Konzertreihe zu interviewen. Man kann sich nur vorstellen, um wie viel detailreicher das Buch mit solchen Informationen aus erster Hand noch geworden wäre, schließlich wurde Jackson niemals detailliert zu seiner Kunst befragt. Darüber kann man heute nur verständnislos den Kopf schütteln, doch zu seinen Lebzeiten waren die Medien allgemein, aber auch die wenigen Journalisten, denen er längere Interviews gab, eben mehr an anderen Aspekten seiner Person interessiert, von denen die meisten im Rückblick weit weniger bedeutend sind, als sie es damals zu sein schienen.  Doch auch ohne direkte Beteiligung Jacksons ist aus „Man in the Music“ ein tiefgehendes Werk geworden, das zahlreiche neue Einsichten liefert (zumal Vogel ausführliche Interviews mit  mehreren Produzenten, Musikern und Studiotechnikern geführt hat, die mit Jackson zusammengearbeitet haben).

Im der Einführung geht Vogel auf Jacksons Reifung zum Tänzer, Sänger, Entertainer und Songwriter ein; er nennt Jacksons Einflüsse und Vorbilder (James Brown, Stevie Wonder,…) und legt Jacksons Sichtweise dar, wonach gute Songs weder „schwarz“ noch „weiß“ sind, sondern jede Person erreichen können sollen, unabhängig von ihrer Herkunft, Hautfarbe oder was auch immer. Interessant ist unter anderem die Darstellung von Jacksons Gesang als „jenseits von Sprache“: durch verschiedene Laute (Schluchzen, Stöhnen, Schreien,…) erzeugte der Sänger in seinen Liedern immer wieder Emotionen und Stimmungen, die zum Teil mit Worten gar nicht erreichbar gewesen wären. Auch dass Michael Jackson wesentlich mehr war als nur einfach ein Sänger und Tänzer, beton Vogel immer wieder. So beschreibt er zum Beispiel, welch genaue Vorstellungen Jackson hatte, sobald er die Melodie für einen neuen Song im Kopf hatte und wie detailversessen er während der gesamten Produktionsphase dann in allen Aspekten – Arrangements, Background-Gesang, Instrumentalsoli,… – seine eigenen Vorstellungen umgesetzt sehen wollte.

Besonders gefällt mir an Vogels Buch, dass auch Jacksons spätere Alben (also alles nach „Thriller“, ganz besonders „HIStory“, die fünf neuen Songs auf „Blood On The Dance Floor“ und „Invincible“) eine ernsthafte Würdigung und Einordnung erfahren. Zu Jacksons Lebzeiten gelang es ja leider fast keinem Autoren, an der Person und Mediengestalt Michael Jackson vorbei auf das Werk zu blicken. Vogel tut dies und er macht unmissverständlich klar, dass auch unter Jacksons späteren Liedern einige Meisterwerke sind, die sich durchaus mit den Songs der Thriller-Ära messen lassen können, ja dass Jackson sich sogar als Songschreiber und Künstler im Laufe seiner Karriere weiterentwickelt und zahlreiche neue musikalische Einflüsse (z.B. HipHop) aufgenommen und in seinem Werk verarbeitet hat. Zugleich arbeitet Vogel sehr schön die Themen heraus, die sich wie ein roter Faden durch Jacksons Gesamtwerk ziehen. Darunter befindet sich zum Beispiel die Sorge um die Zukunft unseres Planeten und die Hoffnung, Veränderungen in Gang setzen zu können. Weitere solcher Themen sind die „femme fatale“ (Frauen sowohl als Faszination wie auch als gefährliche Versuchung) in Liedern wie „Billie Jean“, „Dirty Diana“, „Blood On The Dance Floor“ oder „Dangerous“ oder Jacksons Vorliebe für Gothic-Elemente und Horror (Jackson war ein großer Verehrer von Edgar Allen Poe), die natürlich in „Thriller“ zum Ausdruck kommt, aber auch in späteren Liedern wie „Ghosts“, „Is It Scary“ oder „Threatened“.  Als übergreifendes Thema im Werk Jacksons macht Vogel eine grundlegende Unzufriedenheit mit dem Ist-Zustand der Welt aus, sowie den daraus folgenden Versuch, mit Hilfe der Musik eine Fluchtmöglichkeit zu bieten, einen Ausweg, eine Befreiung – aber natürlich auch Hoffnung zu geben und die Menschen zum Nachdenken und Handeln anzuregen.

Im Anschluss an jeden der Essays zu den verschiedenen Alben bespricht Vogel die einzelnen Songs im Detail und fördert dabei zum Teil wirklich neue Bedeutungen und Einsichten zutage, auf die man vorher noch gar nicht gekommen ist (z.B. findet er auch in einigen von Jacksons vermeintlich seichteren Dancetracks eine erstaunliche thematische und textliche Tiefe). Bei all seinen Analysen bezieht er immer wieder auch die Sicht der Medien und der Öffentlichkeit auf Jackson vor dessen Tod mit ein, als Rezensionen seiner Alben sich oftmals in Adjektiven wie „oberflächlich“ oder „größenwahnsinnig“ erschöpften. Gerade dieser Vergleich zwischen der damaligen Sicht der meisten Autoren und der heutigen Perspektive ist es, der einem bewusst macht, wie wenig Wertschätzung Jacksons „spätere“ Lieder und Videos zu seinen Lebzeiten erfahren haben. Ob sein Buch zu einer ebenso großen Huldigung geworden wäre, wenn Jackson noch am Leben wäre, kann natürlich nicht beantwortet werden. Doch Vogel trägt seine Ansichten mit einer solchen Überzeugung vor, dass ich mir durchaus vorstellen kann, dass er beispielsweise „They Don’t Care About Us“ auch dann einen der  wichtigsten Protestsongs der Neunziger nennen würde, wenn alle anderen sich weiterhin nur für Jacksons operierte Nase interessieren würden. Dass er zudem im Zusammenhang mit Michael Jacksons Talent als SongTEXTschreiber einen Vergleich zu Rilke zieht und die Ballade „Stranger In Moscow“ in eine Reihe mit dem Beatles-Stück „A Day In The Life“ stellt, zeigt noch mehr, welchen hohen kulturellen Stellenwert er Jacksons Werk beimisst (nicht zu Unrecht, wie ich finde).

„Man in the Music“ ist wirklich nicht nur für eingefleischte Jackson-Fans interessant (obwohl es auch für die noch haufenweise Neues bietet, was so noch nie geschrieben wurde). Jeder, der sich für Popmusik, für Popkultur im 20. Jahrhundert interessiert, kommt an diesem Buch nicht vorbei. Zwar gibt es inzwischen mehrere Bücher, die sich mit Michael Jacksons Kunst auseinandersetzen (und dabei unterschiedliche Ansätze wählen), doch kein anderes Werk stellt Jacksons Musik so sehr in den Mittelpunkt und beschäftigt sich gleichzeitig so detailliert und vor dem Hintergrund ausführlicher Recherchen damit. Einige kleine Fehler haben sich leider in das Buch eingeschlichen, fallen aber zum Glück kaum ins Gewicht (so behauptet Vogel beispielsweise an einer Stelle, Jackson, der 1958 geboren wurde, habe 1999 seinen 40. Geburtstag gefeiert). Ich hätte mir allerdings an einigen Stellen tatsächlich noch mehr Tiefgang gewünscht. Vogel bezieht nämlich bei der Interpretation der einzelnen Lieder manchmal deren Videos und Performances mit ein, manchmal aber auch nicht bzw. kaum. Aber ich warte mal zuversichtlich auf die nächste Auflage des Buches.

Leider ist das Buch bislang nur auf Englisch erschienen; ich hoffe aber, dass es sich im Laufe der Jahre als eines der Standardwerke zu Michael Jackson etablieren wird und auch in anderen Sprachen erscheint. Neben „Man In The Music“ sind von Joseph Vogel zwei weitere Bücher über Michael Jackson erschienen:  In „Earth Song – Inside Michael Jackson’s Magnum Opus“ erzählt er auf gut 100 Seiten die Entstehungs- und Wirkungsgeschichte des vielleicht besten und wichtigsten Jackson-Songs (die zweite, aktualisierte Auflage des Buches ist Ende 2012 erschienen; allerdings ist sie nicht ganz fehlerfrei und unterschlägt die „Wetten, dass…?“-Performance des Songs völlig, worauf ich Joseph Vogel aber schon aufmerksam gemacht habe). „Featuring Michael Jackson“ fasst mehrere von Vogels zahlreichen Zeitungsartikeln und weiteren Veröffentlichungen über Michael Jackson in einem Band zusammen – beispielsweise seine persönliche Liste der zehn besten Jackson-Songs. Einige Texte finden sich auch auf Vogels Website (zusammen mit einer ständig wachsenden Liste an weiterer Literatur zum Thema). Wer also einen Einblick in Vogels Beiträge zu den „Michael Jackson Studies“ bekommen möchte, kann dort mit dem Lesen beginnen. Viel Spaß!

Darren Hayes – Secret Codes and Battleships

Bevor der erste „offizielle“ Blog-Post erscheint – was hoffentlich nicht allzu lange dauert – hier erst einmal ein Text über das neueste Album von Darren Hayes, das im Herbst 2011 erschienen ist. Ich hatte den Text kurz danach geschrieben, aber bislang noch nicht veröffentlicht. Nun dient er hier als mein Testballon:

Secret Codes and Battleships

Copyright Bild: Powdered Sugar Productions / EMI

Darren Hayes ist der größte lebende, männliche Popstar. So traurig es ist, dies angesichts des Todes des von mir verehrten Michael Jackson sagen zu müssen – der Sänger des australischen Pop-Duos Savage Garden, das Ende der Neunziger zwei erfolgreiche Alben veröffentlichte und dessen Welthit „Truly Madly Deeply“ auch heute noch Stammgast in den Playlists der Popradiostationen ist, hat sich diesen Status hart erarbeitet und redlich verdient. Dabei ist der Wahl-Londoner, der 2002 sein erstes von inzwischen vier Soloalben veröffentlichte, in weiten Teilen der Welt nahezu unbekannt. Dies zumindest ein Stück weit zu ändern und auch außerhalb Australiens und Großbritanniens, wo er im Laufe seiner Solokarriere die größten Erfolge feierte, einem größeren Publikum bekannt zu werden, könnte ihm mit seinem neuesten Album „Secret Codes and Battleships“ gelingen.

Man muss zugeben, dass er sich mit den beiden Vorgängeralben nicht leicht gemacht hatte. Fanden sich 2002 auf „Spin“, seinem Debütalbum als Solokünstler, noch Balladen und Uptempo-Nummern im Stil der Savage Garden-Stücke („Insatiable“ war auch hierzulande noch ein respektabler Hit), so vollzog Hayes 2004 mit „The Tension and the Spark“ eine Kehrtwende und legte allerdings zugleich sein bislang bestes Album vor. Waren seine Texte immer schon weit mehr als nur die in der Popmusik eben notwendige Ausgestaltung eingängiger Melodien, so wurden sie auf seinem zweiten Album nun richtig düster. In Liedern wie „Unloveable“ oder „Darkness“ besang er (zwischen)menschliche Abgründe, Depressionen und Selbstzweifel. Gleichzeitig klang hier auch fast kein Song mehr nach Savage Garden; zusammen mit seinem neuen Produktionspartner Robert Conley wandte sich Hayes einem elektronischeren Sound zu, der viele alte Fans abschreckte. 2007 folgte dann mit „This Delicate Thing We’ve Made“ ein 25 Songs umfassendes Doppelalbum, mit dem sich Hayes inhaltlich zwar nicht mehr so düster, aber musikalisch noch experimentierfreudiger und erneut textlich komplex zeigte. Viele Stücke behandelten das Thema Zeitreisen und ihre Konsequenzen für unsere Beziehungen zu unseren Mitmenschen (wenn sie denn möglich wären…), so dass man hier schon fast von einem Konzeptalbum sprechen kann. Kaum ein Song taugte hier zum schellen Radiohit, was zusammen mit der Tatsache, dass Hayes das Album ohne große Plattenfirma auf seinem eigens gegründeten Independent-Label Powdered Sugar veröffentlichte, der Grund dafür sein dürfte, dass Hayes’ alte Fans, denen der stilistische Wechsel 2004 gefallen hatte, ihm nun zwar noch treuer ergeben waren, jedoch leider nur wenige neue hinzukamen.

„Step Into The Light“ (aus dem Album „This Delicate Thing We’ve Made“, 2007):

Auf seinem neuen, am 28.10.2011 auch in Deutschland erschienen Album, setzt der Sänger den Experimenten der letzten beiden Platten nun ein Ende. Das erste Stück, „Taken by the Sea“ beginnt mit sanften Spieluhrklängen, wandelt sich dann aber schnell zur kraftvollen Ballade, die den Ton des Albums vorgibt. Textlich, weil hier bereits die Meeresthematik anklingt, die in mehreren Stücken und im Albumtitel eine Rolle spielt („I am an island / And you are the ocean / And all of my sadness taken by the sea“); musikalisch, weil das Stück – wie all die anderen auch – einen äußerst poppigen ersten Eindruck macht und man leicht in Gefahr gerät, zu glauben, das sei alles nur oberflächliches Gedudel, irgendwie schön, aber ohne tieferen Inhalt. Dass dem nicht so ist, zeigt ein Blick auf die Songtexte der zwölf Stücke, in denen Hayes einmal mehr einen Blick auf seine verwundete Seele gewährt und von großen Glücksgefühlen ebenso singt wie von Melancholie und Verzweiflung, vor allem aber immer wieder (und das ist eines seiner Lieblingsthemen) von der Notwendigkeit zwischenmenschlicher Kommunikation auch in scheinbar aussichtslosen Lagen. Doch auch musikalisch sind die zwölf Stücke äußerst komplex und mit viel Liebe zum Detail gestaltet.

Zum Teil erschließt sich die Tiefe der Lieder erst nach mehrmaligem Hören und nicht jeder der potentiellen Ohrwürmer geht sofort ins Ohr, doch es gibt eine Menge von ihnen und es dauert nicht allzu lange, bis man sie dann doch nicht mehr aus dem Kopf kriegt. Neben Robert Conley und Justin Shave, die auch schon an Hayes’ letztem Album als Produzenten mitgewirkt haben, hat er sich für „Secret Codes…“ Steve Robson (Take That) und Carl Falk (u.a. Westlife, Nicole Scherzinger) mit ins Boot (man beachte die Meeres-Metapher! 😉 ) geholt und zudem bei einem Song erneut mit Walter Afanasieff zusammengearbeitet, der zu Savage Garden-Zeiten sowie bei Hayes‘ erstem Soloalbum mit im Produktionsteam gewesen war. Den Produzenten gelingt es hier gemeinsam mit Hayes, die Lieder allesamt opulent, aber nie überproduziert klingen zu lassen. Trotz vieler Effekte und üppig aufeinander getürmter Klangschichten steht Darren Hayes Stimme stets im Vordergrund und trägt jedes einzelne Lied. So finden sich beispielsweise während des Refrains von „God Walking Into The Room“ ein paar extrem nach billigem 80er Jahre-Elektropop klingende Sounds, mit denen heute wohl nur noch die wenigsten durchkommen würden; Darren Hayes und Justin Shave setzen sie hier allerdings nicht als pures Gimmick ein und verbinden alle musikalischen Elementen mit einem zwar kitschigen, aber ehrlichen Text über die Kraft der Liebe zu einem schlüssigen Ganzen.

Der Albumtitel „Secret Codes and Battleships“ ist einer Textzeile des zweiten Titels „Don’t Give Up“ entnommen und kann vor dem Hintergrund der oben erwähnten Thematik zwischenmenschlicher Kommunikation, die das ganze bisherige Schaffen von Hayes durchzieht, interpretiert werden: Die „Secret Codes“ weisen auf die Schwierigkeiten des gegenseitigen Verstehens in allen Arten von Beziehungen hin; die „battleships“ erklären sich in diesem Kontext fast von selbst – immer wieder kommt es dabei zu Streitigkeiten, zu Gefechten zwischen schwer bewaffneten Kampfschiffen auf hoher See, um in der Sprache des Albums zu bleiben. Schon im Savage Garden-Song „Crash and Burn“ und dem dazugehörigen Video ging es 1999 um die unbedingte Notwendigkeit, sich einem anderen Menschen anzuvertrauen, um nicht in Einsamtkeit, Verzweiflung und Anomie zu verfallen. Auch die erste Single des neuen Albums, „Talk Talk Talk“, geht in diese Richtung und beschreibt den Versuch, eine schon fast von Streit (oder noch schlimmer: Schweigen) auf den Grund gezogene Beziehung doch noch zu retten, indem man den anderen bittet, einem doch wenigstens zuzuhören: „Please hear me out / All I want to do is just talk talk talk to you“.

Einer der Höhepunkte des Albums ist „Black Out The Sun“, bei dem sich Darren Hayes einmal mehr als Meister in der Disziplin beweist, melancholische, ja fast schon depressive, lebensverneinende Inhalte („There’s a hole where my soul used to grow / So just black out the sun“) mit eingängigen Melodien und raffinierten Arrangements zu einem Kunstwerk zu verbinden, bei dem man äußerst gerne mit dem klagenden Künstler mit leidet. Aufgenommen wurde das Stück übrigens exakt an dem Tag, an dem Michael Jackson verstarb, was sich zusätzlich im Gesang des Jackson-Fans Hayes niederschlug. Die limitierte Sonderausgabe des Album enthält auf einer zusätzlichen CD sogar einen Titel („Glorious“), den Hayes nach Jacksons Tod eigens über sein (und mein) Idol geschrieben hat.

Das Musikvideo zur zweiten Single „Black Out The Sun“:

Weitere Beispiele für all die im Zusammenhang mit zwischenmenschlichen Beziehungen (und Trennungen) immer wieder aufkommenden Zweifel oder für mangelndes Selbstbewusstsein finden sich in den Liedern auf „Secret Codes…“ zuhauf: „I’m the kind of person who can barely be loved“, singt Hayes in „Hurt“, überzeugt davon, einem geliebten Menschen doch immer wieder nur weh zu tun. Auch in „Nearly Love“ kommt die Sehnsucht nach Nähe zum Ausdruck, und auch hier führt dies nicht einfach zum Happy End, bei dem man sich liebend in den Armen liegt: „In your touch / Well your body can move in close / But my heart is a lonesome ghost / I’d never feel you anyway“. Und wenn dann schließlich ein Stück namens „Cruel Cruel World“ mit den Worten „I don’t know how I’m supposed to feel / Without my tiny little pills“ beginnt, dann wird endgültig klar, dass dieses Album nicht einfach als Feelgood-Popplatte abstempeln darf. Paradoxerweise wird es aber auch dieser Funktion gerecht; anders als in vielen Stücken auf „The Tension and The Spark“ kriegt Hayes hier immer die Kurve und bleibt nicht nur in Niedergeschlagenheit und Einsamkeit hängen. Wenn er dem Hörer in „Stupid Mistake“ ein trotziges „I don’t want to love / And I don’t want anybody else to either“ hinwirft, dann muss man das vielleicht mit einem Augenzwinkern sehen. Hier hat jemand seine Depressionen längst überwunden und blickt manchmal ironisch, aber immer ehrlich auf das zurück, was er durchgemacht hat.

Was Hayes aus seinen Erfahrungen gelernt hat, beschreibt das Stück „Roses“ am besten: „You can’t smell the roses when you’re gone / So live every moment like it’s the last night on earth“. Inhaltlich wie gesanglich hätte man sich den Titel auch als Michael Jackson-Song vorstellen können…

Der Höhepunkt des Albums ist jedoch „Bloodstained Heart“, ein Lied, das zart beginnt, sich aber schnell zu großen Gefühlen aufschwingt – bis hin zu einer Coldplay-artigen Stadionrocksequenz und einem ziemlich abrupten Ende, das den Zuhörer emotional erschöpft zurücklässt. „You hit me like a subway train / And I’ll never be the same“, singt Hayes und ganz ähnlich könnte man auch das ganze Album beschreiben: Hayes hält hier wieder einmal nichts zurück, fährt in Form von großen Gefühlen, aber auch intimen Momenten die ganze Bandbreite des emotionalen Spektrums auf und verpackt das Ganze in zumeist zeitlos klingenden Popsound mit wunderbaren, eingängigen Melodien. Großartige Popsongs müssen nicht übermäßig kompliziert sein, dürfen in ihrer Einfachheit musikalisch wie textlich aber auch niemals plump wirken. Diesen Spagat meistert Hayes in bewundernswerter Weise, so dass die Platte kaum Wünsche offen lässt. Nur einen habe ich noch: Bitte, bitte lieber Darren, komm endlich mal wieder für ein paar Konzerte nach Deutschland!

„Bloodstained Heart“ live bei der australischen Ausgabe von „X-Factor“: