Bates Motel – Staffel 1 & 2

Achtung! Dieser Text enthält Spoiler für die ersten zwei Staffeln von „Bates Motel“ und für Hitchcocks „Psycho“!

Mit dem neuen Jahr kamen wie immer neue, gute Vorsätze – unter anderem, dieses Jahr auch wirklich über alle Fernsehserien, die ich anschaue, zu bloggen. Los geht es mit dem „Psycho“-Prequel „Bates Motel“, dessen erste beiden Staffeln ich in den letzten Wochen angeschaut habe. Wer Alfred Hitchcocks „Psycho“ kennt, weiß natürlich, auf welches Ziel die Serie hin erzählen will und was mit ihren beiden Hauptfiguren, dem hier 17-jährigen Norman Bates (Freddie Highmore) und seiner Mutter (Vera Farmiga) bis dahin geschehen muss. Aber selbst (oder gerade dann?), wenn man dieses Hintergrundwissen noch nicht hat, unterhält „Bates Motel“ bestens, denn hier handelt es sich um hochklassige TV-Unterhaltung, die zwar das Rad nicht neu erfindet, aber in vielen Bereichen – vor allem beim Schauspiel – Bestleistungen abliefert.

Die Serie beginnt damit, dass der junge Norman die Leiche seines anscheinend bei einem Unfall ums Leben gekommenen Vaters findet. Während Norman vollkommen aufgelöst ist und weinend neben dem leblosen Körper sitzt, wirkt seine Mutter Norma relativ gefasst. Sechs Monate später ist sie entschlossen, einen Neuanfang zu wagen und zieht mit Norman in eine Kleinstadt in Oregon. Das Geld, das sie nach dem Tod ihres Mannes von der Versicherung erhalten hat, hat sie in den Kauf eines alten Hauses und eines dazugehörigen Motels investiert. Norman ist von dem Umzug alles andere als begeistert, möchte seine Mutter andererseits aber gerne wieder glücklich sehen und verspricht, ihr bei der Leitung des Motels zu helfen. „This is our chance to start over.“, sagt Norma zu ihrem Sohn, als sie an ihrem neuen Wohnort angekommen sind. Doch der scheint Zweifel zu haben: „Maybe some people don’t get to start over. They just move to a new place.“, entgegnet er.
Gerade diese Ankunftsszene am aus dem Kinofilm bekannten Handlungsort wirkt, als spiele sie wie Hitchcocks Film in den späten 50er Jahren. Kleidung, Frisuren, das Auto und die Farben, in denen das Bild gehalten ist, deuten ganz auf diese Epoche hin; doch kurz darauf, nach der Titeleinblendung in der ersten Folge, sehen wir die Figuren mit Smartphones hantieren und es wird klar: die Serie erzählt zwar die Vorgeschichte der bekannten Charaktere, spielt aber in unserer Gegenwart (die erste Staffel erschien 2013). Der zweite (unwichtige) Unterschied zum Film ist der Handlungsort: Während Hitchcocks Geschichte im kalifornischen Fairvale angesiedelt ist, spielt „Bates Motel“ im (ebenfalls fiktiven) White Pine Bay, Oregon.

Vera Farmiga (vor ein paar Jahren oscarnominiert für „Up In The Air“) sieht ein bisschen aus wie Felicity Huffman (Lynette aus „Desperate Housewives“), was einer der Gründe ist, warum ich beim Anschauen von „Bates Motel“ gelegentlich an „Desperate Housewives“ denken musste. Ihre Serienfigur hört auf den Namen Norma Bates, worin sich bereits ihre äußerst enge (und nicht immer gesunde) Beziehung zu ihrem Sohn Norman andeutet. Norma kann höchst liebenswürdig und charmant sein, jedoch auch skrupellos und manipulativ. Man erwartet bei dieser Serie ja eigentlich, den Sohn als kaputte, verrückte Persönlichkeit zu sehen, doch im Laufe der ersten Episdoen stellt sich heraus, dass es eigentlich seine Mutter ist, die hier verrückt ist. Klar, irgendwo müssen Normans Probleme ja her kommen (und er muss außerdem erst an den Punkt hin kommen, an dem er im Film ist und darf demzufolge nicht schon zu Beginn der Serie ein verrückter Serienmörder sein).
Schauspielerisch liefert Vera Farmiga eine Leistung der Spitzenklasse ab und darf als Norma das gesamte Ausdrucks- und Gefühlsspektrum abarbeiten. Besonders viel Spaß hat man als Zuschauer dabei immer dann, wenn Norma mal wieder einen ihre Nervenzusammenbrüche hat, weil ihr alles über den Kopf wächst. Das geschieht zum Beispiel, als sie in der ersten Staffel feststellen muss, dass ihr neuer Wohnort keineswegs so idyllisch ist, wie sie sich das vorgestellt hat, sondern der Wohlstand des Ortes zum großen Teil auf illegalen Drogengeschäften beruht und sich auch noch ein Großteil ihrer Motelgäste als Arbeiter auf den örtlichen Hanfplantagen entpuppen. Die schlimmen Ereignisse, die ihr gleich in der ersten Folge widerfahren, steckt sie dagegen erstaunlich gut weg: Keith Summers, der ehemalige Besitzer des Motels, vergewaltigt sie in ihrer eigenen Küche. Verzweifelt schreit Norma nach ihrem Sohn, der allerdings ohne ihr Wissen mit ein paar Mächen auf eine Party gegangen ist und gerade noch rechtzeitig zurück kommt, um seiner Mutter zu Hilfe eilen zu können. Die macht dann mit ihrem Vergewaltiger kurzen Prozess und tötet ihn mit zahlreichen Messerstichen – eine Szene, die den späteren „Psycho“-Mord vorweg nimmt und natürlich Konsequenzen nach sich zieht. Norma und Norman setzen nun alles daran, ihre Beteilgung an Keith Summers‘ Verschwinden vor der Polizei, insbesondere dem örtlichen Sheriff Alex Romero (Nestor Carbonell, „Lost“), geheim zu halten.
Der Neuanfang steht also unter keinem guten Stern und spätestens, als im weiteren Verlauf der ersten Staffel ein zweiter Mord auf Normas Grundstück verübt wird, wollen die meisten der Stadtbewohner nichts mehr mit ihr zu tun haben. Umso mehr ist sie schließlich überrascht, als sie in der zweiten Staffel nicht nur eine neue Freundin namens Christine gewinnt, sondern auch noch deren Bruder George (Michael Vartan, „Alias“) ein Auge auf Norma geworfen hat. Die Dates mit George verlaufen aber wenig glücklich, vor allem, weil Norma einfach nicht dazu in der Lage zu sein scheint, sich anderen Menschen zu öffnen und ihnen zu vertrauen (von Norman einmal abgesehen). Auch Christine muss am Ende der zweiten Staffel feststellen, dass Norma ihren schlechten Ruf zu Recht hat und einfach nur ein „Wrack“ ist.

Ihr Sohn Norman Bates wirkt dagegen wie erwähnt anfangs relativ normal. Er ist ein etwas schüchterner 17-jähriger, der noch wenig Erfahrungen mit Mädchen hat, aber durchaus anziehend auf das andere Geschlecht wirkt. In den ersten Episoden macht er diesbezüglich zwei wichtige Bekanntschaften: Emma (Olivia Cooke) ist ganz klar in Norman verliebt, doch der sieht in ihr nur eine gute Freundin. Bradley Martin wiederum (gespielt von Nicola Peltz, die man letztes Jahr in „Transformers“ im Kino sehen konnte) ist eines der schönsten und begehrtesten Mädchen der Schule. Nachdem Norman mit ihr geschlafen hat, kann er sein Glück kaum fassen und fantasiert sich anschließend in eine Beziehung mit ihr hinein, die so gar nicht existiert. Als er Bradley endlich darauf anspricht, macht sie ihm klar, dass sie für ihn keine tieferen Gefühle empfindet und es bereut, mit ihm geschlafen zu haben.
Das hört sich nach einer ziemlich normalen Jugend an und Norman wird, besonders in den ersten Folgen, durchaus als ein „normaler“ Junge dargestellt, für den es noch Hoffnung zu geben scheint, eben nicht der Norman Bates zu werden, den wir aus „Psycho“ kennen. Natürlich gibt es aber auch regelmäßig ganz klare Hinweise, die genau in diese Richtung weisen: So hat Norman immer wieder Blackouts, nach denen er sich an seine Handlungen der letzten paar Stunden nicht erinnern kann; außerdem hat er „Visionen“ von seiner Mutter, die zu ihm spricht, obwohl sie nicht anwesend ist und ihm Anweisungen gibt. Wer „Psycho“ gesehen hat, weiß wo das hinführen wird. Das gilt übrigens auch für das Hobby, das sich Norman in der ersten Staffel aneignet: Er lernt nämlich, tote Tiere zu präparieren und auszustopfen – zum Missfallen seiner Mutter, die der Meinung ist, er solle mehr Zeit mit lebenden Wesen verbringen, statt sich im Keller mit leblosen Tieren zu beschäftigen.
Freddie Highmore kannte man vorher nur als Kinderdarsteller aus Filmen wie „Finding Neverland“ („Wenn Träume fliegen lernen“) oder „Charlie und die Schokoladenfabrik“. In „Bates Motel“ bringt er sowohl die unsichere, schüchterne Seite seiner Figur überzeugend zum Ausdruck, wie auch die verwirrte, oft wütende andere Seite. In der zweiten Staffel lernt Norman erneut ein Mädchen kennen, von dem er vollkommen fasziniert ist: Cody Brennan (Paloma Kwiatkowski) schert sich einen Dreck um die Vorstellungen und Erwartungen anderer Menschen und macht einfach, was sie will. Ihre Spontanität, ihr Mut und ihre Unbekümmertheit beeindrucken Norman, der sich schnell in sie verliebt. Auch mit ihr hat er Sex, aber genau wie Bradley scheint auch Cody nur ein Mädchen für eine Staffel zu sein, denn nach dem Tod ihres Vaters muss sie zu ihrer Tante ziehen. Zu Norman sagt sie, dass sie ihm bestimmt nicht schreiben wird…wenn das nun noch ein paar Staffeln so weiter geht, kann ich mir schon vorstellen, dass der Junge kein gesundes Verhältnis zu Frauen entwickelt.

Daran ist aber wohl in erster Linie seine Mutter schuld, denn das hier dargestellte Mutter-Sohn-Verhältnis ist schon sehr speziell. „People suck. Everyone I’ve ever known has sucked. Except you.“, fasst Norma zu Beginn der Serie ihre Lebensphilosophie zusammen. Norman wiederum bestätigt dies, indem er ihr mitteilt, er wolle in keiner Welt ohne sie leben. Seine Mutter wiederum scheint keinerlei Verständnis dafür oder auch nur eine Vorstellung davon zu haben, was in einem 17-Jährigen vorgeht, in welchem Stadium seiner persönlichen Entwicklung sich ihr Sohn befindet und wie eine gesunde Mutter-Sohn-Beziehung auszusehen hat. So zieht sie sich beispielsweise in einer Szene in seiner Anwesenheit um. Als er verschämt wegschaut, sagt sie, das brauche er nicht zu tun, schließlich sei sie seine Mutter und es doch völlig normal, dass sie sich vor ihm umzieht. Immer wieder kommt es auch zu Eifersucht zwischen den beiden. Als Norma in der ersten Staffel eine Affäre mit einem Polizisten beginnt, kann Norman dies von Beginn an nicht leiden. Norma dagegen ist die Vorstellung unheimlich, dass Norman mit Bradley schläft und Cody findet sie schon von der ersten Begegnung an unsympathisch.
Selbstverständlich darf auch eine Szene, in der Mutter und Sohn gemeinsam beim Psychotherapeuten sitzen, nicht fehlen. Als dieser Norman Fragen stellt, ist es natürlich Norma, die immer wieder dazwischen fährt und für ihren Sohn antwortet. Anschließend spricht der Therapeut kurz mit Norma alleine. Er merkt an, dass man seine Kinder irgendwann loslassen muss und schlägt vor, sowohl Norman als auch Norma in Einzelsitzungen zu sprechen. Dies macht Norma so wütend, dass sie ihn anschreit und aus dem Zimmer stürmt.
Die Beziehung zwischen Norma und ihrem Sohn durchlebt im Verlauf der beiden Staffeln mehrere Höhen und Tiefen. Als Norma, verstört und verärgert durch die Ereignisse der letzten Zeit, ihren Problemen mal wieder davon laufen und einfach erneut umziehen will, schreit Norman ihr ins Gesicht, sie sei verrückt und tue Dinge, die absolut keinen Sinn ergäben. Kurze Zeit später kriecht dann Norma zu ihrem Sohn ins Bett, weil sie Angst hat, alleine zu schlafen (und der 17-jährige Norman lässt dies einfach geschehen).

Mit zunehmendem Verlauf der Serie wird klar, dass Norma ihren Sohn nur beschützen will – und zwar vor sich selbst. Denn in den Phasen, in denen er seine Blackouts hat, begeht Norman immer wieder Morde, an die er sich später nicht mehr erinnern kann. So auch am Ende der ersten Staffel, als ihn seine Lehrerin Mrs Watson nach einem demütigenden Erlebnis auf dem Schulball mit zu sich nach Hause nimmt und ihn dort verführt. Norman bedankt sich bei ihr, indem er sie ermordet – scheinbar auf Anweisung seiner Mutter, die ihm erscheint und ihm sagt, er wisse, was er zu tun habe. Danach hat er keinerlei Erinnerung an seine Tat. Als er und Cody in der zweiten Staffel wegen einers anderen Falles von der Polizei befragt werden, fleht Norma Cody an, ja nichts von Normans Blackouts zu erzählen. Nachdem Norman davon erfahren hat, fragt er bei seiner Mutter so lange nach, bis er schließlich dahinter kommt, was mit ihm los ist. Ihm wird klar, dass er seine Lehrerin umgebracht hat und dass dies wahrscheinlich nicht der einzige Mord ist, den er begangen hat. Norma versucht zu diesem Zeitpunkt immer noch, ihn davon zu überzeugen, dass er sich das alles nur einbildet (und recherechiert mal wieder, wo sie als nächstes hin ziehen könnten, um ihren Problemen aus dem Weg zu gehen). Doch Norman glaubt ihr nicht, schnappt sich eine Pistole und rennt in den Wald, um sich umzubringen. Norma, die ihm folgt, kann ihn davon abbringen und ihn überzeugen, dass sie ihn braucht und ohne ihn nicht leben kann. Als Norman schließlich einem Lügendetektortest unterzogen und gefragt wird, ob er seine Lehrerin umgebracht habe, kann er die Polizei erfolgreich täuschen. Während er die Frage mit „nein“ beantwortet, taucht vor ihm wieder die Vision seiner Mutter auf. „Du hast sie doch gar nicht getötet.“, sagt sie zu ihm. „Ich habe sie getötet. Das bleibt unser Geheimnis.“
Erstaunlich schlüssig und plausibel beantwortet die Serie auf diese Weise die Frage, wie Norman Bates zu der Person wurde, die wir aus „Psycho“ kennen. Eigentlich bleibt nun nicht mehr viel übrig, einzig das endgültige Schicksal von Normans Mutter steht noch aus. Mindestens eine weitere Staffel von „Bates Motel“ wird es noch geben und das sollte eigentlich ausreichen, um den Bogen zu „Psycho“ zu schlagen. Ich befürchte allerdings, dass – zumindest bei entsprechendem Erfolg – noch weitere Staffeln folgen und die Autoren die Handlung unnötig strecken werden.

Wo ich gerade beim Thema bin – ich habe noch gar nicht erwähnt, dass Norman in der Serie einen Bruder namens Dylan (Max Thieriot) hat, der ab der zweiten Folge zu den Hauptfiguren gehört. Seine Szenen fand ich meistens weniger interessant als die Handlung um Norma und Norman; da hat sich eben einiges angefühlt, wie unnötiges Füllmaterial. Dylan ist als Gegensatz zu Norman konzipiert; er ist ein paar Jahre älter und sieht das Verhältnis zwischen Norman und seiner Mutter äußerst kritisch. Immer wieder versucht er Norman dazu zu bewegen, sich von der Mutter abzunabeln, doch mit wenig Erfolg. Seine eigene Beziehung zu Norma (die er auch stets so nennt, niemals „Mutter“) ist deutlich distanzierter als die zwischen Norman und Norma. Er fühlt sich von seiner Mutter weniger geliebt und sieht die Vertrautheit, mit der sein Bruder und seine Mutter miteinander umgehen vielleicht auch deshalb nicht gerne, weil er selbst gerne ein wenig mehr davon hätte. Warum Norma zu Dylan keine solche enge Beziehung entwickeln kann, erfahren wir in der zweiten Staffel: Dylans Vater ist Normas Bruder Caleb, der Norma in ihrer Jugend regelmäßig vergewaltigt hat.
Dylan wird im Lauf der ersten beiden Staffeln eng in die Kriminalität in White Pine Bay verstrickt. Er jobbt zunächst als Wachmann auf einer der Hanffarmen, steigt dann aber schnell in der Hierarchie auf und gerät in einen Machtkampf zwischen den örtlichen Drogenbanden, den er überlebt. Dass ich diesen Handlungsstrang nie besonders interessant fand, lag zumindest zum Teil auch daran, dass hier alles zu künstlich, zu sehr nach Schauspiel und Requisite aussah. Die Frisuren, Gesichter, Jeans- und Lederjacken – all das sieht aus, als käme es frisch aus der Maske bzw. Kostümabteilung (was ja auch der Fall ist). Kein einziges Mal wirken Dylan und die anderen „harten Typen“ tatsächlich wie echte Kriminelle, sie sehen immer noch viel zu glatt und gut aus. Zugegeben, ähnliche Kritik kann man an den meisten anderen TV-Serien und Filmen auch üben, aber hier ist es mir eben besonders aufgefallen.

Es ist zwar nicht besonders überaschend, dass Geheimnisse in der Serie eine große Rolle spielen, ich finde es aber doch interessant und erwähnenswert. Vielleicht liegt das daran, dass mir dieses erzählerische Mittel in Fernsehserien viel mehr bewusst wird, seit ich in meiner Diplomarbeit über „Desperate Housewives“ das „Geheimnis“ als eine Analysekategorie gewählt habe. In „Bates Motel“ gibt es jedenfalls von der ersten Episode an zahlreiche Geheimnisse, die im Laufe der Serie für Spannung sorgen. Es geht schon damit los, dass Norma und Norman in der ersten Folge die Leiche von Keith Summers vor Sheriff Romero verstecken müssen, was für eine Szene sorgt, bei der man wirklich vor Spannung die Finger ins Sofakissen krallt. Und das ist nur der Anfang: Das im Keller eines Polizisten als Sexsklavin gefangen gehaltene Mädchen, Normas Affäre mit eben jenem Polizisten, Normans geheime Sehnsüchte, Dylans Job auf der Hanffarm, der mysteriöse Fremde namens Abernathy, die Ereignisse, die zum Tod von Normans Vater geführt haben – das alles (und noch viele mehr) sind Geheimnisse, die im Verlauf der ersten Staffel eingeführt werden und für Konfliktstoff sorgen.
Von besonderer Bedeutung sind natürlich die Geheimnisse um Norman. Seine Blackouts und seine teils ungewöhnlichen Sehnsüchte sollen dem Willen seiner Mutter nach unbedingt geheim gehalten werden. Ihr Handeln wird immer wieder von der Angst bestimmt, diese (und andere) Geheimnisse könnten auffliegen; das erklärt zum Beispiel, warum sie strikt dagegen ist, dass Norman mit einem Psychologen spricht. Im Zusammenhang mit Normans Blackouts ist zudem interessant, dass es sich dabei um ein Geheimnis handelt, das Norman quasi vor sich selbst hat. Als er allmählich dahinter kommt, dass er gelegentlich Dinge tut, über die er keine Kontrolle hat und an die er sich nicht erinnern kann, ist er verständlicherweise sehr verstört.
Bei vielen der Probleme in „Bates Motel“ handelt es um Dinge, die schnell aus der Welt geschafft oder zumindest weit weniger dramatisch und spannend wären, wenn die Beteiligten nur offen darüber reden würden. Genau deswegen müssen die Figuren auch immer vom Thema ablenken, nicht darüber reden wollen oder sich ganz einfach verschlossen und mysteriös geben, um die Geheimnisse fortbestehen zu lassen. Als Norman in der zweiten Staffel Emma davon erzählt, dass Dylan ausgezogen ist, schiebt er gleich hinterher, dass sich diese Angelegenheit nicht klären lässt und Emma deswegen gar nicht weiter mit ihm darüber zu sprechen braucht. Und als er am Ende der Staffel hinter das Geheimnis seiner Blackouts gekommen ist, bleibt seiner Mutter zwar irgendwann keine andere Wahl mehr als seine Vermutungen zu bestätigen, doch ein Rest-Geheimnis wird trotzdem aufrecht erhalten, als sie sagt, sie wisse zwar über seine Blackouts bescheid, werde aber nicht weiter mit ihm darüber sprechen, um ihn zu beschützen. „Wir kennen andere Leute nie wirklich. Was wir sehen ist immer nur die Spitze des Eisbergs.“, sagt sie einige Folgen zuvor zu Norman (und dieser Satz könnte genau so auch als Teil des von Mary-Alice gesprochenen Voicovers in einer Episode von „Desperate Housewives“ zu hören sein).

Wie ich eingangs schon geschrieben habe, handelt es sich bei „Bates Motel“ um hervorragende TV-Unterhaltung. Die Handlung läuft zwar nach etablierten Mustern und ohne große Überraschungen ab, die Umsetzung der Drehbücher ist aber so gut, dass ich mich – abgesehen von einigen Szenen mit Dylan – nicht gelangweilt habe. Vor allem Vera Farmigas und Freddie Highmores Schauspiel machen die Serie sehenswert.
Da „Bates Motel“ ja die Vorgeschichte zu „Psycho“ darstellt und langsam aber sicher auf die Ereignisse im Film bzw. die dort geschilderte Situation von Norman Bates hin erzählt, war ich anfangs skeptisch, ob es der Serie gelingen würde, etwas Neues und Eigenständiges zu schaffen. Diese Frage kann ich nun eindeutig mit ja beantworten; „Bates Motel“ macht auch dann Spaß, wenn man „Psycho“ nicht gesehen hat. Und für alle, die den Film schon kennen, wird die Figur Norman Bates durch die Serie erweitert, so dass man in Zukunft beim Anschauen des Films das Serienwissen quasi mit denkt. Auch das Spiel mit den Erwartungen hinsichtlich Normans Schicksal gelingt der Serie gut; er wird hier durchaus noch als eine Person dargestellt, für die es noch Hoffnung gibt, als ganz normaler Teenager mit ein paar Problemen eben.
Das Prequel-Konzept hat seine Vor- und Nachteile. Zwar können die Autoren immer wieder Anspielungen auf „Psycho“ unterbringen und eben mit den Erwartungen der Zuschauer spielen, doch gleichzeitig sind sie dadurch eingegengt, da das Endergebnis der Handlung schon feststeht. Wäre die Serie keine „Psycho“-Vorgeschichte, dann wäre sie vielleicht wirklich noch spannender, da man keine Ahnung hätte, in welche Richtung sich alles entwickelt. So aber stellt sie eine Herausforderung für die Drehbuchautoren dar, die die Figuren sowohl an den bereits bekannten Endpunkt manövrieren müssen, als auch die Zuschauer immer wieder überraschen. Bislang gelingt dieser Spagat ziemlich gut. Die dritte Staffel wird ganz bestimmt ebenfalls den Weg auf meinen Fernseher finden.

Babylon 5 – Episode 1.07 „The War Prayer“

Endlich geht mein größtenteils spoilerfreier „Babylon 5“-Rewatch in eine weitere Runde. Mal sehen, wie lange ich bis zum nächsten Blogpost brauche, die Arbeit an diesem hier hat jedenfalls ziemlich viel Zeit in Anspruch genommen. Aber das braucht euch nicht zu kümmern, denn nun ist meine Episodenbesprechung ja fertig:

Episode 1.07 “The War Prayer” (“Angriff auf die Außerirdischen”)

Drehbuch: D.C. Fontana, Regie: Richard Compton
Erstausstrahlung: 09.03.1994 (USA), 17.09.1995 (Deutschland)

„The War Prayer“ folgt drei verschiedenen Handlungssträngen, die sich im Verlauf der Episode überschneiden. In der ersten Szene lernen wir die Minbari-Dichterin Shaal Mayan (Nancy Lee Grahn) kennen, eine alte Freundin von Delenn. Im Gespräch der beiden erleben wir Delenn herzlicher und gefühlvoller als in den bisherigen Episoden, wo sie zumeist als unnahbare oder mysteriöse Person in Erscheinung getreten ist. Mit der Herzlichkeit ist es aber schon nach dieser ersten Szene vorbei, als Mayan auf dem Weg zu ihrem Quartier von unbekannten Angreifern attackiert und ihre Stirn mit einem Brandmal versehen wird. Das Symbol und die Aussage der Angreifer, „Stay away from Earth, freak!“, lassen keine Zweifel daran, dass es sich um die Tat einer menschlichen Extremistengruppe namens Homeguard handelt, die möglichst jeden außerirdischen Einfluss von der Erde fern halten will.
Delenn bringt Sinclair gegenüber ihre Wut über den Angriff und die ihrer Meinung nach unzureichende Aufklärungsarbeit der Sicherheitskräfte auf der Station zum Ausdruck. Auch G’Kar droht mit Konsequenzen, falls Narn zum Opfer der Homeguard werden sollten. Nachdem wir den Narn-Botschafter in der letzten Folge von einer bis dahin nicht gekannten nachdenklichen, ja fast schon philosophischen Seite erlebt haben, agiert er hier erneut in der Rolle des Aggressors. Shaal Mayan dagegen reagiert auf die Attacke unerwartet besonnen und beschließt sogar, das Brandzeichen auf ihrer Stirn nicht entfernen zu lassen, sondern es als Mahnung und Erinnerung zu behalten.

Londo hat inzwischen Probleme ganz anderer Art. Kiron und Aria, zwei junge, frisch verliebte Centauri, sind nach Babylon 5 gekommen und erhoffen sich vom Botschafter ihres Volkes Hilfe. Die beiden sollen gemäß der Tradition der Centauri in arrangierten Ehen mit Partnern verheiratet werden, die sie nicht lieben, die ihnen und ihren Familien aber ein großes Maß an Ansehen und Einfluss sichern. Londo kann ihren Wunsch nach einer Hochzeit aus Liebe zunächst gar nicht nachvollziehen. „What does love have to do with marriage!?“, fragt er sie und zeigt ihnen Fotos seiner drei Ehefrauen, für die er alles andere als Liebe empfindet, die sich aber auch weit fort auf der Centauri-Heimatwelt befinden. Dass er sich selbst vor kurzem noch im Liebestaumel befand, als er eine kurze, aber glückliche Zeit mit der Tänzerin Adira verlebte, scheint er entweder vergessen zu haben oder bewusst verdrängen zu wollen (oder es handelt sich hier schlicht um eine Unachtsamkeit der Autoren).
Kurz darauf werden Kiron und Aria Opfer eines weiteren Angriffs der Homeguard, den Kiron nur schwer verletzt überlebt. Dies – und ein Gespräch mit Shaal Mayan – ist wohl der Grund dafür, warum sich Londo letztlich doch erweichen lässt. Zwar beharrt er weiterhin darauf, dass Kiron und Aria sich an die Traditionen ihres Volkes halten müssen, doch er findet eine Lösung, die sowohl diese Traditionen berücksichtigt, als auch den Wünschen der jungen Verliebten nachkommt. Wenn er schon selbst vergessen zu haben scheint, „wie man tanzt“, dann will er wenigstens dem jungen Paar, in dem er sich selbst ein Stück weit wieder erkennt, die Möglichkeit zu einer glücklichen und erfüllten Zukunft geben.

Susan Ivanova bekommt unterdessen überraschenden Besuch von ihrem Ex-Freund Malcolm Biggs (Tristan Rogers), den sie vor acht Jahren verlassen hatte, um sich ganz ihrer Karriere widmen zu können. Die beiden verbringen einen netten Abend zusammen, doch leider stellt sich kurz danach heraus, dass Biggs ein Mitglied der Homeguard ist. Er ist auf die Station gekommen, um einen Angriff auf die außerirdischen Botschafter zu koordinieren und hofft außerdem, neue Mitglieder anwerben zu können.
Commander Sinclair befürchtet, dass nach den beiden Angriffen die Gewalt auf der Station eskaliert und die Homeguard auf diese Weise genau jene Ziele untergräbt, für die Babylon 5 steht: Völkerverständigung und ein friedliches Miteinander. Er scheint mit dieser Befürchtung Recht zu behalten, als G’Kar die Außerirdischen auf der Station dazu auffordert, sich die Angriffe der Menschen nicht gefallen zu lassen und zurück zu schlagen. Sinclair gibt daraufhin vor, mit den Zielen der Homeguard zu sympathisieren und wird zusammen mit Ivanova zu einem Treffen mit Biggs eingeladen. Dort erfahren sie von seinen Plänen und können ihn und einige seiner Mitstreiter mit Hilfe von Garibaldi und seinen Sicherheitskräften schließlich überwältigen und gefangen nehmen.
Dieser Handlungsstrang legt einen wichtigen Grundstein in der episodenübergreifenden Handlung der Serie. Der zunehmende Fremdenhass auf der Erde und der Versuch bestimmter Gruppierungen, sich gegen die Anwesenheit und den Einfluss Außerirdischer zur Wehr zu setzen, wird später in der Serie noch ausführlich thematisiert werden. Innerhalb dieser Episode kann die Erzählung jedenfalls nur teilweise als geglückt betrachtet werden; es erscheint jedenfalls ziemlich unglaubwürdig, dass Malcolm Biggs nach nur wenigen Äußerungen Sinclairs diesem mit einem Mal vertrauen zu scheint und ihm geheime Informationen über die Homeguard anvertraut. Hätte man diesen Handlungsstrang auf mehrere Folgen verteilt, so wäre eine langsamere und damit glaubwürdigere Annäherung möglich gewesen. Auch Michael O’Hares Schauspiel muss man hier leider zu den Kritikpunkten zählen. Sein in vielen Szenen immer gleicher, statischer Gesichtsausdruck mit zusammen gezogenen Augebrauen, die wohl so etwas wie intensive Ernsthaftigkeit zum Ausdruck bringen sollen, lässt Sinclair lediglich unnahbar wirken, so dass man zumindest in dieser Episode nicht wirklich hinter die Fassada dieser Figur dringt. Lediglich in der Szene, in der Sinclair sich in seinem Quartier mit Biggs und Ivanova unterhält, fällt O’Hares Schauspiel positiv auf. Interessanterweise spielt Sinclair in dieser Szene Biggs ja selbst etwas vor – vielleicht fiel O’Hare dieses doppelbödige Schauspiel leichter? (Dass Michael O’Hare während der Produktion der ersten Staffel ernste psychische Probleme hatte, ist inzwischen bekannt. Trotzdem erlaube ich es mir hin und wieder, sein Schauspiel zu kritisieren – oder auch zu loben, insgesamt finde ich an seiner Darstellung von Sinclair nämlich mehr positive als negative Aspekte.)

Auch Susan Ivanova kommen wir in dieser Episode nicht wirklich nah. Mit Malcolm Biggs lernen wir zwar eine Person aus ihrer privaten Vergangenheit kennen und erleben Susan zumindest kurzzeitg so offen und gelöst wie das bisher kaum der Fall war. Wir erhalten ein paar neue Informationen über sie, doch all das verstärkt nur das Bild der kühlen, sich ihren Mitmenschen nur langsam und widerwillig öffnenden Frau, das die Serie seit der ersten Folge von ihr zeichnet. Ivanovas Darstellerin, Claudia Christian, hat auf Conventions mehrmals erzählt, dass sie Joe Straczynski nach der ersten Staffel gebeten hat, Ivanovas Persönlichkeit mehr ihrer eigenen anzugleichen und die Figur weniger steif und dafür offener und humorvoller zu gestalten. Dies wurde ab der zweiten Staffel auch berücksichtigt und Ivanovas Verschlossenheit während der ersten Staffel von Christian damit gerechtfertigt, dass sie neu auf der Station war und ganz einfach eine Zeit lang brauchte, bis sie sich ihren Kollegen öffnen konnte.

Und wenn ich schon beim Stichwort „unnahbar“ bin: In dieser Folge hat auch Kosh wieder einen denkwürdigen Auftritt. Als er von Sinclair um Hilfe bei der Deeskalation der Situation gebeten wird, gibt er lediglich zur Antwort, dass die Vorlonen sich nicht für die Angelegenheiten anderer interessieren. (Mehr zu Kosh unter „Sonstige Fragen“)

Highlight der Episode: Keine bestimmte, einzelne Szene. Aber als ich mir die Folge für diesen Blogpost nach langer Zeit wieder einmal angeschaut habe, war ich erstaunt über die Aktualität der geschilderten Ereignisse. Fremdenhass und die Angst vor dem „Anderen“, das anhand scheinbar willkürlicher Kriterien wie „Rasse“, Aussehen oder Religion fest gemacht wird, gehören im „Babylon 5“-Universum im Jahr 2258 leider noch genauso zum Alltag wie im Jahr 2015 (oder im Jahr 1994, als diese Folge erstmals gesendet wurde). Im Rahmen der Pegida-Bewegung gehen in Deutschland Menschen derzeit auf die Straße, um gegen eine vermeintliche Isalmisierung unserer Gesellschaft und gegen die Aufnahme von Flüchtlingen zu demonstrieren. Genau wie die Attentäter, die heute in die Redaktionsräume der französischen Satirezeitung Charlie Hebdo eingedrungen sind und in unfassbarer Grausamkeit zwölf Menschen getötet haben, stehen sie einem friedlichen Miteinander im Weg und schaffen neue Probleme, statt gemeinsam mit Andersdenkenden an der Lösung bestehender Probleme zu arbeiten.
Die folgenden Zitate aus der Episode erinnern stark die Parallelen zwischen dem aktuellen Zeitgeschehen und den fiktiven Ereignissen der Serie:
„If you ask me they got the right idea. It’s about time we human beings stood up for our rights. Damn aliens ruin everything for us.“ (Der von Garibaldi verhörte Tatverdächtige, als er auf die Homeguard angesprochen wird.)
„Alien ambassadors setting policy for humans. Alien workers taking jobs from human beings. Inhuman criminals preying on decent people. […] We want to put a stop to that.“ (Malcolm Biggs)

Londo/G’Kar-Moment: Die beiden haben keine gemeinsame Szene, aber Londos kurzer Monolog, in dem er Kiron und Aria von seinen drei Frauen erzählt, ist wirklich köstlich (s. Zitat unten).

Folgende (weitere) wichtige Informationen, die für den weiteren Verlauf der Serie wichtig sind, erhalten wir in dieser Episode: Wie ich schon angesprochen habe, lernen wir die von alten Traditionen geprägte Kultur der Centauri hier besser kennen. Londo erwähnt, dass arrangierte Ehen auf seiner Welt bereits seit Tausend Jahren alltäglich sind. Nach Liebe wird bei diesen Hochzeiten selten gefragt, die beteiligten Familien streben vor allem danach, sich möglichst viel Macht, Einfluss und finanzielle Vorteile zu schaffen.
Auch die Ereignisse des Pilotfilms werden hier noch einmal angesprochen und von Sinclair praktisch zusammen gefasst. Das zeigt, dass „Babylon 5“ nichts vergisst (okay, es gibt Ausnahmen – wie beispielsweise Delenns Ringe aus dem Pilotfilm). Kurz nach der Inbetriebnahme der Station war damals ein Anschlag auf Botschafter Kosh verübt worden. Die Telepathin Lyta Alexander und der Stationsarzt Dr. Benjamin Kyle, die Kosh danach gescannt bzw. untersucht haben, wurden kurz darauf zurück zur Erde beordert. Der Täter war, wie sich später heraus stellte, ein Minbari, der einer extremistischen Splittergruppe angehörte. Sinclair stellt hier auch die – ebenfalls von vielen Fans der Serie gestellte – Frage, wie Kosh denn mit Hilfe eines Hautpflasters vergiftet werden konnte, obwohl er einen Schutzanzug trägt. Ivanova äußert darauf hin die Vermutung, dass dieser Anzug womöglich allein dazu dient, Koshs wahres Aussehen zu verbergen.
Auch der wachsende Fremdenhass auf der Erde wird, wie ich oben schon erwähnt habe, noch sehr wichtig für die Serienhandlung werden.

Sonstige Fragen:

  • Was genau studiert/lernt Kosh mit Hilfe des Bildschirms in seinem Quartier? Seine Antworten auf Sinclairs Fragen sind wie gewöhnlich wenig hilfreich, aber es scheint, als interessiere er sich sehr für die Menschheit und ihre Geschichte.
  • Wieso hat die Dichterin Shaal Mayan einen Vor- und einen Nachnamen? Alle anderen Minbari, die wir bislang kennen gelernt haben, tragen lediglich einen Namen (Delenn, Lennier). Womöglich handelt es sich bei einem der beiden Namen um einen Künstlernamen oder einen Titel (Danke an @TanjaKinkel auf Twitter!).
  • Glaubt Londo wirklich nicht (mehr) an die Liebe? In „Born To The Purple“ hat er sich doch selbst noch wie ein verliebter Teenager verhalten – und hier weigert er sich zunächst standhaft, dem Anliegen der beiden jungen Verliebten Gehör zu schenken. Hat er nach seiner kurzen, aber leidenschaftlichen Beziehung mit Adira beschlossen, seine Gefühle tief in sich zu vergraben, weil ihn die Erinnerung daran so sehr schmerzt? Seine Entscheidung am Ende der Episode zeigt ja zumindest, dass er nachempfinden kann, was Kiron und Aria fühlen. Aus irgendeinem Grund scheint er aber gleichzeitig zu glauben, dass es für ihn zu spät sei, um seinem Herzen zu folgen (vgl. die beiden letzten Zitate ganz unten).
  • Woher hat Malcolm Biggs nur diesen schrecklichen Pullover, den er in einer seiner Szenen trägt?

Weitere interessante Punkte: 

  • Londo bezeichnet seine drei Frauen als „Pestilence, famine and death“ und zählt damit drei der vier apokalyptischen Reiter auf. Dies lässt die Interpretation zu, dass der nicht von Londo erwähnte, den Krieg symbolisierende Reiter, ihn selbst bezeichnet.
  • Von Garibaldi erfahren wir, dass Ivanova in den Gartenanalagen von Babylon 5 Kaffee anbaut, was den Stationsvorschriften zufolge nicht erlaubt ist. Diese Charactereigenschaft Ivanovas wurde von ihrer Vorgängerin Laurel Takashima übernommen, die im Pilotfilm ebenfalls erwähnt, dass sie sich den Luxus leistet, echten Kaffee anzubauen.

Interessante “Hinter den Kulissen”-Fakten: 

  • Die Szene, in der Sinclair und Ivanova über die Ereignisse aus dem Pilotfilm sprechen, war eigentlich für „The Parliament of Dreams“ gefilmt worden. Weil diese Episode aber drei Minuten zu lang und „The War Prayer“ drei Minuten zu kurz war, verschob man die Szene hierher.
  • Der Originaltitel der Folge ist ein Verweis auf das gleichnamige Gedicht von Mark Twain, das Straczynski zufolge jeder gelesen haben sollte.
  • Die Drehbuchautorin dieser Episode, D.C. Fontana, ist vor allem für ihre Drehbücher der ersten „Star Trek“-Serie bekannt. Das Drehbuch zu „The War Prayer“ schrieb sie auf der Grundlage eines kurzen Treatments von JMS.
  • In einer Episode von „Star Trek: Deep Space Nine“ wird ebenfalls ein Außerirdischer (soweit ich weiß ein Ferengi) angegriffen und auf der Stirn mit einem Zeichen gebranntmarkt. Die entsprechende Episode wurde laut JMS ausgestrahlt, nachdem D.C. Fontana ihr Drehbuch für „The War Prayer“ eingereicht hatte. JMS hat weiterhin betont, dass es aufgrund des zeitlichen Rahmens ausgeschlossen ist, dass hier eine der beiden Parteien durch die andere beeinflusst worden ist. Da die „Deep Space Nine“-Folge aber nun einmal vor der B5-Folge gesendet worden war, erwog er zumindest vorübergehend, das Brandzeichen komplett aus der Episode heraus retuschieren zu lassen, weil die Ähnlichkeit zur DS9-Folge so auffällig war. Da das aber zu aufwändig gewesen wäre und das Zeichen auf Shaal Mayans Stirn eine relativ wichtige Funktion in der Handlung einnimmt, entschied er sich schließlich dagegen. [Anmerkung: Ich weiß leider nicht genau, um welche Folge von DS9 es sich handelt. Im Gegensatz zu B5 habe ich DS9 nur einmal gesehen und konnte die entsprechende Episode zumindest bei einer kurzen Wikipedia-Recherche nicht ermitteln. Da JMS den Post, in dem er von der Handlungsparallele berichtet, am 2.10.1993 geschrieben hat, kann es sich jedenfalls nur um eine Folge aus der ersten Staffel oder um die erste Folge der zweiten Staffel handeln. Alle anderen Folgen wurden später gesendet. Falls jemand unter euch Lesern weiß, welche Episode gemeint ist, dann schreibt es doch bitte in einen Kommentar, damit ich den Blogpost abändern kann!]

Zitate:

Ivanova zu Garibaldi: „You’re a vicious man.“
Garibaldi: „I’m head of security. It’s in the job description.“

Londo (als Sinclair das junge Centauri-Paar in seine Obhut übergibt): „What am I supposed to do with them?“
Sinclair: „You’re always saying the Centauri are an advanced race. You figure it out.“

Londo (entrüstet): „Love!? What does love have to do with marriage!??“

Londo: „These are my three wives – pestilence, famine, and death. Do you think I married them for their personalities? Their personalities could shatter entire planets. […] Knowing that they were waiting at home for me keeps me here. 75 light years away.“

Londo (seinen Vater zitierend): „My shoes are too tight. But it doesn’t matter, because I have forgotten how to dance.“

Shaal Mayan: „Ambassador, I have travelled far and seen much. And what I have seen tells me that all sentient beings are best defined by their capacity and their need for love.“
Londo: „And she [Aria] will learn to live without it.“
Shaal Mayan: „As you did?“

 

Die nächste Folge in meinem „Babylon 5“ Rewatch:
1.08 „And the Sky Full of Stars“

Neue Podcast-Entdeckung: „The Arkham Sessions“

Vor etwa 18 Monaten habe ich angefangen, regelmäßig Podcasts zu hören. Anfangs waren es vor allem solche über „Babylon 5“, dann kamen nach und nach immer mehr „Star Wars“-Podcasts dazu und hin und wieder entdecke ich auch hörenswerte Podcasts, die tatsächlich in keine dieser Kategorien fallen.

So geschehen vor kurzem, als ich „The Arkham Sessions“ entdeckt habe, einen Podcast, der sich aus psychologischer Sicht mit „Batman – The Animated Series“ beschäftigt. Dr. Andrea Letamendi, einer der beiden Hosts des Podcasts, war vor kurzem in irgendeinem der vielen „Star Wars“-Podcasts, die ich regelmäßig anhöre, zu Gast und hat dort von den „Arkham Sessions“ erzählt. Obwohl ich die Batman-Zeichentrickserie so gut wie nie gesehen habe und außer den Kinofilmen von Tim Burton (super!), Joel Schumacher (vergessen wir lieber…) und Christopher Nolan (Film Nr. 3 war enttäuschend) eigentlich kaum mit Batman in Berührung gekommen bin, fand ich das Konzept eines Podcasts, der sich aus psychologischer Sicht mit den Helden und Schurken aus Gotham City beschäftigt, sofort interessant. Denn wo sonst finden sich so viele, alle von unterschiedlichen psychischen Problemen gezeichneten Charaktere wie im Batman-Universum? Allein über Batman / Bruce Wayne alleine könnte man diesbezüglich wohl ganze Dissertationen schreiben.

Ich habe mir jedenfalls inzwischen ein paar Folgen des Podcasts angehört und muss sagen, dass ich begeistert bin – und das wie gesagt, obwohl ich die Fernsehserie gar nicht kenne. Andrea Letamendi, die ihren Doktor in klinischer Psychologie gemacht hat und ihr Co-Host Brian Ward besprechen in jeder Podcast-Folge eine Episode der Trickserie und analysieren dabei zum Beispiel die Krankheitsbilder von Dr. Crane (Scarecrow), dem Joker und allen anderen Bösewichten, die sonst noch vorkommen. Die Besprechung erschöpft sich dabei nicht in einer kurz gefassten Diagnose, sondern geht noch weiter und fragt zum Beispiel danach, wie man eine Person wie den Joker behandeln würde oder unter welchen Folgen die Opfer seiner Verbrechen zu leiden haben und wie man diese wiederum behandeln würde.  Immer wieder werden auch reale Kriminalfälle vorgestellt, die den in der Serie begangenen Verbrechen ähneln (ja, die gibt es tatsächlich!) und die Krankheitsbilder der Charaktere werden zum Anlass genommen, psychische Phänomene wie beispielsweise Phobien ernsthaft zu diskutieren.

Besonders gut gefällt mir an „The Arkham Sessions“, dass Letamendi und Ward ihr Thema ernst nehmen. Natürlich handelt es sich „nur“ um eine Zeichentrickserie, die hier besprochen wird und die dargestellten Ereignisse sind längst nicht immer realistisch. Doch wenn man sich ein paar Folgen des Podcasts angehört hat, merkt man schnell, dass die Serie nicht nur zweidimensionale Charaktere zu bieten hat und es hier wirklich einiges zu analysieren gibt. Und das beste ist: man lernt dabei tatsächlich etwas!

Unter „Mission“ beschreibt Dr. Letamendi  übrigens die Ziele, die sie mit ihren Aufsätzen, Auftritten bei Conventions und anderen Anlässen sowie mit den „Arkham Sessions“ verfolgt. Darunter finden sich nicht nur Punkte wie „To increase awareness and knowledge of psychology, including mental health disorders and their treatments.“ oder „To reduce the stigma and misconceptions associated with mental health disorders […].“, sondern auch: „To NERD OUT.“ Diese Verbindung aus wissenschaftlichem Anspruch und nerdigen Debatten gelingt in den „Arkham Sessions“ wirklich gut. Ich werde mir auf jeden Fall noch ein paar Folgen anhören und wer weiß, vielleicht sogar mal in die TV-Serie oder den einen oder anderen Batman-Comic reinschauen. Oder gleich einen eigenen wissenschaftlichen Nerd-Podcast ins Leben rufen. Bei meinem Hintergrund wäre das dann wohl etwas über „Star Wars“ aus soziologischer Sicht….

Buffy the Vampire Slayer – Season 3

Nachdem ich zu Beginn des Jahres die erste und die zweite Staffel von Joss Whedon’s „Buffy the Vampire Slayer“ angeschaut habe, habe ich mir im Sommer die dritte Season vorgenommen. Es ist schon wieder eine Weile her, dass ich sie gesehen habe, aber ich versuche mal, aus meinen zahlreichen Notizen schlau zu werden… 😉

Wie gewohnt beginnt die Staffel kurz vor dem Beginn des neuen Schuljahres, genauer gesagt am Abend vor dem ersten Schultag. Buffy (Sarah Michelle Gellar) ist einige Monateg nach den traumatischen Ereignissen des Finales der zweiten Staffel immer noch nicht wieder nach Sunnydale zurück gekehrt und ihre Freunde müssen sich nun ohne ihre Hilfe all die Vampire, die die Stadt heimsuchen, vom Leib halten. Giles (Anthony Stewart Head) versucht derweil verzweifelt, Buffy zu finden. Deren Mutter (Kristine Sutherland) gibt ihm die Schuld am Verschwinden ihrer Tochter. „I feel like you’ve taken her away from me!“, beschuldigt sie Giles wütend.
Buffy lebt inzwischen unter ihrem zweiten Vornamen „Anne“ (so auch der Titel der ersten Folge) in Los Angeles, wo sie sich ihr Geld als Kellnerin verdient. Als sie in die Fänge eines Kults gerät, dessen Ziel es ist, die Identität all seiner Mitglieder auszulöschen, um sie zu widerspruchslosen Sklaven zu machen, findet sie genau darüber wieder zu ihrer Identität zurück. Auf die Frage „Who are you?“ antwortet sie nicht mit dem pflichtgemäßen „I’m no one“, sondern mit „I’m Buffy the Vampire Slayer!“. Am Ende der Folge wird sie zuhause von ihrer Mutter mit offenen Armen empfangen.
Obwohl ich die dritte Staffel nicht direkt im Anschluss an die zweite angeschaut habe, kamen mir die Figuren sofort wieder vertraut vor. Dadurch kam auch die Erinnerung an die bisherige Handlung schnell wieder zurück. Auf Joss Whedons gute Drehbücher, vor allem auf seine hervorragende Charakterzeichnung und seine Stärke für Dialoge ist hier nach wie vor Verlass (die erste Episode stammt wie vier weitere Folgen der Staffel aus seiner eigenen Feder).

Nach ihrer Rückkehr nach Sunnydale muss Buffy wieder in ihre alten Beziehungen zur „Scooby Gang“ und ihrem Mentor Giles zurückfinden. Ihre Freunde machen ihr klar, dass es alles andere als in Ordnung war, einfach abzuhauen, ohne auch nur versucht zu haben, mit einem von ihnen über ihre Probleme zu reden. Auch mit ihrer Mutter spricht sich Buffy aus; interessanterweise schlägt diese ihrer Tochter nun vor, ihre Geheimidentiät als Slayer zumindest einigen Personen zu enthüllen, um so die Chancen zu erhöhen, wieder auf der Sunnydale High School oder einer anderen Schule aufgenommen zu werden:

Couldn’t you just tell a few people, like principal Snyder and maybe the police? I mean, I would think they would be happy to have a – a super hero…is that the right term? I mean, it’s not offensive, is it?

Insgesamt ist Joyces Verhältnis zur Berufung ihrer Tochter aber ein ambivalentes. „I know you didn’t choose this, I know it chose you.“, erklärt sie Buffy in der nächsten Folge. „I have tried to march in the Slayer parade, but… I don’t want you to die.“ Während hier also die Sorge um Buffy überwiegt, bringt sie Episode 3.11 sogar einmal den Wunsch zum Ausdruck, Buffy beim „Slayen“ zu begleiten: „I thought it’s something we could share.“ (Als sie und Buffy dann aber von einem Vampir angegriffen werden, entfährt ihr ein entsetztes „Oh my God! It’s Mr. Sanderson from the bank“ 😀 )

In der dritten Folge muss der Schuldirektor, Prinicpal Snyder (Armin Shimerman) Buffy schließlich wieder auf die Schule gehen lassen, auf der es übrigens eine Episode später mal wieder einen toten Schüler zu verzeichnen gibt. Unfassbar, dass es tatsächlich noch Eltern gibt, die ihre Kinder auf diese Schule gehen lassen, bei dieser hohen Mortalitätsrate! 😉 Sehr schön ist in diesem Zusammenhang auch folgendes Zitat eines Mitglieds des Football-Teams der High School aus der ersten Folge: „If we can focus, keep discipline, and not have quite as many mysterious deaths, Sunnydale is gonna rule!“ (Ein gutes Beispiel dafür, wie sich die Serie immer wieder augenzwinkernd selbst thematisiert.)
Nachdem Buffy am Ende der zweiten Staffel gezwungen war, Angel umzubringen, um den Weltuntergang zu verhindern, versucht sie sich nun mit ihrem Mitschüler Scott über diesen Verlust hinweg zu trösten. Die Beziehung ist allerdings nicht von langer Dauer, natürlich vor allem deswegen, weil Angel (David Boreanaz) plötzlich wieder zurück in unsere Welt geschickt wird. Die vierte Folge („Beauty and the Beasts“) handelt von außer Kontrolle geratenen männlichen Trieben – unter anderem von Angel und dem Werwolf Oz (Seth Green) – und stellt einen ersten, kleinen Höhepunkt der Staffel dar.

Wo ich gerade bei Trieben und Liebesverwicklungen bin, kann ich gleich einen meiner Lieblingshandlungsstränge der Staffel erwähnen: Xander und Willow! Beide sind ja inzwischen vergeben – Xander (Nicholas Brendon) an Cordelia, Willow (Alyson Hannigan) an Oz. Doch schon die ganze Serie über träumt Willow nur von Xander, während der überhaupt nicht mitkriegt, was sie für ihn empfindet, weil er lange Zeit nur Augen für Buffy hatte. In der fünften Folge kommt es in Willows Zimmer zu einem ersten Kuss zwischen den beiden. Zwar sind sie sich einig, dass dieser Kuss nicht hätte passieren dürfen, doch eine Episode später füßeln sie schon wieder von den anderen unbemerkt unterm Tisch miteinander. Noch eine Folge später schließlich knutschen sie heimlich miteinander, weswegen Willow ein wahnsinnig schlechtes Gewissen hat. Als Buffy Willow fragt, ob diese sie hasst, weil sie Angels Rückkehr verschwiegen hatte, antwortet Willow:

„Zero. You were scared, you kept a secret, you know? It’s okay. I mean, secrets aren’t bad, you know, they’re normal. They are better than normal, they’re good. Secrets are good. There must be a reason why we keep them, right?“

Da spricht das schlechte Gewissen aus Willow, und gleichzeitig der Wunsch, sich das Geheimnis von der Seele zu reden. Doch kurz bevor sie das tun kann, kommt ein Dämon dazwischen. Wieder eine Folge später sollen Xander und Cordelia gemeinsam mit Willow und Oz zum Bowling gehen, ein double date. Willow ist von der Idee gar nicht begeistert und hat Angst, dass Cordelia und Oz bestimmt merken, dass sie etwas mit Xander hat. Da sie inzwischen an ihren Zauberkünsten gefeilt und eine ganz passable Hexe geworden ist, versucht sie, einen Anti-Liebeszauber auszusprechen. Dass das wirklich nötig sein soll, will Xander nicht glauben: „Do you really need to resort to the black arts to keep our hormones in check?“ Das mit dem Zauber funktioniert leider nicht und am Ende der Episode werden die beiden sowieso von Oz und Cordelia ertappt, wie sie sich küssen. Als dann auch noch Cordelia schwer verletzt wird und im Krankenhaus liegt, sind die Gewissensbisse bei Xander und Willow entsprechend groß. In der nächsten Folge versucht Xander, sein Verhalten gegenüber Buffy zu rechtfertigen: „Okay, we kissed. It was a mistake. But I know that was positively the last time we were ever gonna kiss. And they burst in, rescuing us, without even knocking? I mean, this is all their fault.“ Darauf erwidert Buffy das, was sich zu diesem Zeitpunkt auch die Zuschauer denken dürften: „Your logic does not resemble earth logic.“ („Mine is much more advanced“, entgegnet Xander zwar noch, doch er weiß ganz genau, dass er sich nur in schwammige Rechtfertigungsversuche zu flüchten versucht.)

In der fünften Episode („Homecoming“) tritt zum ersten Mal der Bürgermeister von Sunnydale, Richard Wilkins (Harry Groener) auf, der in dieser Staffel den großen Gegenspieler von Buffy und ihrer Gang darstellt. Ansonsten handelt es sich hierbei jedoch um eine sehr lustige Folge, in der Buffy und Cordelia verbissen um den Titel der Homecoming Queen kämpfen (den am Ende keine von ihnen gewinnt) und sich vor einer Gruppe von „Slayer-Jägern“ in Sicherheit bringen müssen, die nur zum Spaß Jagd auf Vampire Slayers machen. Natürlich ist Cordelia aber kein Slayer, da hat ganz einfach eine Verwechslung statt gefunden (obwohl sie sich nicht schlecht schlägt, sie redet nämlich tatsächlich einen Vampir in die Flucht!). Neben Buffy sollte nämlich Jagd auf Faith (Eliza Dushku), gemacht werden, den bedeutendsten Neuzugang im Cast der dritten Staffel. Faith, die genau wie Buffy ein Slayer ist, wird in der dritten Folge („Faith, Hope & Trick“) nach Sunnydale geschickt, wohl als Konsequenz vom Tode Kendras, einer weiteren Vampirjägerin, in der zweiten Staffel. Während Xander sofort total von Faith hingerissen ist und auch die übrigen Mitglieder der Scooby Gang von ihrer unorthodoxen Herangehensweise an die Vampirjagd begeistert sind, gefällt es Buffy ganz und gar nicht, dass sie nun plötzlich nicht mehr im Mittelpunkt steht. Im Kontrast zur lebenslustigen Faith wirkt Buffy auf einmal sehr verschlossen und in sich gekehrt. Genau deswegen steigt sie auch ins Rennen um den Titel der Homecoming Queen ein, um den anderen zu beweisen, dass sie genauso eine Wilde sein kann wie Faith.
Mit der Zeit wird allerdings immer mehr deutlich, dass Faiths Einstellung zum Slayen und zum Leben allgemein doch nicht so cool sind, wie es zunächst den Anschein hatte. Sie genießt das Slayen ein wenig zu sehr, macht sich zu wenige Gedanken um die Konsequenzen ihrer Handlungen und feiert zu viel. „I’m on my side, that’s enough.“, erklärt sie Buffy in der siebten Folge. In Episode 3.14 versucht Buffy dann noch einmal, ein bisschen mehr wie Faith zu werden, die ihr Leben in einem einfachen Motto zusammen fasst: „Want. Take. Have.“ Als Faith am Ende der Episode aber bei der Vampirjagd aus Versehen einen unschuldigen Menschen umbringt, weil sie ganz einfach zu wenig mitdenkt, ist klar, dass Buffy diesen Weg nicht weiter mit gehen kann. „You don’t get it: You killed a man!“, redet sie eindringlich auf Faith ein, die einfach nicht einsehen will, was daran so schlimm gewesen sein soll. „No, you don’t get it: I don’t care.“, ist Faiths Antwort.
Faith stellt Fall eine bereichernde Ergänzung des Casts dar und wird im Verlauf der Staffel durch ihr Verhalten und ihre Einstellungen zu einer Art Anti-Buffy – bis sie schließlich an dem Punkt angelangt ist, an dem sie tatsächlich zu Buffys Gegenspielerin wird und sich auf die Seite des Bösen schlägt.

In der sechsten Folge („Band Candy“) erfahren wir den Grund dafür, warum all die dämonischen und übernatürlichen Vorkommnisse in Sunnydale bisher scheinbar kaum bemerkt worden sind bzw. warum kaum etwas gegen sie unternommen worden ist: Der Bürgermeister weiß zwar davon, steckt aber selbst mit drin. So lässt er es auch nur allzu gerne geschehen, dass Giles‘ Gegenspieler Ethan (Robin Sachs) alle Erwachsenen der Stadt mithilfe magischer Schokoriegel geistig wieder in Teenager verwandeln will. Das hört sich nach einer ziemlich blöden Storyidee an, die Episode macht aber trotzdem großen Spaß, weil hier – ähnlich wie in der Halloween-Folge der zweiten Staffel – mehrere Darsteller andere Versionen ihrer bekannten Charaktere spielen dürfen, allen voran Anthony Stewart Head, der Giles hier als rebellischen Teenager im James Dean-Look spielt (und dabei einen One Night Stand mit Buffys Mutter hat, der ihnen beiden später furchtbar peinlich ist).
In Episode 3.07 („Revelations“) schaut eine Dame namens Gwendolyn Post vorbei, die angeblich als neuer Watcher für Faith dienen soll, was sich aber als Lüge herausstellt. Besonders lustig und dramatisch wird es dann in der achten Folge, die Spikes (James Marsters) einzigen Auftritt in dieser Staffel darstellt. Die Episode dreht sich vor allem um die Gefühle und das komplizierte Liebesleben der Figuren. Ein Höhepunkt ist die Szene, in der Spike neben der von ihm gefangen gehaltenen Willow sitzt und ihr sein Liebesleid klagt: „She [Drusilla] just left. She didn’t even care enough to cut off my head or set me on fire. Is that too much to ask? You know? Some little sign that she cared.“
Doch in ein paar Szenen wird es in der Folge auch sehr ernst, vor allem, als Spike Buffy und Angel die bittere Wahrheit ins Gesicht sagt, der die beiden sich bislang noch nicht stellen wollten:

„You’re not friends. You’ll never be friends. You’ll be in love til it kills you both. You’ll fight and you’ll shag and you’ll hate each other til it makes you quiver, but you’ll never be friends.“

Überhaupt, die Beziehung zwischen Buffy und Angel… Von Anfang an schien sie ja unter keinem guten Stern zu stehen. Ein über 200 Jahre alter Vampir und eine Vampirjägerin im Teenageralter – wie soll das jemals gut gehen können? In der vierten Folge der Staffel, als Angel zwar körperlich wieder zurück gekehrt ist, aber noch nicht wieder im Besitz seiner Seele und seiner Erinnerungen ist, klagt Buffy dem Schultherapeuten ihr Leid:

Buffy: „I loved him, and the he-„
Therapeut: „Changed?“
Buffy: „Yeah.“
Therapeut: „He got mean?“
Buffy: „Yes.“
Therapeut: „And you didn’t stop loving him.“

An diesem Wortwechsel kann man schön ablesen, dass die Beziehung zwischen Buffy und Angel trotz aller fantastischen Elemente im Grunde doch eine ganz normale ist und auf grundlegenden menschlichen Emotionen beruht. Nach Angels Rückkehr peppelt Buffy ihn wieder auf und die beiden beginnen im Geheimen ihre Beziehung erneut, auch wenn Buffy sich anfangs energisch einredet, gar keine Liebesbeziehung mehr mit ihm eingehen zu wollen. Als Buffys Freunde davon erfahren, starten sie in Episode sieben einen Interventionsversuch, da sie Angel nicht trauen. Xander ist entsetzt, dass Buffy wieder mit dem seiner Meinung nach gefährlichen Vampir zusammen zu sein scheint. Giles hingegen ist einfach nur tief enttäuscht von Buffy, da sie ihm nicht genug vertraut hat, um ihm von Angels Rückkehr zu erzählen. Faith wiederum reagiert auf die Nachricht ohne zu zögern mit den Worten „I say slay!“
Am Ende der achten Folge, nachdem Spike ihr und Angel ins Gewissen geredet hat, sieht auch Buffy ein, dass die Liebe zwischen ihr und Angel keine Zukunft hat. „What I want from you, I can never have.“, erklärt sie Angel. Aber es dauert dann doch noch bis zum Ende der Staffel, bis sich diese Erkenntnis bei beiden endgültig festsetzt.
In der zehnten, von Joss Whedon selbst geschriebenen und inszenierten Folge („Amends“), steht Angel schließlich ganz im Mittelpunkt. Hier muss er sich mit seinen inneren Dämonen und seinen in der Vergangenheit begangenen, schlechten Taten auseinandersetzen. Das führt so weit, dass er sich schließlich umbringen will, um nicht wieder zum Mörder zu werden. Doch Buffy kann ihn davon gerade noch abbringen, was die beiden wieder zusammen bringt. Nur durch Buffys Liebe kann Angel von seiner eigenen dunklen Seite abgehalten werden. Danach ist zu Angel und seiner Beziehung zu Buffy eigentlich alles gesagt. Denn obwohl die beiden zumindest für den Moment wieder glücklich sind, steht wie gesagt schon lange fest, dass es keine Zukunft für sie geben kann. Angels Rolle in der Serie ist auch nicht mehr besonders groß und es gibt über ihn und Buffy nichts mehr zu erzählen, was einer der Gründe dafür sein dürfte, dass er nach der dritten Staffel aus der Serie heraus geschrieben wurde und sein eigenes Spin-off bekam.

Im restlichen Verlauf der Staffel geht es mit Angel und Buffy noch mehrmals auf und ab. Mal beschließt Buffy, dass sie etwas Zeit getrennt von Angel braucht (3.17), dann versöhnen sie sich wieder (3.18) und dann hält vor den beiden der Bürgermeister eine ganz ähnliche Ansprache wie Spike, in der er ernsthafte Zweifel daran sät, dass die beiden eine Zukunft haben (3.19). Er hat ja auch recht: Der Fluch, wonach jeder Moment wahren Glücks Angel seine Seele raubt, ihn also wieder zum seelenlosen, bösen Dämon macht, bleibt weiterhin bestehen. Im Klartext heißt das im Kontext der Serie: Buffy und Angel dürfen nicht miteinander schlafen. Buffy sagt zwar zu Angel, der Bürgermeister habe keine Ahnung, der sei doch böse! Und: „We’ll be okay.“ Sie plant sogar ihre gemeinsame Zukunft mit Angel (3.20), was auch ihrer Mutter gar nicht gefällt. „You deserve to be with someone who can take you into the light“, sagt diese zu ihrer Tochter. Genauso sieht das inzwischen auch Angel, der schließlich mit Buffy Schluss macht, gerade weil er sie so sehr liebt – nur, um dann entgegen seiner Ankündigung, dem Abschlussball der High School fern zu bleiben, doch dort auftaucht und ein letztes Mal mit Buffy tanzt.

Meine Lieblingsfolge der Staffel war vielleicht die neunte („The Wish“). Darin kommt Cordelia, die inzwischen den Kontakt zu ihrem Ex-Freund Xander meidet und von ihrer ehemaligen Clique nicht mehr akzeptiert wird, zu der Überzeugung, dass all ihre Probleme mit Buffys Ankunft in Sunnydale angefangen haben. Als sie von Anya (Emma Caulfield), einer neuen Schülerin, ein Glücksamulett geschenkt bekommt, spricht sie ihren Wunsch laut aus – und er geht in Erfüllung. Was Cordelia nicht weiß: Anya ist eigentlich eine Dämonin namens Anyanka, die eigene Ziele verfolgt. Durch ihren Wunsch wird Cordelia in eine alternative Realität versetzt (oder ändert sich die Realität um sie herum?), in der Buffy nie nach Sunnydale gekommen ist und dementsprechend die Vampire die Stadt mehr oder weniger übernommen haben. Willow und Xander sind in dieser Version der Realität Vampire, das Bronze ist so eine Art Fangtasia („True Blood“), von dem aus der aus Season 1 bekannte Meister über die Stadt herrscht und Giles kämpft gemeinsam mit Oz und einigen wenigen anderen Mitstreitern einen vergeblichen Kampf gegen die Dämonen. Ach ja, und Angel, der auch hier ein Vampir mit einer nicht sehr vampirhaften Weltanschauung ist, wird von den anderen Vampiren gefangen gehalten und zum Spaß gefoltert (auch in dieser Version der Realität ist er nach Sunnydale gekommen, um dort auf Buffy aufzupassen, die aber nie kam). Irgendwann taucht Buffy dann doch in Sunnydale auf, aber auch sie ist hier natürlich eine andere: sie ist arrogant, von allem genervt und nimmt Giles nicht ernst. „The world is what it is.“, erklärt sie ihm. „We fight, we die. Wishing doesn’t change that.“ Doch Giles bleibt auch hier ein unverbesserlicher Optimist und Idealist. Als er herausgefunden hat, dass eine andere Version der Welt existiert, glaubt er fest daran, dass diese Welt besser ist, ja besser sein muss. Am Ende der Episode gibt es schließlich ein großes Sterben (Xander, Angel, Willow und Buffy müssen dran glauben), aber Giles gelingt es, Anyankas herauf zu beschwören und die richtige Welt wieder her zu stellen. Oder irgendwie so ähnlich – so genau kann ich das nun im Nachhinein, mehrere Monate, nachdem ich die Folge gesehen habe, nicht mehr nachvollziehen. 😉

Aber noch einmal kurz zurück zu Cordelia, die das ganze Schlamassel dieser Folge ja ausgelöst hat: Sie will Xander, der sie ja mit Willow betrogen hat, hinter sich lassen. „I’m not even thinking about him. I am past him, I am living my life.“, erklärt sie in „The Wish“ und lässt es Xander auch gleich wissen, indem sie ihm zu zeigen versucht, wieviel Spaß sie ohne ihn haben kann. Zehn Folgen später (3.19/3.20), als sie wieder die ganz die alte, von allen gehasste, arrogante Cordelia zu sein scheint, erfahren wir, dass sie in einem Klamottenladen arbeiten muss, um über die Runden zu kommen, weil ihre Familie plötzlich pleite ist – eine Demütigung, die sie um jeden Preis geheim halten will. Xander kommt hinter ihr Geheimnis, behält es jedoch für sich, womit er sicher wieder einige Punkte bei ihr sammelt.

In „Helpless“ (3.12) verliert Buffy ihre besonderen Slayer-Kräfte; gleichzeitig wird hier auch zum ersten Mal erwähnt, dass sie überhaupt über spezielle Kräfte verfügt(e) und muss sich der Frage stellen, was sie ohne diese Kräfte denn noch ist. „I can’t be just a person…I can’t be helpless like that.“
Später in der Folge erfährt Buffy schließlich den Grund für den plötzlichen Verlust ihrer Kräfte: Giles ist dafür verantwortlich! Dieser Kräfteverlust ist ein Test, den jeder Slayer an seinem/ihrem 18. Geburtstag bestehen muss. Aber als Buffy dies herausfindet und erfährt, dass Giles ihr mit den Injektionen, die er ihr gegeben hat, ihre Kräfte unterdrückt hat, entfremdet sie sich etwas von ihm und es kommt zumindest ein Stück weit zum Vertrauensverlust. Da hilft es auch nichts, dass sie den Test besteht. Völlig überraschend aber kommt es, dass Giles den Test nicht besteht, weil er nach der Ansicht des Rates eine zu enge emotionale Beziehung zu Buffy hat, die ihn daran hindert, unvoreingenommene Entscheidungen zu treffen. „You have a father’s love for the child, and that is useless to the cause.“, teilt man ihm mit. Er wird gefeuert, ist fortan nicht mehr Buffys Watcher, zumindest nicht mehr offiziell.

Aber Giles ist nicht der Einzige, der es schwer hat. Wie sagt es doch in der nächsten Folge („The Zeppo“) Cordelia so schön auf ihre unverblümte Weise Xander ins Gesicht: „It must be really hard when all your friends have like super powers. Slayer, werewolf, witches, vampires, and you’re like this little nothing.“ Damit trifft sie einen wunden Punkt bei Xander, der sich schon lange fragt, warum er im Gegensatz zu einigen anderen – wie beispielsweise Oz – einfach nicht „cool“ ist. Er kommt zu dem Schluss, „You need a thing. One thing nobody else has“. Er legt sich ein schickes Auto zu (natürlich nur geliehen) und angelt sich so auch gleich ein Mädchen, dessen einziges Interesse allerdings Autos zu sein scheint, was Xander schon nach kurzer Zeit wahnsinnig nervt.
Hinter all dem steckt Xanders Minderwertigkeitskomplex und sein Gefühl, von Buffy, Giles und den anderen nicht richtig ernst genommen zu werden. Er möchte an den Aktionen der Gruppe beteiligt werden, selbst einen wichtigen Beitrag zur Dämonenjagd liefern und nicht nur als überflüssiges Mitglied der Gruppe übergangen werden. Zumindest in einer Hinsicht kommt er in dieser Folge deutlich weiter – wie nebenbei wird er inmitten der turbulenten Ereignisse nämlich ausgerechnet von Faith entjungfert. Als Willow davon zwei Folgen später erfährt, ist sie am Boden zerstört.

In Episode 3.14 („Bad Girls“) kommt schließlich ein neuer Watcher für Buffy in Sunnydale an: Wesley Wyndam-Pryce (Alexis Denisof) hat nicht nur viele Ypsilons im Namen, sondern scheint auch noch steifer, korrekter und britischer zu sein als Giles, allerdings auch kühler und arroganter. „Is he evil?“, fragt Buffy Giles in Wesleys Anwesenheit. Giles‘ Antwort: „Not in the strictest sense.“ Trotzdem macht sich Wesley zunächst alles andere als beliebt; auch er hört nicht auf, Giles‘ und dessen Methoden zu kritisieren. Auch der Bürgermeister und seine Vampirhandlanger kommen in dieser Folge endlich einmal wieder vor. Besonders viel wurde aus diesem Element der Handlung bis dahin noch nicht gemacht, aber im Rest der Staffel werden die Aktivitäten des Bürgermeisters wesentlich bedeutender.
In „Bad Girls“ tötet Faith wie erwähnt versehentlich einen unschuldigen Passanten, was natürlich Folgen hat (3.15, „Consequences“). Aber statt ihren Fehler einzusehen, bleibt sie bei ihrer mir-ist-alles-egal-und-ich-kann-machen-was-ich-will-Perspektive. Buffy, die Faiths Tat zunächst geheim hält, hat dagagen große Gewissensbisse. „Consequences“ ist die bislang beste Folge der Staffel. Hier zahlt es sich aus, dass man die Figuren inzwischen sehr gut kennt. Alle Figuren und Erzählstränge kommen in dieser Episode zusammen, die kaum von Dämonen oder anderen übernatürlichen Vorgängen handelt, sondern von Schuld und Verdrängung. Doch Buffys Versuche, Faith dazu zu bringen, einzusehen, was sie getan hat, zeigen keine Wirkung. Faith hat sich inzwischen so weit von Buffy und den anderen entfernt, dass ihre Rückkehr in die Gruppe nicht möglich ist. Faith schlägt sich auf die Seite des Bürgermeisters, auch wenn sie das zunächst vor Buffy, Giles usw. geheim hält und quasi eine Weile als Doppelagentin agiert. In 3.17 („Enemies“) versuchen Faith und er Bürgermeister, Angel seine Seele wieder zu nehmen um den bösen Angelus herauf zu beschwören. Der Plan scheint wunderbar zu funktionieren, bis sich schließlich herausstellt, dass Angel nur den Bösen gespielt hat, um hinter die Pläne des Bürgermeisters zu kommen. Auf diese Weise erfahren er und die anderen, dass genau am graduation day von Buffy, Willow und Xander die Dämonwerdung des Bürgermeisters stattfinden soll.
Am Ende der Staffel kommt es dann zur unausweichlichen Konfrontation zwischen Buffy und Faith. Da Buffy Faith ja wohl nicht umbringen kann, ohne dabei genau so böse zu werden wie sie, bleibt der Ausgang spannend. Als Faith aber Angel mit einem Giftpfeil trifft und der anschließend im Sterben liegt, hält Buffy nichts mehr davon ab, auf Faith los zu gehen. Denn nur das Blut eines Slayers kann Angel noch retten. Mein erster Gedanke war, Buffy würde sich nun für Angel opfern, doch Faith war ja schließlich auch einmal Slayer. Der Rat und Wesley sind zwar dagegn, dass Buffy nun Jagd auf Faith macht, doch Buffy entscheidet selbstbewusst „I’m not working for them anymore“. „This is mutiny“, ruft Wesley empört und Buffy entgegnet: „I like to think of it as graduation.“ In dieser die Staffel abschließenden Doppelfolge („Graduation Day“) geht es also nicht nur darum, dass die Hauptcharaktere die Schule abschließen, sie werden auch ein Stück weit erwachsen. Es kommt zum Kampf auf Leben und Tod zwischen Buffy und Faith, doch der Ausgang ist ungewiss. Faith fällt auf einen davon fahrenden Lastwagen. Ist sie tot? Man weiß es nicht. Buffy bleibt danach jedenfalls nichts anderes mehr übrig, als Angel aufzufordern „Drink me.“ Angel ziert sich zunächst, doch nachdem Buffy ihn anschließend absichtlich provoziert und wütend macht, gewinnt seine animalische, dämonische Seite die Oberhand und er fällt über Buffy her, tötet sie zum Glück aber nicht. Nach dem finalen Kampf gegen den zum Dämon gewordenen Bürgermeister in der letzten Folge geht Angel schließlich, ohne Abschied zu nehmen. Das war sie dann wohl, die Geschichte von Buffy und Angel. Oder kommt da noch was? Ich bin schon auf die kommenden Crossover zwischen „Angel“ und „Buffy“ gespannt.

Habe ich vorhin bereits „The Wish“ als meine Lieblingsfolge der Staffel bezeichnet? Das muss ich wohl wieder zurücknehmen und den Titel nun an Episode 3.16 („Doppelgangland“) verleihen, eine der von Joss Whedon persönlich geschriebenen und inszenierten Folgen. Durch Umstände, die ich hier nicht weiter erläutern brauche, taucht dort plötzlich die aus „The Wish“ bekannte alternative (Vampir-)Version von Willow in Sunnydale auf und stiftet Verwirrung und Unruhe. Das ist zum einen sehr unterhaltsam anzuschauen, weil Alyson Hannigan sichtlich Spaß daran hat, mal eine ganz andere Seite ihrer Figur zu spielen. Zum anderen kommt es zu einer herrlichen Szene, in der Buffy, Giles und Xander um Willow trauern, weil sie glauben, diese sei zum Vampir geworden. Als dann die „echte“ Willow auftaucht, ist die Erleichterung groß. Und Giles‘ Erklärung für diese Vorgänge ist großartig: „Well…something…something very strange is happening.“
Willow, die zu Beginn der Folge noch den Wunsch geäußert hat, ein bisschen mutiger, spontaner und wilder zu sein, ist beim Anblick ihres anderen Ichs entsetzt – die „Vampir-Willow“ ist ihr dann doch ein bisschen zu wild. Später kommt es dann noch zu einer zum Brüllen komischen Szene, in der Cordelia sich mit der eingesperrten Willow aussprechen will – nicht ahnend, dass es sich dabei gar nicht um Willow handelt. „Doppelgangland“ bringt die Handlung der Serie zwar nicht viel voran, ist aber fantastisch geschrieben und gespielt und gehört zusammen mit der vorher gehenden, tonal völlig anders gelagerten Folge „Consequences“ zu den Höhepunkten dieser dritten Staffel.

In 3.18 („Earshot“) kann Buffy vorübergehend Gedanken lesen, wodurch sie den Selbstmord eines Mitschülers verhindern kann. In der Folge hat es lange Zeit den Anschein, dieser Schüler plane einen Amoklauf an der Schule. Da sich kurz vor der geplanten Ausstrahlung der Episode der Amoklauf an der Columbine High School ereignete, wurde die Episode zunächst zurück gehalten und erst kurz vor dem Start der vierten Staffel ausgestrahlt.
In 3.19 („Choices“) werdem dem Titel entsprechend gleich mehrere Entscheidungen getroffen. Zunächst entschließt sich Buffy, aufs College zu gehen, wofür Giles und Wesley kein Verständnis aufbringen können. Buffy ist schließlich ein Slayer und hat entsprechende Verpflichtungen. Weiterhin beschließen Buffy und ihre Freunde, die Sache mit dem Bürgermeister endlich anzugehen, um hinter seine Pläne zu kommen. Am Ende sind Buffy, Giles usw. zwar noch nicht viel weiter, was den Bürgermeister betrifft, dafür steht Buffys Entschluss nun aber fest: Sie will aufs College gehen – und zwar in Sunnydale, um gleichzeitig ihre Pflichten als Slayer wahrzunehmen (ich sollte wahrscheinlich „Jägerin“ statt „Slayer“ schreiben, aber da ich die Serie auf englisch anschaue, fühlt sich das so seltsam an). Willow, die so gute Noten hat, dass sie sich eine Universität aussuchen könnte, möchte an Buffys Seite bleiben und ihr dabei helfen, das Böse zu bekämpfen. Auch sie entscheidet sich also für das College in Sunnydale.
Auf dem Abschlussball der Sunnydale High School (3.20, „The Prom“) wird schließlich klar, dass die übernatürlichen Vorgänge in Sunnydale und Buffys Rolle bei deren Bekämpfung von ihren Mitschülern keineswegs unbemerkt geblieben sind. Buffy wird nämlich als „Class Protector“ ausgezeichnet und in der Laudatio fällt dabei der schöne Satz „We’re proud to say that the class of ’99 has the lowest mortality rate of any graduating class in Sunnydale history.“ Wie ich schon gesagt habe, wie können Eltern ihre Kinder nur auf so eine Schule schicken…

Nachdem sich Buffy in „Graduation Day“ (3.21/22) also quasi als Slayer selbständig gemacht hat (ihre offizielle Slayer-Funktion hat sie ja beim Rat gekündigt), geht Wesley wieder zurück nach England. Einen Watcher braucht Buffy nun ja nicht mehr, sie ist jetzt erwachsen. Wesley kommt dann aber doch noch einmal ganz unerwartet in bester Han-Solo-Manier zurück, um Buffy im Kampf gegen den Bürgermeister zu unterstützen. Die letzte Folge hatte mit diesem Kampf und einem riesigen CGI-Monster zwar einiges zu bieten, bei mir hat sie jedoch keine besonders große emotionale Wirkung entfalten können. Dass die Figuren an diesen Punkt kommen, war eh schon klar. Buffy ist erwachsen, Angel ist fort und auch für Buffys Freunde beginnt nun ein neuer Lebensabschnitt. Wie sagt Oz ganz am Schluss doch: „We survived. […] Not the battle. High school.“ Im Alltag zitierfähiger sind allerdings Buffys Worte, als sie nach dem Kampf noch nicht wieder ganz bei sich ist und kaum etwas anderes stammeln kann als „Fire: bad. Tree: pretty.“

Und wie war die Staffel nun so? Sehr gut. Ich war zwar nicht vollauf begeistert, aber gerade die von Joss Whedon geschriebenen Schlüsselfolgen waren beste Unterhaltung und die Einführung von Faith eine sinnvolle Bereicherung. Die übergreifende Handlung wurde sinnvoll weitergesponnen – und dass es überhaupt eine gibt, ist ja für eine Serie aus den 1990ern nicht selbstverständlich. Demnächst werde ich mit der vierten Staffel anfangen – und muss ja dann gleichzeitig auch noch „Angel“ gucken, da sich die beiden Serien immer wieder überschneiden. Ich werde mich dabei an diese Reihenfolge halten und freue mich schon auf diese erweiterte Seherfahrung, auch wenn es noch eine ganze Menge Serienfolgen sind, die ich da vor mir habe (noch vier Staffeln „Buffy“ und fünf Staffeln „Angel“).

Was mir übrigens – wie auch schon in den ersten beiden Staffeln – sehr gut gefallen hat, ist die regelmäßige Selbstthematisierung der Serie. Die Staffel beginnt schon total meta, als sich in der ersten Szene der ersten Folge Xander, Willow und Oz darüber unterhalten, welche Sprüche man beim Slayen klopfen muss. Auch die Regeln der Serie werden immer wieder mal erklärt (z.B. in 3.02), so etwas kannte ich bisher nur aus den „Scream“-Filmen und dem von Joss Whedon geschriebenen „The Cabin in the Woods“. Die Vorgänge in der Serie werden von den Figuren immer wieder selbst kommentiert, so zum Beispiel als in Episode 3.06 ein von Buffy in die Flucht geschlagener Vampir unbedingt das letzte Wort haben muss, was Buffy mit den Worten „They never just leave. Always gotta say somthing.“ kommentiert. In eine ähnliche Richtung geht der Kommentar des Bürgermeisters bei einem nächtlichen Treffen (3.19): „I feel like we should all be wearing trenchcoats.“
Ein Meister der Disziplin „Ich rede über die Situation, in der ich mich befinde“ ist nach wie vor Xander. Als ihm in Episode 3.14 keine schlagfertige Antwort auf Cordelias Beleidigung einfällt, sagt er stattdessen: „I’m not gonna waste the perfect comeback on you now, but don’t think I don’t have it. Oh yes, its time will come.“ Das ist überhaupt eine tolle Technik, die ich mir merken muss: Wenn einem nicht gleich eine schlagfertige Antwort einfällt, einfach genau das zum Thema machen. 😀

Babylon 5 – Episode 1.06 „Mind War“

Nach einer viel zu langen, nicht beabsichtigten Sommerpause melde ich mich hier endlich mit einer weiteren „Babylon 5“-Episodenbesprechung zurück. Zunächst möchte ich jedoch wieder auf einige Neuigkeiten aus dem B5-Universum zu sprechen kommen:

Aktuelles aus dem „Babylon 5“-Univerum

Die erste erfreuliche Nachricht: „Babylon 5“ ist ins deutsche Fernsehen zurückgekehrt! Die komplette Serie wird zurzeit auf Tele 5 wiederholt (hier gibt es die genauen Ausstrahlungstermine – jede Folge wird sogar zweimal gezeigt!). Inzwischen ist Tele 5 schon bei den letzten Folgen der dritten Staffel angekommen. Ob die Wiederaufnahme der Serie ins deutsche TV-Programm direkt auf die „Free Babylon 5“-Bewegung zurück zu führen ist, weiß ich nicht, eine positive Nachricht ist es aber allemal. Hoffentlich wird die Serie dadurch einige neue Fans gewinnen!
Die zweite gute Nachricht: „Babylon 5“-Schöpfer J. Michael Straczynskis (JMS) hat im Sommer auf der San Diego Comic Con einen „Babylon 5“-Kinofilm angekündigt! Noch sind keine genauen Details bekannt, aber JMS plant anscheinend, nächstes Jahr das Drehbuch zu schreiben, so dass der Film 2016 gedreht werden kann. Falls Warner Bros. den Film nicht produzieren möchte, wird JMS dies unter dem Banner seines selbst gegründeten Studio JMS tun. Da Warner Bros. zwar die Fernseh- und DVD-Rechte an „Babylon 5“ besitzt, die Filmrechte aber bei JMS liegen, ist ein Kinofilm für ihn die einzige Möglichkeit, notfalls auch ohne Zustimmung von Warner Bros. neue B5-Abenteuer zu drehen (zudem hat er in der Vergangenheit mehrmals gesagt, wenn es jemals neue B5-Geschichten geben sollte, dann auf keinen Fall wieder mit sichtbar kleinem Budget gedrehte direct-to-DVD-Episoden wie „The Lost Tales“/“Vergessene Legenden“, sondern am liebsten einen richtig großen Kinofilm). Noch ist nicht bekannt, worum es in dem Film genau gehen wird oder welche Charaktere und Schauspieler wir sehen werden. JMS hat allerdings angekündigt, dass es sich um ein Reboot handeln wird. Der Film wird also wahrscheinlich nicht die Handlung der TV-Serie aufgreifen oder fortführen, sondern die Tür zu einem ganz neuen B5-Universum aufstoßen. Falls aus der Serie bekannte Schauspieler darin mitspielen werden, dann JMS zufolge in anderen als den gewohnten Rollen. Auf der Comic Con hat JMS auch noch einen weiteren Film angekündigt: Er wird ein Drehbuch auf der Grundlage seines eigenen Comics „Titans“ schreiben, das dann verfilmt werden soll.
Als wären Comics und Filmdrehbücher nicht genug, arbeitet JMS aktuell zusammen mit den Wachowski-Geschwistern („The Matrix“, „Cloud Atlas“) auch noch an „Sense8“, einer neuen Fernsehserie, die 2015 auf Netflix zu sehen sein wird.  Die Dreharbeiten dürften inzwischen fast beendet sein und mit Max Riemelt ist sogar ein deutscher Schauspieler Mitglied des internationalen Casts (weitere Infos zur Serie gibt es in diesem Artikel.) In einem Facebook-Post hat JMS vor kurzem die tollkühne Behauptung aufgestellt, „Sense8“ werde das Fernsehen grundlegend revolutionieren. Ob das stimmt, werden wir nächstes Jahr sehen, ich bin jedenfalls sehr gespannt auf die Serie.
Übrigens habe ich meinen Blogpost über die B5-Podcasts aktualisiert und einen weiteren Podcast hinzugefügt. Das war’s auch schon an aktuellen Neuigkeiten, jetzt geht’s rasch weiter mit…

Episode 1.06 “Mind War” (“Die Macht des Geistes”)

Drehbuch: J. Michael Straczynski, Regie: Bruce Seth Green
Erstausstrahlung: 02.03.1994 (USA), 10.09.1995 (Deutschland)

Die Haupthandlung dieser Episode dreht sich um Talia Winters und ihren Ex-Geliebten Jason Ironheart. Wir erhalten zahlreiche neue Informationen über Telepathen und das Psi-Corps, doch die meisten davon führen nur zu neuen Fragen. Gleich zu Beginn, als der Psi-Cop Alfred Bester (Walter Koenig) und seine Kollegin Sinclairs Büro betreten, werden die Spannungen deutlich, die zwischen Telepathen und Nicht-Telepathen existieren. Besters Versuch, mit Sinclair ohne Worte auf telepathischem Weg zu kommunizieren, wird von Sinclair wütend abgeschmettert. Als Sinclair anschließend anmerkt, es gebe doch eigentlich Regeln, die bestimmen, was Telepathen erlaubt ist und was nicht, erwidert Besters Kollegin Kelsey nur trocken: „There are rules, and there are rules, Commander.“ – ein erster Hinweis darauf, dass sich viele Personen in den Führungsetagen des Psi-Corps nicht um Regeln und Gesetze zu kümmern scheinen.
Walter Koenig, den die meisten Science Fiction-Fans zuvor vor allem als Pavel Chekov aus der zweiten und dritten Staffel der ersten „Star Trek“-Serie (und den Kinofilmen) gekannt haben dürften, spielt hier eine ganz anders gelagerte Rolle. Sein Alfred Bester tritt vom ersten Moment an arrogant, fies und herablassend auf. Das ist herrlich anzusehen, treibt aber die anderen Charaktere wie Sinclair und Ivanova zur Weißglut. Die Szene, in der Bester und Kelsey gemeinsam Talia Winters einem gründlichen Scan unterziehen, ist erschreckend; die Prozedur scheint einer geistigen Vergewaltigung gleich zu kommen, bis Sinclair schließlich einschreitet und den Scan abbricht. Bemerkenswert ist auch Susan Ivanovas Reaktion: Sie reicht Talia anschließend mitfühlend ein Glas Wasser, obwohl sie bislang keine Sympathie für die Telepathin gezeigt hat. Doch Susan weiß aus eigener Erfahrung, welches Leid das Corps einem Menschen antun kann – ihre Mutter wurde vom Psi-Corps in den Selbstmord getrieben, wie wir aus der ersten Folge wissen.
Von Jason Ironheart erfahren wir, dass das Corps Experimente durchführt, um stärkere Telepathen sowie Telekinetiker zu erzeugen. Ironheart zufolge verfolgt das Corps dabei böse Absichten. Es plant angeblich, Telekinetiker wie ihn einzusetzen, um im Weg stehende Personen zu ermorden, ohne Spuren zu hinterlassen. Aber kann man Ironhearts Aussagen trauen? Auf jeden Fall zeigen sich in der Fassade des Psi-Corps deutliche Risse; es handelt sich dabei wohl nicht um die vorbildhafte Institution zum Schutz und der Förderung von Telepathen, die es nach außen darzustellen versucht.
Talias Monolog, in dem sie Sinclair ungefragt erläutert, wie es sich anfühlt, wenn zwei Telepathen miteinander schlafen, soll wohl weitere Sympathien für Talia wecken. Leider wirkt die Szene aber etwas seltsam; es fühlt sich einfach nicht glaubwürdig an, dass Talia Sinclair – den sie noch nicht sehr gut kennt – solche intimen Informationen mitteilt. Insgesamt dient diese Szene aber wie viele andere in dieser Folge dazu, dem Zuschauer zahlreiche neue Informationen über das Psi-Corp, über Telepathen an sich und über Talia Winters zu liefern, die einen Grundstein für die weitere erzählerische Entwicklung von „Babylon 5“ darstellen.

G’Kar schien bislang ein recht eindimensionaler und vorhersehbarer Charakter zu sein. Er war stets der böse Gegenspieler von Londo Mollari und einigen anderen Figuren, der vor allem von seinem Hass auf die Centauri getrieben zu sein schien. Auch diese Episode scheint zunächst genau dieses Bild zu bestätigen – bei seinem ersten Auftreten steht G’Kar mit bösem Blick hinter Catherine Sakai, die mit ihm über die Erlaubnis, den Planeten Sigma 957 zu erforschen, verhandeln muss. Auch sein Verhalten in den folgenden Szenen scheint dem bislang von ihm gezeichneten Bild zu entsprechen. Er wird als Gegenspieler von Sakai aufgebaut, der sie scheinbar aufgrund eigener Interessen daran hindern will, nach Sigma 957 zu fliegen. Sein Satz „Then I fear the Commander will miss you greatly, when you fail to return from Sigma 957“ wirkt wie eine Drohung. Doch er sagt auch einen anderen, sehr wichtigen Satz: „No one here is exactly what he appears.“ Damit weist er darauf hin, dass keine der Figuren in der Welt von „Babylon 5“ genau das sind, was sie zunächst zu sein scheinen.
Alle Charaktere wandeln sich im Lauf der Serie, und diese Wandlungen sind ganz unterschiedlicher Natur. Das Bild, das man in dieser frühen Phase der Serie von den Figuren hat, wird sich definitiv verändern. Genauso wenig wie Londo einfach nur eine fröhliche, oberflächliche Person ist, die gerne trinkt und feiert, ist G’Kar auch nicht einfach nur ein klassischer Bösewicht. Sein Zorn und seine Wut gehören zu diesem frühen Zeitpunkt in der Serie definitiv zu seinem Charakter, doch auch G’Kar wird einige Veränderungen durchmachen und ist zudem bereits jetzt mehr als nur der von seiner Wut getriebene Bösewicht. Die Szene, in der er ein bewaffnetes Raumschiff anfordert, das nach Sigma 957 fliegen soll, spielt noch mit den Erwartungen des Zuschauers. Will G’Kar Catherine Sakais Schiff zerstören lassen, um irgendein Geheimnis zu bewahren? Dass dem nicht so ist, zeigt sich, als das von ihm angeforderte Schiff zu Sakais Rettung kommt. Was also sind eigentlich G’Kars Motive und Ziele?
Die Nebenhandlung um Catherine Sakais Expedition ist nicht besonders komplex oder gehaltvoll, doch auch dieser Teil der Episode dient dazu, dem Zuschauer einige Informationen über die Figuren und das Universum von „Babylon 5“ zu liefern, die für den weiteren Verlauf der Serie wichtig sein werden. Zum einen wird G’Kars Charakter eine neue, bisher unbekannte Facette hinzugefügt, zum anderen erfahren wir auch, dass da draußen im Universum noch andere Lebewesen zu existieren scheinen, die um viele Milliarden Jahre älter sind als alle bekannten Rassen – ein erster Blick auf die großen Wunder des Universums. Nicht zuletzt erhalten wir auch Einblick in Catherine Sakais Beruf, auch wenn der Handlungsstrang, der sich daraus hätte ergeben sollen, im weiteren Verlauf der Serie abgeändert werden musste (mehr dazu, wenn es so weit ist).

Highlight der Episode: G’Kars Worte am Schluss: „There are things in the universe, billions of years older than either of our races. They are vast, timeless, and if they are aware of us at all, it is as little more than ants. And we have as much chance of communicating with them as an ant has with us. We know. We’ve tried. And we’ve learned that we can either stay out from underfoot or be stepped on. They are a mystery. And I am both terrified and reassured to know that there are still wonders in the universe, that we have not yet explained everything.
Diese Zeilen stellen frühes Beispiel für einen jener typischen JMS-Monologe dar, wie sie in der Serie noch öfter vorkommen werden. Auf die Frage, was er an der Episode selbst am liebsen möge, antwortete JMS: „It’s that when all is said and done, *nobody knows anything*. […] [T]he closest I can come to is to compare it to writing a mystery novel, without revealing the killer, but *without* frustrating anyone in the process, because there’s *closure*. In so much of TV SF, *everything* has to be explained, often explained to death. I just love that in the B5 universe, it’s okay for there to be mysteries and wonders and the unexplained.“

Londo/G’Kar-Moment: Londo kommt in der Episode leider nicht vor und die beste G’Kar-Szene habe ich schon als „Highlight der Episode“ beschrieben.

Folgende (weitere) wichtige Informationen, die für den weiteren Verlauf der Serie wichtig sind, erhalten wir in dieser Episode: Von Talia erhalten wir neue Informationen über Telepathen – zum Beispiel, dass sie starke Emotionen anderer Menschen oft gar nicht blocken können. So wie man in einem Hotelzimmer Geräusche aus dem Nebenzimmer vernimmt, so nehmen Telepathen im Alltag das Gewirr aus sie umgebenden, von starken Emotionen gefärbten Gedanken war. Sie müssen lernen, diese Eindrücke so gut es geht aktiv abzublocken oder zu ignorieren.
Der Psi-Cop Alfred Bester (Walter Koenig) hat in dieser Folge seinen ersten Auftritt – es wird nicht der letzte sein. Wie wir von seiner Kollegin Kelsey erfahren, gehört es zu den Aufgaben von Psi-Cops, abtrünnige Telepathen einzufangen bzw. wieder zum Corps zurück zu führen, wie sie es wohl formulieren würde. Zum Psi-Cop befähigt sind nur Telepathen mit Fähigkeiten der höchsten Stufe P-12. Auch Susan Ivanovas Abneigung gegen das Psi-Corps und die ihm angehörigen Telepathen wird in dieser Folge wieder einmal deutlich.

Sonstige Fragen:

  • Was hat Catherine Sakai bei Sigma 957 gesehen? Was ist da draußen im Universum?
  • Was meint Jason Ironheart, als er am Ende zu Sinclair sagt: „I will see you again, in a million years.“? (JMS beantwortete nach der Erstaustrahlung der Folge die Frage, ob wir Ironheart wiedersehen würden, mit „Yes and no.“ Wer die Serie schon komplett gesehen hat, dürfte wissen, wie diese Antwort gemeint ist…)
  • Was wird aus Talia und ihrer neuen Gabe? Wird sie sie weiter entwickeln und erneut einsetzen?
  • Jason Ironheart zufolge strebt das Psi-Corps nach „Kontrolle“, doch welche Ziele verfolgt es genau?
  • Warum existiert bei dem abgelegenen und noch unerforschten Planeten Sigma 957 eigentlich ein Hyperraumsprungtor? (Diese Frage hat JMS bereits beantwortet: Demnach werden Sprungtore von großen Forschungsschiffen in solchen Regionen des Weltraums abgesetzt, die es sich weiter zu erforschen lohnt. Auf diese Weise können anschließend auch kleinere Schiffe wie das von Catherine Skai in diese Regionen vordringen und die weitere Forschungsarbeit leisten.)

Weitere interessante Punkte: 

  • Wir lernen nicht nur das Psi-Corps besser kennen und erfahren mehr über Telepathen, sondern wir erfahren auch, dass das Corps mit Telepathen experimentiert und versucht, Telekinetiker zu erzeugen, um sie zu militärischen und geheimdienstlichen Zwecken einzusetzen. Unter natürlichen Bedingungen gibt es unter tausend Menschen etwa einen Telepathen und unter zehntausend Telepathen einen Telekinetiker (von denen wiederum die Häflte geisteskrank sind)
  • Ironheart zitiert ein Gebet der Ojibwe-Indianer, bevor er gegen Kelsey ankämpft. Es soll Schutz vor Feinden bieten.
  • Besters Geste, als er sich von Sinclair verabschiedet und sein Satz „Be seeing you, Commander“ sind als direkte Referenz an die britische Serie „The Prisoner“ zu verstehen (die ich leider noch nicht kenne).

Interessante “Hinter den Kulissen”-Fakten: 

  • Die Episode wurde als zehnte der ersten Staffel gefilmt, aber das Studio war JMS zufolge so davon beeindruckt, dass beschlossen wurde, sie als sechste Folge zu senden. In der ersten Staffel, die noch überwiegend aus in sich abgeschlossenen Episoden bestand, war ein solches „Herumschieben“ von Episoden noch möglich und kam auch öfter vor.
  • Catherine Sakai erwähnt die Substanz Quantium 40, die auf der Erde nicht vorkommt, aber essentiell beim Bau von Hyperraumsprungtoren ist. Sie hofft, auf Sigma 957 große Mengen davon zu finden.
  • Alfred Bester wurde nach dem gleichnamigen amerikanischen Science-Fiction-Autor (1913-1987) benannt.
  • Walter Koenig sollte ursprünglich nicht Bester spielen, sondern eine Figur in der Folge „And The Sky Full of Stars“, die vor „Mind War“ gefilmt worden war. Weil sein Zeitplan dies aber nicht erlaubte, spielte er also den fiesen Psi-Cop in „Mind War“. JMS wollte Koenig bewusst gegen sein Image als Pavel Chekov aus „Star Trek“ besetzen.
  • Bei der Erstausstrahlung der Folge konnte man in der Einstellung, als Jason Ironhearts Schiff den Stern verdeckt, den Stern durch das Schiff hindurch leuchten sehen – ein Fehler, der bei der Produktion nicht aufgefallen war. Nach der Erstausstrahlung wurde die fehlerhafte Einstellung ausgetauscht.

Zitate:

„No one here is exactly what he appears. Not Mollari, not Delenn, not Sinclair, and not me.“ (G’Kar – ein weiteres schönes Zitat von ihm gibt es beim „Highlight der Episode“)

Bester zu Garibaldi: „Anatomically impossible, Mr. Garibaldi. But you’re welcome to try. Anytime, anywhere.“

Ivanonva zu Bester und Kelsey: „Good old Psi Corps. You guys never cease to amaze me. All the moral fiber of Jack the Ripper. What do you do in your spare time, juggle babies over a fire pit? ‚Oops, there goes another calculated risk.'“
Kelsey: „You are not helping the situation.“
Ivanova: „Lady, you are the situation.“

 

Die nächste Folge in meinem „Babylon 5“ Rewatch:
1.07 „The War Prayer“

„Nothing’s over yet“: Downton Abbey – Series 4

Eigentlich sollte ich zurzeit die dritte Staffel von „Buffy“ anschauen, aber ich kann nicht anders, als immer wieder fremd zu gehen. Neben der achten Staffel von „Dexter“ habe ich in den letzten Wochen auch die vierte Staffel von „Downton Abbey“ zwischen ein paar „Buffy“-Folgen geschoben. Ich habe erst gegen Ende der Staffel angefangen, mir Notizen zu machen, aber da es mir hier sowieso nicht um eine inhaltliche Nacherzählung der Handlung geht, ist das nicht weiter schlimm.

Die Handlung der vierten Staffel beginnt sechs Monate nach dem Ende von Staffel drei (bzw. des 2012er Christmas Specials). Lady Mary (Michelle Dockery) ist immer noch in Trauer über den plötzlichen Tod ihres Ehemannes Matthew. Ein ähnliches Schicksal bleibt der Kammerzofe von Marys Mutter, Sarah O’Brien, zum Glück erspart. Deren Darstellerin Siobhan Finneran wollte die Serie nämlich ebenso verlassen wie Matthew-Darsteller Dan Stevens, weswegen beide aus der Handlung geschrieben werden mussten. Nachdem bereits Lady Sybil aus demselben Grund in der dritten Staffel der Serientod ereilte und man Matthew am Schluss des 2012er Christmas Specials sterben ließ, wäre ein weiterer Todesfall nach so kurzer Zeit dann vielleicht doch etwas zu viel gewesen. O’Brien musste also nicht sterben; stattdessen beginnt die vierte Staffel damit, dass die übrige Dienerschaft in Downton Abbey feststellen muss, dass O’Brien ganz plötzlich abgehauen ist, um Lady Flintshire nach Indien zu begleiten (wer Lady Flintshire ist, weiß ich zwar nicht mehr, aber darum geht es ja nicht).

Zumindest in den ersten Episoden fand ich die vierte Staffel weniger spannend und unterhaltsam als die ersten drei. Allerspätestens jetzt wird nämlich klar, dass „Downton Abbey“ „nur“ eine Soap Opera ist, in der kein noch so unwahrscheinlich erscheinendes Ereignis ausgelassen wird, um Probleme zu erzeugen und die Handlung fortbestehen zu lassen. In der vierten Staffel gehören dazu unter anderem eine Vergewaltigung, die anschließend geheim gehalten werden muss, eine ebenfalls zu verheimlichende Schwangerschaft oder des Diebstahls verdächtigte Bedienstete. Der Vorteil des Soap-Schemas ist allerdings, dass Figuren meist ohne negative Folgen aus der Handlung geschrieben werden können, wie ja in „Downton Abbey“ bereits mehrfach geschehen. Was die Serie aber trotzdem noch sehenswert macht, sind die fast ausnahmslos fantastischen Schauspieler. Zusammen mit den hohen Produktionskosten, den aufwändig ausgestatteten Sets und Kostümen und der Tatsache, dass hier eben nicht wie am Fließband produziert wird, sondern nur etwa neun Stunden pro Jahr, heben die Schauspielerleistungen die Serie über den Status einer bloßen Soap hinaus.

In den ersten drei Staffeln waren für mich meistens die herrlichen One-Liner von Maggie Smith die Höhepunkte. Leider fallen diese in der vierten Staffel nicht mehr so gelungen aus. Lachen musste ich aber, als Smiths Figur, die Dowager Countess of Grantham, einen der Verehrer Lady Marys, Lord Gillingham, als „the most unconvincing fiancé I’ve ever met“ bezeichnete (weil dieser nämlich immer wieder hinter Mary her ist, obwohl er mit einer anderen Frau verlobt ist). Schmunzeln musste ich zudem bei ihrer Bemerkung „I feel as if I spent the whole evening trapped in a whodunnit“ im 2013er Christmas Special, weil ich dies als Anspielung auf „Gosford Park“ (2001) verstanden habe, also jenen Film, der wie „Downton Abbey“ von Julian Fellowes geschrieben wurde. Man könnte ihn als inoffiziellen Pilotfilm zu „Downton Abbey“ betrachten, weil er ebenfalls auf einem aristokratischen Anwesen spielt, wo sich Adelige und ihre Diener im Jahr 1932 zu einem Jagdwochenende einfinden. Maggie Smith spielt darin quasi die gleiche Rolle wie in „Downton Abbey“, nämlich die einer alternden Gräfin, die die gesellschaftlichen Veränderungen um sie herum äußerst kritisch betrachtet. Vordergründig handelt es sich bei „Gosford Park“ um einen Whodunnit, weil etwa in der Mitte des Films der Hausherr ermordet wird und der Mord anschließend aufgeklärt werden muss. Tatsächlich geht es in dem Film aber kaum um diesen Mord, sondern um die Verwicklungen zwischen den zahlreichen Anwesenden auf Gosford Park – above stairs und below stairs. Die Idee zu „Downton Abbey“ ging aus dem Konzept zu „Gosford Park“ hervor und die Serie war ursprünglich sogar als Spin-off des Films gedacht.

Eine weitere Gemeinsamkeit zwischen Film und Serie liegt im Auftauchen realer Personen: In „Gosford Park“ zählte der Schauspieler und Sänger Ivor Novello (gespielt von Jeremy Northam) zu den Gästen, während in einer Folge von „Downton Abbey“ die australische Opernsängerin Nellie Melba (dargestellt von der Sopranistin Kiri Te Kanawa) zu Gast ist. Aber um noch einmal zu Maggie Smiths Figur zurück zu kommen: Ihr bester Moment der vierten Staffel war wohl ihre fassungslose Äußerung, als ihr Sohn nach seiner Rücker aus den USA erklärt, wie sehr er sich freue, endlich wieder Alkohol trinken zu dürfen: „You can’t mean you never had a drink all the time you were there!“

„I’m not unhappy. I’m just not quite ready to be happy.“

Mit diesen Worten beschreibt Lady Mary in der sechsten Folge ihren Gemütszustand. Nach dem unerwarteten Tod ihres Mannes hat sie viele Monate in Trauer verbracht. Diese Zeit ist nun zwar vorbei, doch wie sie sagt ist sie eben immer noch nicht ganz bereit dafür, wieder glücklich zu sein. Damit bringt sie das Soap-Prinzip auf den Punkt, wonach eigentlich keine Figur jemals langfristig glücklich sein darf. Insofern war der Ausstieg von Matthew-Darsteller Dan Stevens überhaupt nicht die Katastrophe für die Serie, die er zunächst zu sein schien. In einer „Making of“-Doku auf der Blu-ray erzählt Gareth Neame, ausführender Produzent der Serie, dass der Ausstieg erst eine sehr schlechte Nachricht zu sein schien („the worst thing that could happen“), doch dann wurde den Serienmachern folgendes klar: „The moment you look at it a different way and you spin it around and you say ‚Okay, so Mary can’t be with Matthew anymore‘. If you look at it another way, suddenly you have the best piece of sort of storytelling rocket fuel that you could have.“ Hier hat jemand offensichtlich seine Soap-Lektion gelernt, denn Soaps leben eben von Problemen, Krisen, Drama – und was könnte es da besseres geben, als hin und wieder einene Todesfall?

Aus solchen Ereignissen ergibt sich erst die Handlung, wobei es nie um die Ereignisse selbst geht, sondern stets um deren Konsequenzen und um die Reaktionen der Figuren. Daraus, wie Lady Mary mit dem Tod ihres Mannes umgeht, ergibt sich die Handlung (zum Beispiel wie sie Folge für Folge alle Männer, die um sie werben, abweist, weil sie noch in Trauer ist). Nachdem Mr. Bates von der Vergewaltigung seiner Frau Anna erfahren hat, ist Mrs. Hughes erleichtert, dass das Problem zwischen ihm und Anna nun ausgesprochen und damit aus der Welt geschafft ist. Aber: „Nothing’s over yet“, erwidert Mr. Bates. Es kann auch noch gar nichts vorbei oder das Problem beseitigt sein, denn das widerspräche dem Soap-Prinzip, Ereignisse möglichst lange nachhallen zu lassen. So schlimm eine reale Vergewaltigung auch ist, aus Soap-Sicht ist sie genau wie ein plötzlicher Todesfall ein freudiges Ereignis, da sie Erzähsoff für viele Episoden bietet. Auch in diesem Fall geht es wieder weniger um die Vergewaltigung an sich, sondern darum, wie die Figuren damit umgehen. Anna beschließt, ihre Vergewaltigung vor ihrem Mann geheim zu halten, aus Angst, er könnte sonst ihren Peiniger umbringen. Ihr Mann, Mr. Bates, wiederum fragt sich, warum seine Frau auf einmal so kalt und abweisend zu ihm ist und versucht heraus zu finden, was geschehen ist. Und Mrs. Hughes versucht so gut sie kann, zwischen den beiden zu vermitteln, ohne Annas Geheimnis zu verraten. Dass Anna vergewaltigt wurde ist – aus erzählerischer Sicht, wohlgemerkt – zu diesem Zeitpunkt schon fast irrelevant. Die Vergewaltigung dient bloß als ein eine Krise auslösendes Ereignis, das die Figuren dann für möglichst viele Episoden leiden, Geheimnisse haben, intrigieren, spionieren und trösten lässt.

Immer wieder sind es auch die Blicke der Figuren, die uns zeigen, dass eine Sache noch längst nicht vorbei ist. Misstrauische, verdächtigende, sehnsuchtsvolle, verspottende oder verachtende Blicke sind es, die sich die Figuren zu werfen oder mit denen sie sich heimlich umschauen. Einer der Bediensteten, der unsympathise Thomas Barrow (Robert James-Collier) hat sich das Sammeln von Geheimnissen und deren Benutzen für eigene Zwecke geradezu zum Geschäft gemacht. In der vierten Staffel instruiert er Mrs. Baxter, in seiner Abwesenheit auf die Geschehnisse im Haus zu achten und ihm bei seiner Rückkehr genau Bericht zu erstatten. Manchmal habe ich den Eindruck, Thomas weiß als einzige Figur in „Downton Abbey“, dass er sich in Wahrheit nur in einer Soap Opera befindet, so offensichtlich versucht er stets, andere auszuspionieren und gegen sie zu intrigieren.

„How curious these phrases are!“

Ich habe schon geschrieben, dass ich die vierte Staffel nicht mehr ganz so interessant fand, wie die vorhergehenden. Mit zunehmender Dauer wird leider immer klarer, dass hier eben immer nach demselben Prinzip erzählt wird. Wo die Staffel aber doch interessant wurde und wirklichen Witz entwickelt hat, war immer dann, wenn Grenzen überschritten oder sonstwie relevant wurden – Grenzen zwischen geselschafftlichen Schichten oder unterschiedlichen Kulturen. Die Einteilung in Adlige above stairs und deren Bedienstete below stairs ist ja offensichtlich; manchmal aber wird deutlich, dass auch innerhalb dieser beiden Schichten Abgrenzungen vorgenommen werden, zum Beispiel als ein schwarzer Sänger in den Dienstbotenquartieren zu Gast ist und von Mr. Carson doch tatsächlich gefragt wird, ob er je daran gedacht habe, nach Afrika zu gehen!

Mehrmals in der Staffel wird auch die Differenz zwischen Adeligen und Dienern zum Thema der Handlung, und zwar indem es zu Verwechslungen oder Täuschungen kommt. Rose gibt sich etwa auf einem Tanz in York als Bedienstete aus, während einige Folgen später Anna und ihr Mann in einem Restaurant aufgrund eines Missverständisses als Adelige behandelt werden. Eine Figur, für die diese Differenz ständig für Anspannung sorgt, ist der ehemalige Chaffeur Tom, der in die Familie Crawley eingheiratet hat. Formell gehört er nun zwar zur Familie, doch immer wieder wird ihm bewusst, dass er keineswegs einer von ihnen ist. Als eine Party auf dem Anwesen stattfindet, hat ihn Violet (ich nenne Maggie Smiths Figur der Einfachheit halber nun beim Vornamen, möge sie mir verzeiehen) darüber aufzuklären, mit welchen Titeln er die verschiedenen Gäste anzusprechen hat. Als er bemerkt, dass diese Regelungen unlogisch seien, entgegnet Violet: „If I were to search for logic, I should not look for it among the English upper class.“ 😀 Auch seinen ehemaligen Kollegen Thomas hat er nun, da er als Herr zum Diener spricht, mit dem Nachnamen anzureden, während er selbst nun als Teil der Familie von den anderen Familienmitgliedern nicht mehr mit seinem Nachnamen, sondern lediglich als „Tom“ anzusprechen ist, was wiederum bei Violet für Irritation sorgt.

Molesley (Kevin Doyle), der frühere Butler von Lady Isobel und ihrem Sohn Matthew, kehrt in der vierten Staffel als einfacher Hausdiener (footman) nach Downton Abbey zurück. Er nimmt die Stellung nur nach langem Zögern an, da sie einen Rückschritt für ihn bedeutet. Als er in seiner neuen Stellung das Essen serviert, spricht ihn Violet weiter mit seinem Nachnamen an, obwohl einfache Hausdiener im Gegensatz zum Butler eigentlich beim Vornamen genannt werden. Dem Butler Mr. Carson (Jim Carter) passt das gar nicht, doch er drückt seinen Ärger lediglich mit einem bösen Blick aus.

Im an die vierte Staffel anschließenden Christmas Special „Downton Abbey: The London Season“ kommt einmal mehr Besuch aus Amerika. Martha Levinson (Shirley MacLaine), die Mutter von Cora sowie Coras Bruder Harold (Paul Giamatti) sind aus New York angereist; auch sie haben natürlich ihre Bediensteten dabei. Das Aufeinandertreffen von Briten und Amerikanern sorgt für den Großteil der Lacher in dieser 90-minütigen Episode. So ist es etwa die britische Dienerschaft gewohnt, auswärtige Diener, die sich auf Downton Abbey aufhalten, der Einfachheit halber mit dem Namen ihrer jeweiligen Vorgesetzten anzureden (in „Gosford Park“ sorgt diese Praxis beim Zuschauer für reichlich Verwirrung). Als Ethan, Harold Levinsons Kammerdiener, von Mr. Carson als „Mr. Levinson“ angesprochen wird, ist er irritiert und weist Mr. Carson zurecht: „My employer is called Levinson, not me.“, woraufhin Mr. Carson entgegnet: „In this house, you both are.“

Als Ethan später auf Wunsch von Mr. Carson für einige Zeit die Aufgabe eines Hausdieners übernimmt und bei einem Empfang die Häppchen auf seinem Tablett den Gästen gegenüber aktiv anpreist („Would you care for one of these? I think they’re quite nice.“), muss ihn Mr. Carson erneut scharf zurecht weisen: „You’re a footman, not a travelling salesman. Please keep your opinions on the catering to yourself.“ 😀 Selten war ein culture clash unterhaltsamer. Einige Zeit später erfahren wir, dass die Dienerschaft Probleme hat, all das Eis aufzutreiben, das der Amerikaner Harold Levinson offenbar „in everything he drinks“ haben möchte…

Aber nicht nur unter der Dienerschaft sorgt die Anwesenheit der Gäste für Irritationen, auch die von Maggie Smith und Shirley MacLaine gespielten Figuren geraten erneut aneinander. Als Martha (MacLaine) und Harold das Zimmer betreten, in dem sich Violet (Smith) und der Rest der Familie gerade aufhalten, begrüßt Martha die Anwesenden mit einem „Oh, well, the gang’s all here, I see.“, was Violet trocken mit „Is that American for ‚Hello‘?“ kommentiert, nur um kurze Zeit später die Bemerkung „How curious these phrases are!“ nach zu schieben.

In all diesen Fällen gilt: die Irritation ergibt sich stets aus einer Differenz zwischen Angehörigen verschiedener Schichten oder unterschiedlicher Kulturen. Solche Unterschiede werden immer dann relevant, wenn sie in irgendeiner Form stören. Denn „da“ sind sie ja immer, sorgen im Normalfall aber nicht für Störungen, sondern tragen im Gegenteil dazu bei, eine bestimmte gesellschaftliche Ordnung aufrecht zu erhalten, so kompliziert und umständlich sie zum Teil auch erscheinen mögen. Nur wenn sich jemand nicht in Übereinstimmung mit den ungeschriebenen Gesetzen des gesellschaftlichen Zusammenlebens verhält, gerät die Kommunikation ins Stocken und es kommt zum Beispiel zu peinlichen Situationen wie der, in der der ehemalige Chauffeur die Damen der feinen Gesellschaft mit den falschen Titeln anspricht. (In diesem Fall ist ihm das zwar selbst nicht peinlich, weil er seinen Fehler gar nicht bemerkt, doch seine Gesprächspartnerinnen werden sich schon ihren Teil dabei denken.)

Meine Lieblingsszene aus dem 2013er Christmas Special ist in dieser Hinsicht das Aufeinandertreffen des Amerikaners Harold Levinson und des Prince of Wales, Eward VIII. (Oliver Dimsdale) auf einem Empfang im Buckingham Palace. Harold, der schon im Vorfeld seine Begeisterung über ein mögliches Treffen mit dem Prinzen zum Ausdruck gebracht hat, nutzt die Gelegenheit, als er diesen gerade ohne Gesprächspartner stehen sieht und geht entschlossen auf ihn zu. „How do you do? Harold Levinson.“, stellt er sich vor und streckt dem Briten seine Hand entgegen. Dies sorgt jedoch leider bereits für eine Störung und schließlich den kompletten Abbruch der Kommunikation, da die Sitte, sich jemandem vorzustellen, indem man einfach den eigenen Namen sagt, dem britischen Prinzen vollkommen unbekannt zu sein scheint. „You are mistaken, sir. I am not Harold Levinson, whoever he may be.“, erwidert der Prinz. Der Amerikaner Harold hat wahrscheintlich in dieser Situation gleich mehrere Regelen gebrochen, da er weder Ahnung von den britischen Gepflogenheiten im Allgemeinen zu haben scheint, noch davon, wie man sich einem Mitglied des Königshauses zu nähern hat. Es bleibt der herrliche, zunächst irritierte und schließlich belustigte Ausdruck auf Harolds Gesicht, nachdem ihn der ebenfalls irritierte Prinz einfach hat stehen lassen.

Aber nicht nur die Unterschiede zwischen Briten und Amerikanern, zwischen Adeligen und ihren Dienern spielen in „Downton Abbey“ eine Rolle. Je weiter die Handlung fortschreitet, um so öfter ist auch die Rede von einem gesellschaftlichen Wandel, in dem sich das starre  Klassensystem zumindest ein wenig aufzulösen beginnt. Martha Levinson sieht sich als eine der Vorreiterinnen dieser Entwicklung (was zugegeben wohl mit ihrer Identität als Amerikanerin zu tun hat). Sie bezeichnet sich als modern und legt keinen Wert darauf, einen Mann nur seines Titels wegen zu heiraten. Dass ihre eigene Tochter einen höheren gesellschaftlichen Rang innehat als sie selbst, stört sie nicht. Ganz am Ende der Staffel erklärt sie in einem Aufeinandertreffen mit Violet, der wohl stärksten Verfechterin der alten Ordnung: „I have no wish to be a great lady.“ Kurz darauf fügt sie hinzu: „I don’t mind looking in the mirror, because what I see is a woman who’s not afraid of the future. My world is coming nearer, and your world? It’s slipping further and further away.“

Hoffentlich werden diese gesellschaftlichen Umbrüche in der kommenden fünften Staffel der Serie noch näher beleuchtet. Sie bieten definitiv eine Menge an neuem, interessantem Erzählstoff.

House of Cards – Season 1

„After all, we are nothing, more or less, than what we choose to reveal.“ (Frank Underwood)

Nachdem ich sie schon mehrere Monate lang bei mir zuhause herumliegen hatte, habe ich die 1. Staffel von Beau Willimons „House of Cards“ diesen Sommer endlich in meinen Blu-ray-Player befördert. Und was soll ich sagen? Es hat sich gelohnt, auch wenn ich bestimmt kein Riesenfan der Serie werde. Dazu interessieren mich Intrigen und Politik im fiktiven Fernsehen dann zu wenig – es sei denn, sie sind zum Beispiel mit Fantasy vermengt, wie das in „Game of Thrones“ der Fall ist. Die Parallelen zwischen diesen beiden Serien sind wirklich frappierend. Beide Serien zeigen, wie man sich in der Politik durch Lügen, Betrügen, Täuschen und Morden nach oben durchschlagen kann. Dass letzters in „House of Cards“ wesentlich weniger vorkommt als in „Game of Thrones“, bedeutet jedoch nicht unbedingt, dass der von Kevin Spacey gespielte Frank Underwood wesentlich zivilisierter handelt als die Menschen im mittelalterlich angelegten Westeros.

Frank Underwood ist ein so abgrundtief schlechter Mann, dass es schon wieder Spaß macht, ihn zu hassen. Antihelden im Fernsehen sind in, das wissen wir unter anderem aus „Dexter“ und „Breaking Bad“. Aber während Walter White zumindest anfangs wenigstens noch noble Motive für seine schlechten Taten zu haben scheint und Dexter beim Ausleben seiner Mordgelüste nach einem strengen Kodex handelt, der ihm vorschreibt, nur solche Menschen zu töten, die selbst schwere Verbrechen begangen haben, scheint Frank Underwood andere Menschen – egal ob Freund oder Feind, Kollege, langjähriger Weggefährte oder was auch immmer – stets nur als Mittel zum Zweck anzusehen, die man nach allen Regeln der politischen Kunst (aus)nutzen darf und muss. Wäre Underwood Teil der „Game of Thrones“-Welt Westeros, er würde in derselben Liga spielen wie Lord Varys und Littlefinger, was die Kunst des politischen Intrigierens betrifft. Zu Beginn der ersten Folge tötet er auf der Straße einen angefahrenen Hund und erklärt in einem ans Publikum gerichteten, direkt in die Kamera gesprochenen Kommentar, manchmal müsse man eben Dinge tun, die zwar unangenehm, aber notwendig sind. 13 Folgen später kann ich  dazu nur sagen: Bullshit, Frank! Ich nehme es dir nicht ab, dass du dir über die Auswirkungen deiner Handlungen auf andere Lebewesen überhaupt Gedanken machst. Dass es unter erfolgreichen Politikern und den CEOs großer Firmen eine überdurchschnittlich hohe Quote an Psychopathen geben soll, liest man ja immer wieder und Underwood scheint tatsächlich so ein Fall zu sein. Frank wird im Lauf der Staffel jedenfalls noch weitere Tote in Kauf nehmen, um seine Ziele zu erreichen.

Das Traurige in „House of Cards“ ist, dass es Leute wie Frank in der Serie ganz nach oben schaffen. Je disziplinierter und rücksichtsloser jemand betrügt und lügt, umso mehr wächst seine Macht. Das beginnt auch Zoey Barnes (Kate Mara) zu lernen, eine junge Reporterin, die zu Beginn der Serie für den (fiktiven) Washington Herald schreibt. Sie geht einen Pakt mit Frank ein und verkauft auf diese Weise vielleicht nicht unbedingt ihre Seele, opfert aber auf jeden Fall ihre journalistische Integrität und wirft nach und nach immer mehr ihrer Moralvorstellungen über Bord. Auf diese Weise wird sie zwar bald zu einer landesweit bekannten Politikjournalistin, aber zu welchem Preis? Ich habe den Verdacht, dass es in Staffel zwei für Zoey erst einmal nur noch bergab gehen kann… (Ganz nebenbei: Ich wusste ja gar nicht, dass Rooney Mara („The Girl with the Dragon Tattoo“) eine Schwester hat, die mindestens genau so hübsch ist wie sie und eine ebenso talentierte Schauspielerin!)
Zoey ist jedenfalls noch nicht komplett verdorben, sondern vielleicht ja nur vorrübergehend geblendet von den Aussichten, die ihr das Bündnis mit Frank verspricht. Von Underwoods Ehefrau Claire (Robin Wright) kann man das nicht behaupten. Viel mehr als die Tatsache, dass sie ohne mit der Wimper zu zucken etwa die Hälfte ihrer Angestellten feuert, zeigt folgender kurzer Dialog zwischen ihr und Frank, dass Claire ihrem Mann in Sachen Skrupellosigkeit und utilitaristischem Denken in nichts nachsteht:

Frank, der mit Zoey geschlafen hat, kommt spät abends nach Hause.
Seine Frau Claire fragt nur: „The reporter?“
Frank: „Yes.“
Darauf Claire: „What does she offer us?“

Wow. Was für eine tolle Ehe muss das sein, in der selbst der Seitensprung des Partners nur im Hinblick seiner potentiellen Nützlichkeit für die gemeinsamen Ziele gesehen wird. Zugegeben, als Claire einige Folgen später ihre Beziehung mit einem Fotografen wieder aufleben lässt und dafür sogar für ein paar Tage nach New York verschwindet, scheint Frank tatsächlich eifersüchtig zu sein. Aber dass er und Claire sich wirklich lieben oder jemals geliebt haben, dafür gibt es hier dennoch keine Anzeichen. Aber Liebe ist eben eine Währung, die in Washington nicht angenommen wird.

Frank Underwood wird als eine so skrupellose, nur um den eigenen Vorteil bedachte Figur gezeichnet, dass ich mich immer wieder gefragt habe, ob diese Schlechtigkeit denn keine Spuren in ihm hinterlässt. In seinen direkt zum Fernsehzuschauer gesprochenen Kommentaren zum Geschehen offenbart Frank immer wieder, was er wirklich von den Menschen hält, mit denen er im Washingtoner Politikbetrieb täglich zu tun hat. Er hält sie für Idioten, für gefährlich oder für nützlich, aber er sieht sie nie als ganze Menschen an, sondern stets nur als Figuren im Schachspiel der Politik. Ins Gesicht sagt er einem Kollegen vielleicht, wie sehr er sich doch über dessen nützliche Vorschläge freut; insgeheim freut er sich aber darüber, dass der andere ohne es zu wissen nach seiner Pfeife tanzt und plant schon die nächsten Schritte, um ihn weiter zu manipulieren. Nimmt es einen nicht mit, wenn man sich tagein, tagaus auf diese Weise verstellt? Wenn man so gut wie nie einem Menschen die Wahrheit ins Gesicht sagt (außer wenn es mal den eigenen Zwecken dienlich ist)? Löst das keinen Stress aus, keine Gewissensbisse? Kopfschmerzen? Einen Herzinfarkt? Franks in die Kamera gesprochene Kommentare sind zum Teil so bitterböse, sein Charakter so abgrundtief schlecht, dass man sich fragt, wie ein Mensch mit dieser Sicht auf das Leben, die Welt und die Menschen mit sich selbst leben kann. Wie kann Frank Underwood mit sich selbst im Reinen sein? Er muss wohl wirklich zumindest psychopathische Züge aufweisen, anders kann ich mir sein Handeln nicht erklären. So vollkommen ohne Rücksicht auf die Bedürfnisse anderer handelt doch nur jemand, für den Emotionen und Empathie nur theoretische Konzepte sind. Frank Underwood hat keine Gewissensbisse, weil er kein Gewissen hat.

Vielleicht ist die Erklärung dafür, warum Frank bislang von Stresssymptomen verschont geblieben ist, aber auch eine ganz einfache: Er spielt zu Hause regelmäßig Ego-Shooter. An ihnen reagiert er sich ab, hier lässt er all den Frust und Ärger heraus, der sich im Lauf eines Tages in ihm angestaut hat (was für die karthatische Wirkung von Gewaltinhalten in Videospielen spricht).

Alias – Season 3

— Der folgende Text enthält Spoiler für die gesamte dritte Staffel von „Alias“!! —

Gesundheitliche Probleme, ein dank defekter Lüftung überhitzter Laptop und schließlich meine alljährliche, achttägige Filmfest-Auszeit sind die Gründe dafür, dass ich mich in den letzten Wochen kaum um mein(en) Blog kümmern konnte (ich kann mir einfach nicht merken, ob es der oder das Blog heißt). Inzwischen bin ich wieder gesund, mein Laptop hat eine neue Lüftung eingebaut bekommen und das Filmfest München ist leider auch schon wieder vorbei. Während meiner Blog-Auszeit haben sich einige Blog-Themen angesammelt, die ich in den nächsten Tagen und Wochen hoffentlich alle abarbeiten werde.

Dieses Mal geht es also um die dritte Staffel von „Alias“, eine Serie über die ich bereits mehrmals gebloggt habe und die ich so toll eigentlich gar nicht finde. Trotzdem will ich immer wissen, wie die Handlung weitergeht. Es ist nun schon eine Weile her, dass ich die Staffel angeschaut habe und meine Erinnerung an die Ereignisse darin ist zum Teil etwas verschwommen, aber ich hoffe mal, dass ich mit Hilfe meiner Notizen einen halbwegs sinnvollen Post hinkriege. 😉 Die erste Folge der Staffel beginnt direkt nach dem Cliffhanger-Ende von Season 2: Sydney Bristow (Jennifer Garner) wacht auf und muss feststellen, dass sie sich an die letzten zwei Jahre nicht erinnern kann. Während in ihrem Gedächtnis nur ein großes Loch klafft und sie absolut keine Ahnung hat, was sie in diesen zwei Jahren so getrieben hat, haben die anderen Charaktere ihr Leben weiter gelebt. Michael Vauhn (Michael Vartan) zum Beispiel ist plötzlich verheiratet (und zwar nicht mit Sydney). Noch in der zweiten Staffel musste außerdem Sydneys beste Freundin Francie ihr Leben lassen, da sie durch einen „bösen Klon“ ersetzt wurde; zudem ist Sydneys ehemaliger Vorgesetzter Arvin Sloane (Ron Rifkin) nun offiziell einer der Bösen (das war jedenfalls der Stand am Ende der zweiten Staffel). Nun, am Beginn von Season 3, erfahren wir, dass Sydney für tot gehalten wurde. Irgendjemand muss ihren Tod vorgetäuscht haben, Wohnungsbrand und menschliche Überreste inklusive. Sydneys CIA-Partner Marcus Dixon (Carl Lumbly) leitet jetzt die Abteilung, während Syds Vater Jack (Victor Garber) im Gefängnis sitzt, weil er mit ihrer terroristischen Mutter zusammen gearbeitet hat, um Sydney aufzuspüren (er kommt aber zu Beginn der dritten Staffel schnell wieder frei).

Beim Anschauen der ersten Minuten der Staffel habe ich gemerkt, dass ich mich zwar nur schlecht an die Handlung der ersten beiden Staffeln erinnern konnte, dafür aber umso besser an die Charaktere. Außerdem hat sich die Serie sofort wieder vertraut angefühlt, weil sie nach wie vor nach demselben Schema verfährt: Es geht von einer Mission und einer neu gewonnenen Erkenntnis zur nächsten, jede Frage führt zwar früher oder später zu einer Antwort, in die aber die nächste Frage gleich eingebaut ist. Auch das, was Sydney und die Zuschauer als Wahrheit kennen und akzeptieren müssen, stellt sich meist nur als ein Teil der Wahrheit heraus, dem Stück für Stück neue Teile hinzugefügt werden, durch die rückblickend auch manchmal frühere Erkenntnisse in einem ganz neuen Licht erscheinen, Wahrheit also sozusagen umdefiniert wird. (Im Rahmen meiner Diplomarbeit habe ich „Desperate Housewives“ mit Hilfe der sogenannten „Grounded Theory“, also einer auf der Grundlage der Daten – in diesem Fall Transkripe einiger Serienfolgen – gewonnenen Theorie analysiert. Dabei kristallisierten sich verschiedene Konzepte bzw. Kategorien heraus, die in der Serie eine wichtige Rolle spielen, z.B. „Fremdheit“ oder „Geheimnis“. Im Fall von „Alias“ wäre wohl „Wahrheit“ ein solches die gesamte Serie durchziehendes Konzept. Auch „Geheimnis“ könnte hier eine Kategorie darstellen, da Geheimnisse, die die Figuren voreinander haben oder die die Serie vor dem Zuschauer hat, immer wieder eine wichtige Rolle spielen.)

Nicht nur das, was als Wahrheit gilt, wird im Lauf der Serie immer wieder neu definiert, sondern auch wer gut und wer böse ist. Vor allem Arvin Sloane ist hier zu nennen: Am Anfang der Serie ist er Sydneys Mentor und eine Art Vaterfigur für sie, dann wird er zu ihrem schlimmsten Feind, nun ist er ihr zweckmäßiger, aber nach wie vor verhasster Verbündeter. Und noch dazu soll er jetzt eine Wandlung zum großzügigen Wohltäter durchgemacht haben? Weder Syd noch die Zuschauer können das so recht glauben. Seine „Wandlung“ erinnert jedenfalls stark an das Schema, nach dem in Staffel zwei mit Sydneys Mutter verfahren wurde, die war ja auch mal gut, mal böse und nie wusste man so recht, ob man ihr trauen sollte oder nicht.

Von der ersten Folge am besten im Gedächtnis geblieben ist mir jedenfalls dieser Wortwechsel zwischen Sydney und einem anderen Agenten:

Er: „Forgive me if I look shocking to you, but I was believing that you were dead.
Sie: „I was. But now I’m not.
Er: „This is why I love our business.“

Die ganze erste Folge wird aus Sydneys Sicht erzählt, die Zuschauer erfahren nur das, was auch sie erfährt. Dazu gehört ganz zum Schluss auch die Erkenntnis, dass sie in den letzten zwei Jahren keineswegs nur Däumchen gedreht hat, sondern anscheinen einen kaltblütigen Mord begangen hat. Aber warum und unter welchen Umständen? Dies Herauszufinden ist nun Sydneys Hauptaufgabe.

Die zweite Folge bringt dann auch mehr Antworten darüber, was Syd in den letzten zwei Jahren so getrieben hat. Aber ganz in Übereinstimmung mit den ungeschriebenen Gesetzen der Serie führen diese Antworten nur zu noch mehr Fragen und unter anderem auch zu der unbequemen Konstellation, dass es nun ausgerechnet Michael Vaughns Frau Lauren (Melissa George) den Mord untersuchen soll, den Sydney begangen hat, was einmal mehr das Konzept „Geheimnis“ in die Serie einbringt (schließlich will Sydney um jeden Preis verhindern, dass sie als die Täterin enttarnt wird, jedenfalls solange ihr selbst die genauen Umstände der Tat nicht bekannt sind). Sydney und ihr Vater müssen Lauren von nun an immer einen Schritt voraus bleiben, woraus sich eine ähnliche Konstellation wie in den ersten beiden Staffeln ergibt, als die beiden als Doppelagenten innerhalb von SD6 tätig waren. Leider ist Victor Garbers Schauspiel für mich immer noch einer der größten Schwachpunkte der Serie. Seine Sprechweise wirkt stets monoton, sein Gesichtsausdruck immer gleich – gar nicht auszudenken, was ein anderer, besserer Darsteller aus dieser Rolle gemacht hätte!

Die Szenarien sind jedenfalls nach wie vor spannend und kreativ; teilweise wirkt die Handlung aber auch arg konstruiert und vor allem nervt es, wenn sich die Charaktere Folge für Folge fast wortgleich die gleichen Fakten ins Gesicht sprechen, bloß um den Zuschauer auf dem Laufenden zu halten. Auch Sydneys Unentschlossenheit in den ersten Folgen der Staffel hat mich wahnsinnig genervt („Soll ich meinen CIA-Kollegen nun verraten, dass ich diesen Mord begangen habe, aber selbst nicht weiß, wie es dazu kam oder soll ich lieber alleine weitere Nachforschungen anstellen?“). Schließlich verrät Jack Sydneys Geheimnis an Dixon und erlöst seine Tochter zumindest von diesem Dilemma.

Dass es in „Alias“ nicht wirklich um den Inhalt der Missionen geht, die Sydney und ihr Team in jeder Episode absolvieren müssen, habe ich ja schon in meinen früheren Posts geschrieben. Das ist natürlich auch in der dritten Staffel noch so. Stattdessen geht es darum, wie diese Missionen und die sich aus ihnen ergebenden Veränderungen und gewonnenen Erkenntnisse sich auf die Figuren und ihre Beziehungen auswirken. Als Vaughn zum Beispiel davon erfährt, dass Sydney den Mord begangen hat, wird er dazu gezwungen, diese Erkenntnis vor seiner Frau, die ja genau diesen Mord untersucht, geheim zu halten. Der Ehe der beiden kommt das nicht gerade zugute.

Am Ende der siebten Folge wird Sydney schließlich in Rom von der CIA überwätligt und festgenommen; Lauren hat inzwischen herausgefunden, dass Sydney den Mord begangen hat (wer dabei eigentlich ermordet wurde, lasse ich hier mal weg, es ist ja so schon kompliziert genug). In Folge acht wird sie von Vaughn und ihrem Vater befreit – und von Lauren, die sich in letzter Sekunde doch dazu entschlossen hat, ihnen dabei zu helfen. Auch Sloane arbeitet mit ihnen zusammen und kurzzeitig bilden sie nun so eine Art Rebellengruppe, die gegen die CIA kämpft. Es gelingt ihnen sogar erfolgreich, es so erscheinen zu lassen, als sei The Covenant für Sydneys Befreiung verantwortlich – jene Terrorgruppe, die den Hauptantagonisten der Staffel darstellt. Wohl oder übel müssen Sydney & Co. nun also mit Sloane zusammen arbeiten, der eine Idee hat, wie man Sydneys Gedächtnis wieder herstellen kann: Er kennt da so einen Hippie-Professor, der eine Prozedur entwickelt hat, die vielleicht helfen könnte… Jener von David Cronenberg gespielte Professor wirkt wie ein Vorläufer von Walter Bishop aus J.J. Abrams späterer Serie „Fringe“, sowohl was sein Verhalten als auch was seine Methoden betrifft. Er versetzt Sydney in einen Traumzustand, während dessen sie sich der Tatsache, dass sie träumt bewusst ist. Und in dieser Traumsequenz hören wir Auszüge aus den Cellosuiten von Bach, was ich deshalb erwähnenswert finde, weil mir in den letzten Jahren immer wieder auffällt, wie oft diese (und andere Stücke von Bach) in Filmen und TV-Serien eingesetzt werden. Diese Episode ist jedenfalls ein gutes Beispiel dafür, dass die Serie immer wieder – und auch durchaus oft erfolgreich – versucht, ihr eigenes Erzählschema (Fragestellung-Mission-neue Erkenntnisse-neue Fragen-nächste Mission…) zu durchbrechen. Das bringt Abwechslung. Am Ende dieser Episode steht jedenfalls mal wieder eine alles verändernde neue Erkenntnis, durch die das, was bisher als „Wahrheit“ galt, umdefiniert wird: Sydney hat den Mord gar nicht begangen, denn der scheinbar Ermordete lebt noch…

Weil Episode 3.09 eben ganz anders war als die vorherigen Episoden und zudem mit diesem Cliffhanger am Ende aufwartete, musste ich danach ausnahmsweise sofort die nächste Folge gucken. (Sonst bin ich von der dann doch oft gleichen Erzählstruktur der „Alias“-Episoden eher gelangweilt – von den erwähnten kreativen Ausnahmen abgesehen laufen die Folgen nämlich meist alle gleich ab. Da scheinen die Konsequenzen der Plotentwicklungen für die Figuren im ersten Moment zwar riesig zu sein, aber weil sich in bester „24“-Manier ja sowieso ständig alles wieder ändert, sind sie letztlich doch wieder egal.)

In 3.11 fasst Sydney selbst eines der Prinzipien der Serie zusammen, als sie bemerkt, jedes Mal, wenn sie den Antworten über die ihr fehlenden zwei Jahre nahekommt, schließe sich vor ihr eine Tür. Sie kann ja noch nicht wissen, dass sie genau in dieser Folge endlich tatsächlich Antworten erhalten wird – und zwar von Terry „John Locke“ O’Quinn, der hier einmal mehr als Special Agent (oder was auch immer) Kendall auftaucht. Die Episode kaut einem zunächst all die bisherigen Ereignisse der Staffel noch einmal vor und eignet sich damit perfekt zum Einstieg, falls man die erste Staffelhälfte verpasst haben sollte. Aber sie gibt wie gesagt auch zahlreiche neue Antworten und es ist fast überflüssig zu erwähnen, dass dabei einmal mehr Konzepte wie „Wahrheit“, „Geheimnis“ und „Vertrauen“ (das könnte nämlich auch so eine Kategorie sein) über den Haufen geworfen, gut durchgeschüttelt und neu definiert werden. Den größten Schock hält in diesem Zusammenhang mal wieder die letzte Szene der Episode bereit: Gerade als Sydney den Mann gerettet hat, von dem sie bis vor kurzem noch dachte, sie selbst habe ihn ermordet, wird dieser tatsächlich erschossen – von Lauren! Natürlich wissen Sydney & Co. noch nicht, dass es Lauren war, die den Schuss abgefeuert hat, aber der Zuschauer weiß nun, dass Lauren ein falsches Spiel treibt. Sie ist eine Doppelagentin und gibt nur vor, für die CIA zu arbeiten. Dass sie zudem mit einem CIA-Agenten verheiratet ist, macht die Sache nur noch tragischer (und damit erzählerisch ergiebiger). Von da an achtet man als Zuschauer in den kommenden Folgen ganz besonders auf jede Regung und Äußerung Laurens, zum Beispiel wenn sie mit ihren Kollegen bei einer Einsatzbesprechung zusammen sitzt. Schließlich wissen wir nun etwas über sie, das ihre Kollegen in der Serie nicht wissen.

Bei all den Verwicklungen und Verwirrungen des Agentenlebens, die in der Serie eine Rolle spielen (jeder muss mal gegen jeden spionieren, jeder vor jedem etwas verbergen), hilft den Betroffenen früher oder später anscheinend nur noch Psychotherapie. Jack schlägt Sloane in Episode 3.13 vor, es mal mit einer Therapie zu versuchen und auch Sydney sehen wir hier mal wieder bei ihrer Therapeutin. Über „people who work in intelligence“ sagt diese:

„[They have] to grapple with some serious issues. Living duplicitous lives, compartmentalizing the personal and the professional. It’s a difficult challenge.“

Das Agentenleben ist in der Tat nicht leicht… Aber auch Arvin Sloane legt sich wie erwähnt auf die Couch und schüttet der CIA-Therapeutin sein Herz aus – naja, nicht wirklich, ganz in Übereinstimmung mit den Gesetzen der Serie erzählt er ihr zwar von einem großen Geheimnis, das er mit sich herum trägt, aber um was für ein Geheimnis es sich dabei handelt, das verrät er zumindest in dieser Folge noch nicht:

 „I manipulate people. I’m good at that, and I know it. I lie, I keep secrets. I divulge only what I must in order to elicit the reaction I need. […] One of those secrets affects the only two people I care about in the world, Sydney and Jack Bristow. There are many secrets I enjoy keeping. There is power in secrets that you keep. But this one, oh, this one wears on me. It has for many years. It’s central to my very existence. It’s who I am.”

Erst am Ende der nächsten Folge erfahren wir dann mehr Details: Sloane hatte einst eine Affäre mit Irina Derevko, Sydneys Mutter, und glaubt nun, Sydney sei seine Tochter. Da ist sie wieder, unsere Lieblings-Agenten-Soap… Aber es wird noch besser, als Michael Vaughn herausfindet, dass seine eigene Frau eine Doppelagentin ist, ihr gegenüber aber vorerst weiterhin so tun muss, als ahne er nichts davon. Denn die Serie erzählt nun quasi auf zwei Ebenen; zum einen geht es um ganz normale Verdächtigungen in einer Ehe, wo sich die beiden Partner nicht mehr vertrauen und zum anderen wird diese Krise eines Ehepaares als deren berufliche Krise, auf der „Geheimdienst-Ebene“ erzählt (was ein wenig an „Mr & Mrs Smith“ erinnert). Dieses Handlungselement hat mir jedenfalls richtig viel Spaß gemacht, ganz besonders als es später Michael ist, der quasi vor Laurens Nase von ihr unbemerkt wichtige Daten stehlen soll und dies dann haarscharf in letzter Sekunde schafft, gerade noch ohne von ihr entdeckt zu werden. Laurens und Michaels Rollen werden in dieser Szene vertauscht, denn bis dahin war es ja stets sie, die Geheimnisse vor ihrem Mann hatte und von ihm unbemerkt irgendwelche Akten entwenden musste.

Wie eingangs erwähnt finde ich „Alias“ eigentlich gar nicht so toll. Inhaltlich kaut einem die Serie immer wieder dasselbe vor und hält die Zuschauer nur dank der teilweise wirklich kreativen, abwechslungsreichen Szenarien und der interessanten Figuren bei der Stange. Doch genau genommen handelt es sich hier nur um eine Soap Opera im Action-Format, ähnlich wie bei „24“. Es ist egal, was passiert, solange immer wieder irgendetwas möglichst Dramatisches passiert und die Kette von Problemen nie abreißt. In Episode 3.19 erfahren wir schließlich, dass Sydney eine Schwester hat, von der sie bislang nichts wusste – genau das ist doch eines der Instrumente, mit denen Soaps neue Konflikte in ihre Handlung bringen, wenn diese langweilig zu werden droht: man schreibt bisher noch nie erwähnte Familienmitglieder in die Story hinein (kamen nicht auch in „24“ irgendwann Jack Bauers Vater und Bruder dazu?). Leider interessiert mich dieser Teil der Story kaum, ebenso wie all die mysteriösen Rambaldi-Artefakte und Prophezeihungen. Trotzdem fand ich die vorletzte Folge der Staffel hochspannend. Zahlreiche wichtige Plotelemente wurden weiter entwickelt oder zum Abschluss gebracht, alle Hauptfiguren tauchten auf und ein paar lange nicht gesehene Nebenfiguren hatten auch eine Rolle. In diesem Fall führten tatsächlich einmal einige Handlungsstränge der Staffel auf ein Ziel zu. Insgesamt stand in der dritten Staffel Sydney Bristow weniger im Mittelpunkt als in den ersten beiden Staffeln und der Fokus wurde zum Teil auf andere Figuren verschoben. Jacks Gefühle für Irina Derevko, Sloanes Motive und Gefühle (die sich entweder ständig ändern oder über die er vielmehr ständig alle anderen täuscht), das Liebesdreieck aus Vaughn, Lauren und Sydney und der am Ende der Staffel auf Rache sinnende Vaughn – all dies sind Beispiele dafür, dass es der Serie schon lange gelungen ist, auch die Figuren um Sydney herum zu interessanten Charakteren mit eigenen Geschichten auszubauen. Irgendwann werde ich mir wohl auch noch die vierte und fünfte Staffel anschauen, in nächster Zeit brauche ich aber erst einmal wieder Pause von „Alias“.

 

Was gab es sonst noch Interessantes, Erwähnenswertes, Amüsantes in der dritten Staffel? Ich liste mal ein paar Dinge, die ich noch nicht erwähnt habe, auf:

  • In der zweiten Folge geht es unter anderem in meine Heimatstadt München, genauer gesagt in ein „adult theatre“ (also Pornokino) im „red light district“ der Stadt (wo immer der auch genau liegen soll). Von München selbst sieht man dann aber nicht viel mehr als einen establishing shot, der ganz bestimmt nicht München zeigt und eben einen Kinosaal, in dem gerade ein Pornofilm in deutscher Sprache läuft.
  • In der Serie gibt es tatsächlich eine Selbsthilfegruppe für „CIA operatives who habe experienced lost time“! Wofür die CIA wohl sonst noch Selbsthilfegruppen gegründet hat? Für Agenten, die von Aliens missbraucht wurden? Oder für solche, die nicht mehr in ihr altes Leben zurück können, weil es sich ein Klon unter den Nagel gerissen hat? 😉 Der Fantasie sind hier wohl keine Grenzen gesetzt.
  • Die zweite Folge hat auch eine wunderbar überzeichnete Szene, die ich garantiert klauen werde, falls ich jemals einen Actionfilm drehen sollte: Zwei Personen, die sich gerade in einer Aufzugkabine befinden, werden entführt, indem die Kabel des Aufzugs weggesprengt werden und der Aufzug mithilfe eines zuvor am Dach der Kabine befestigten weiteren Kabels, dessen anderes Ende an einem Hubschrauber hängt, einfach durch das Dach des Gebäudes nach draußen gerissen wird. Am Hubschrauber baumelnd wird so die ganze Aufzugkabine mitsamt ihrer Insassen weggeflogen. Das nenne ich mal effizient.
  • Dass ich die ersten Takte von Damien Rices „Delicate“ einmal zu den Bildern eines in Zeitlupe aus einem Maschinengewehr feuernden Michael Vaughn hören würde, hätte ich auch nicht gedacht…
  • Und hier noch ein Dialog zwischen Vaughn und Weiss (Greg Grunberg):
    Vaugn: „Do you think you can be in love with two people at the same time?“
    Weiss: „No, I don’t. However, I did have the same intense feelings for both Sporty and Posh Spice.“
    Vaughn: „Yeah, who didn’t.“
    (Kann ich übrigens nicht ganz nachvollziehen. Ich hatte nur für Posh Spice derartige Gefühle.)

 

 

Babylon 5 – Episode 1.05 „The Parliament of Dreams“

Meine kommentierte Liste mit den mir bekannten B5-Podcasts habe ich aufgrund ihrer Länge in einen eigenen Blogpost ausgelagert, deswegen komme ich ohne weitere Einleitung gleich zur heutigen Episode:

Episode 1.05 “The Parliament of Dreams” (“Angriff auf G’Kar”)

Drehbuch: J. Michael Straczynski, Regie: Jim Johnston
Erstausstrahlung: 23.02.1994 (USA), 03.09.1995 (Deutschland)

„The Parliament of Dreams“ ist eine von vielen B5-Episoden, in denen der erklärte Atheist J. Michael Straczynski (JMS) sich dem Thema Religion widmet. Im Teaser der Episode erfahren wir über die Exposition, die er Garibaldi in den Mund gelegt hat, dass auf Babylon 5 ein einwöchiges Festival stattfindet, in dessem Rahmen jede auf der Station vertretene Spezies ihre dominante Glaubensrichtung demonstrieren soll. Dies soll dem interplanetaren Frieden und der besseren Verständigung der verschiedenen Völker dienen, steht also ganz im Zeichen der Aufgabe von Babylon 5.
Von den Veranstaltungen, die die zahlreichen fremden Völker anbieten, bekommen wir in der Episode zwei zu sehen: Eine ausschweifende Feier des Lebens bei den Centauri und eine bedächtige Wiedergeburtszeremonie der Minbari. Beide könnten unterschiedlicher nicht sein. Nicht nur die besonnene Delenn hat auf der ausgelassenen Centauri-Zeremonie Mühe, sich ganz dem Genuss hinzugeben, wie Londo es dort von seinen Gästen verlangt. Interessant an dieser Feier des Lebens ist vor allem, dass sie ihren Ursprung in der Ausrottung einer ganzen Spezies hat. Die Xon haben sich einst parallel zu den Centauri auf deren Heimatwelt entwickelt, wurden jedoch von den Centauri komplett vernichtet, was diese seitdem zum Anlass für eine alljährliche Feier des (Über-)Lebens nehmen. Der Ablauf der Zeremonie erinnert dabei ebenso an antike römische Gelage wie das große Pantheon der Centauri-Götter, von denen Londo einige vorstellt (man beachte die tentakelartigen „Attribute“ von Li, der Göttin der Leidenschaft). In Bezug auf die früheren, harten Zeiten, in denen die Centauri und die Xon um die Vorherrschaft auf dem Planeten kämpfen, sagt er: „In a world, where every day is a struggle for survival, you need all the gods you can get.“ Peter Jurasik ist großartig in dieser Szene!
Ganz anders geht es auf der Zeremonie der Minbari zu. Hier wird nicht gegessen, getrunken und ausgelassen gefeiert, sondern in bedächtiger Konzentration ein Ritual vollführt, welches die Wiedergeburt symbolisiert. Lediglich eine kleine, rote Frucht nehmen die Teilnehmer dabei zu sich und Delenn blickt Sinclair dabei auffällig tief und intensiv in die Augen. „Taste of it.“, fordert sie ihn und die anderen Anwesenden auf, während sie ihren Blick nicht von ihm lässt und sich selbst eine der Früchte in den Mund schiebt. Sie schließt mit den Worten „And so it begins“, die wir im weiteren Verlauf der Serienhandlung noch öfter hören werden. Als Sinclair am Ende der Folge darauf hingewiesen wird, dass die Wiedergeburtszeremonie auch als Hochzeit gedeutet werden kann, öffnet dies Spielraum für ganz neue Interpretationen. Wurden Delenn und Sinclair im Verlauf dieser Zeremonie miteinander verheiratet, ohne dass Sinclair es wusste?
Nachdem wir diesen beiden fremden Zeremonien beiwohnen durften, werden wir am Ende der Episode Zeuge der Glaubensdemonstration, die Sinclair sich repräsentativ für die Erde überlegt hat. Doch was ist die dominante Glaubensrichtung der Erde? Statt sich hier auf eine einzige Religion zu stützen, wählt er (und damit JMS) einen ganz anderen Ansatz: Er stellt die Vielfalt der auf der Erde vorhandenen Glaubenssysteme dar und zeigt damit, dass es dort keinen Glauben gibt, der wichtiger oder besser ist als alle anderen, sondern dass gerade diese Vielfalt und unsere Toleranz gegenüber Andersgläubigen die Stärken der Menschheit sind. Ein kleinen Schocker konnte sich JMS dann allerdings doch nicht verkneifen und platzierte den Atheisten an erster Stelle in der Reihe. Erst nachdem Sinclair ihn vorgestellt hat, zoomt die Kamera heraus und wir sehen die lange Schlange mit Angehörigen verschiedener Religionen.

Die eigentliche Haupthandlung der Episode dreht sich um einen Attentatsversuch auf G’Kar, der zu Beginn eine Drohung seines alten Feindes Du’Rog erhält. Er habe einen Attentäter auf ihn angesetzt, teilt dieser G’Kar mit. Innerhalb von 48 Stunden werde G’Kar tot sein, ohne vorher zu erfahren, wer es ist, der ihn umbringen soll. Als kurz darauf G’Kars neue Assistentin Na’Toth (Julie Caitlin Brown) eintrifft, ist G’Kar verständlicherweise misstrauisch. Schließlich war seine vorherige Assistentin Ko’Dath („Born To The Purple“) überraschend durch einen „Luftschleusenunfall“ ums Leben gekommen (mehr dazu bei den „Hinter den Kulissen“-Fakten).
Zwar soll bei den Zuschauern wohl der Eindruck erweckt werden, Na’Toth sei tatsächlich die Attentäterin, doch der Handlungsstrang verläuft leider ziemlich vorhersehbar und wirklich misstrauisch gegenüber Na’Toth wird man zu keinem Zeitpunkt. Es ist aber auf jeden Fall schön, G’Kar als Hauptcharakter einer Episode zu sehen und so mehr über ihn zu erfahren – zum Beispiel, dass er auf menschliche Frauen steht oder gerne kocht und singt.

In einem dritten Handlungsstrang lernen wir Catherine Sakai (Julia Nickson) kennen, eine Exfreundin Sinclairs. Die beiden laufen sich alle paar Jahre wieder über den Weg, nur um ihre Liebesbeziehung jedes Mal wieder zu reaktivieren und es dann zu bereuen. Sinclair erfährt von seinem Freund Michael Garibaldi, dass sich Catherine auf Babylon 5 befindet und möchte ihr zunächst aus dem Weg gehen, sucht sie dann aber doch auf. Catherine, die mit ihrem Raumschiff unbekannte Planeten nach Rohstoffen absucht, ist geschäftlich auf der Station und wusste vor ihrem Eintreffen gar nicht, dass Sinclair deren Commander ist. Im Gespräch fragt sie ihn nach Carolyn (Sinclairs Freundin im Pilotfilm) und Sinclair erzählt, er sei seit etwa einem Jahr nicht mehr mit ihr zusammen (das widerspricht allerdings den zeitlichen Angaben, die ich im Post zur letzten Episode gemacht habe – aber nehmen wir es mal nicht so genau).
Sinclair lädt Catherine zum Essen ein, was zu einer Szene mit teilweise sehr kitschigen, sich teilweise aber auch sehr echt anfühlenden Dialogen führt. Catherine und Sinclair sind sich der Tatsache bewusst, dass sie nicht dauerhaft zusammen passen und dass sie wohl auch dieses Mal nach ein paar Tagen wieder getrennte Wege gehen werden. Doch später ändert Catherine ihre Meinung: „Don’t send me away. Don’t make me feel like a fool.“, bittet sie Sinclair. Sie hat erkannt, dass sie einfach nicht länger allein bleiben will, sondern Sinclair gerne an ihrer Seite haben würde. So abgestanden und klischeehaft die Dialoge in diesen Szenen auf dem Papier auch wirken mögen, finde ich jedoch, dass Julia Nickson wirklich etwas aus ihnen macht und echte, glaubhafte Gefühle vermittelt. Ich mag ihr Schauspiel jedenfalls. (Wobei die Zeile „Don’t touch me unless you mean it“ dann vielleicht doch etwas zu weit geht…) Am Ende der Episode muss Catherine schließlich weiterreisen. Doch sie verspricht, zurück zu kommen; sie und Sinclair haben beschlossen, doch noch einmal zu versuchen, eine richtige Beziehung zu führen, auch wenn sie dieses Mal natürlich immer noch nicht wissen, ob es funktionieren wird.

Nicht unerwähnt lassen will ich, dass nach Londo und G’Kar in dieser Episode auch Delenn einen eigenen Assistenten zur Seite gestellt bekommt. Lennier (Bill Mumy, der bereits als Kind eine Hauptrolle in der Science Fiction Serie „Lost In Space“ hatte) hat eine lange religiöse Ausbildung auf Minbar hinter sich und muss nun für seine neue Aufgabe erstmals für längere Zeit seine Heimat verlassen. Voller Ehrfurcht steht er Delenn gegenüber und traut sich nicht einmal, den Blick zu heben und ihr in die Augen zu schauen. Da die Assistenten der Botschafter nur zur zweiten Reihe an Charakteren gehören und in der ersten Staffel noch nicht besonders oft vorkommen, dauert es etwas länger, bis man mit ihnen vertraut ist. Doch Lennier und ganz besonders Vir werden im Verlauf der Serie als Figuren noch weiter ausgebaut werden.

„The Parliament of Dreams“ ist eine der besseren Episoden der ersten Staffel. Wie erwähnt finde ich die Handlung um das Attentat auf G’Kar zwar nicht besonders spannend, dafür wird die Charakterentwicklung mehrerer Figuren (G’Kar, Sinclair) hier aber vorangetrieben, es werden neue (Neben-)Figuren eingeführt (Lennier, Na’Toth, Catherine Sakai), wir erfahren mehr über die Kulturen und Religionen der Centauri, Narn und Minbari und ich finde, dass die oben beschriebene Botschaft/Moral der Episode eine wirklich wichtige und optimistische ist.

Highlight der Episode: Londo während der Centauri-Zeremonie. Nur Londo-Darsteller Peter Jurasik, Regisseur Jim Johnston und der Kameramann wussten vor dem Dreh der Szene darüber bescheid, dass Jurasik auf den Tisch steigen und auf diesem vor den anderen Darstellern entlang kriechen würde. Dementsprechend sind die Reaktionen von Mira Furlan und den anderen Schauspielern wohl auch nur teilweise gespielt. (Mehr unter „Zitate“)

Londo/G’Kar-Moment: Eine gemeinsame Szene, in der die beiden zusammen großartig sind, gibt es in dieser Episode zwar nicht, dafür aber das schon erwähnte Londo-Highlight und die Szene am Beginn der Episode, in der wir G’Kar kochend und singend in seinem Quartier sehen („So many fishes, left in the sea / So many fishes, but no one for me“). Das Lied wurde extra von Serien-Komponist Christopher Franke auf JMS‘ Wunsch für diese Szene geschrieben.

Folgende (weitere) wichtige Informationen, die für den weiteren Verlauf der Serie wichtig sind, erhalten wir in dieser Episode: Die meisten Punkte habe ich schon erwähnt: Es werden neue Figuren eingefüht, wir hören erstmals den Satz „And so it begins“ und erfahren mehr über die verschiedenen Völker. Weiterhin ist die Tatsache interessant, dass Delenn anscheinend ihre Mitgliedschaft im „Grauen Rat“ geheimhalten will. Sie verbietet Lennier, sie mit ihrem Titel „Satai“ anzusprechen oder auch nur in Anwesenheit anderer Personen zu erwähnen, dass sie Mitglied des Rates ist, der das oberste Regierungsorgan der Minbari darstellt. Bereits in „Soul Hunter“ hat der Seelenjäger Delenn als Satai erkannt und sich gefragt, warum ein so hochrangiges Mitglied der Minbari-Gesellschaft sich dazu herablässt, auf Babylon 5 die Botschafterin zu spielen…
Der folgende Absatz ist voller Spoiler und sollte nur von Personen gelesen werden, die „Babylon 5“ schon in seiner Gänze gesehen haben: Die Wiedergeburtszeremonie, die Delenn durchführt, hat zwar keine direkten Auswirkungen auf die weitere Handlung. Man kann sie aber als in Verbindung mit Delenns späterer Transformation stehend sehen. Vielleicht dient sie als Vorbereitung auf ihre Verwandlung. Auch die Tatsache, dass Delenn sich im Verlauf der Zeremonie quasi mit Sinclair verheiratet, ist interessant. Hätte JMS nämlich seinen ursprünglichen Plan umsetzen können, dann wären wir Sheridan nie begegnet, sondern Sinclair wäre die ganzen fünf Jahre über die Hauptfigur geblieben und hätte dementsprechend Delenn später wirklich geheiratet. Insofern handelt es sich bei der leicht erotisch aufgeladenen Szene, in der Delenn sich die rote Frucht in den Mund steckt, während sie Sinclair intensiv in die Augen blickt, um eine Andeutung dessen, was später hätte kommen sollen, aber dann aufgrund des Herausschreibens von Sinclair aus der Handlung doch nicht umgesetzt werden konnte.

Sonstige Fragen:

  • Wie ist es Sinclair eigentlich gelungen, all die Vertreter unterschiedlicher Erdreligionen so schnell aufzutreiben?

Weitere interessante Punkte: 

  • Garibaldi findet eine Unterhose in G’Kars Quartier und fragt G’Kar, ob sie ihm gehöre… 😀
  • G’Kar erwähnt, dass die Botschafterquartiere auf Babylon 5 als fremdes Territorium betrachtet werden (so steht es in den Verträgen, die die Station mit den Botschaftern bzw. deren Regierungen geschlossen hat) und dass er deswegen unter diplomatischer Immunität steht.
  • Sinclair hat eine Vorliebe für die Werke des britischen Dichters Alfred Tennyson.
  • Mein Lieblingsdetail in dieser Folge: Nachdem die Teilnehmer der Minbari-Zeremonie alle ihre roten Früchte erhalten haben, ist in einer Einstellung im Hintergrund zu sehen, wie G’Kar seine Frucht mit der von Ivanova neben ihm vertauscht! Er hat anscheinend Angst, der Attentäter könne ihn vergiften wollen, doch dass stattdessen Ivanova sterben könnte, scheint ihn nicht zu kümmern.

Interessante “Hinter den Kulissen”-Fakten: 

  • Nachdem Mary Woronov, die in „Born To The Purple“ als G’Kars Assistentin Ko’Dath eingeführt wurde, bereits nach einer Folge wieder aus der Serie ausstieg, weil sie mit der Maske und den Kontaktlinsen nicht zurecht kam, stellte JMS G’Kar mit Na’Toth eine neue Assistentin zur Seite und ließ Ko’Dath sterben. Hoffentlich wird Na’Toth uns etwas länger erhalten bleiben… Während übrigens auf den DVDs Na’Toth bereits seit der ersten Folge in den Credits aufgeführt ist, scheint dies bei der Erstausstrahlung der Serie noch nicht so gewesen zu sein. Damals muss in den ersten Episoden noch Ko’Dath aufgeführt gewesen zu sein und wurde wohl erst in dieser Folge durch Na’Toth ersetzt.
  • In der Szene, in der G’Kar die schwarze Rose neben sich im Bett findet, sehen wir das eigens an Andreas Katsulas angepasse Narn-Brustteil, das für die (seltenen) Szenen angefertigt wurde, in denen seine Figur mit offenem Hemd zu sehen sein würde.
  • Über die Wahl des ungewöhnlichen Episdoentitels „The Parliament of Dreams“ schreibt JMS: „A parliament is a gathering of officials, of representatives, which matches the story in terms of representatives of different places, and beliefs. The dreams are the belief systems.“ (zitiert aus „Asked & Answered Part 4“, S. 1518)

Zitate:
Tu’Pari: „Are you ambassador G’Kar?“
G’Kar:
„This is ambassador G’Kar’s quarters, this is ambassador G’Kar’s table, this is ambassador G’Kar’s dinner. Which part of this progression escapes you?“

Londo: „Do you know what the last of the Xon said, just before he died? ‚AAAHHHHH!!'“

Garibaldi zu G’Kar, nachdem er in dessen Quartier eine Uterhose gefunden hat: „Just let me say, from the bottom of my heart, hot pink is definetely your colour.“

Delenn während der Minbari-Wiedergeburtszeremonie: „From birth, through death and renewal. You must put aside old things, old fears, old lives. This is your death. The death of flesh, the death of pain. The death of yesterday.“

Londo während der Centauri-Zeremonie auf dem Tisch zu Delenn: „Have I ever told you that you are very cute for a Minbari? [zu Garibaldi] Oh, and you are cute, too, in an annoying sort of way. Everybody’s cute. Everybody’s cute. Even me. But in purple, I’m stunning.“
Er bricht auf dem Tisch zusammen, daraufhin Vir: „Ah, he has become one with his inner self!“
Garibaldi: „He’s passed out.“
Vir: „That too.“

 

Die nächste Folge in meinem „Babylon 5“ Rewatch:
1.06 „Mind War“

Babylon 5 Podcasts

In letzter Zeit erscheinen auffällig viele neue „Babylon 5“-Podcasts, jedenfalls im englischen Sprachraum. Einige davon habe ich hier im Blog schon erwähnt, in diesem Blogpost möchte ich aber noch einmal alle B5-Podcasts, die ich momentan kenne, kurz vorstellen.

  • Beginnen wir mit meinem absoluten Lieblingspodcast: „The Babble On Project“. Matt und Gillian, zwei britische „Babylon 5“-Fans, die auch darüber hinaus über ein sehr breites und nerdiges Film-, Serien, Science Fiction-, Fantasy- und Comic-Wissen verfügen, diskutieren hier seit Februar 2011 in jeder Podcast-Folge zwei Episoden von „Babylon 5“. Dabei gehen sie äußerst gründlich zu Werke und lassen wirklich keine Szene und keinen Dialog aus, was einer der Gründe ist, warum ihre Podcasts meistens länger als drei Stunden dauern und auch gerne mal vier oder sogar fünf Stunden lang sind.
    Im „Babble On Project“ kommt auch auch der Humor nicht zu kurz, so gibt es zum Beispiel immer wieder eigens fürs B5-Universum umgedichtete Popsongs oder ähnliches zu hören. Manchen Hörern dürften die lustigen Elemente hier zwar zu viel sein und auch mir gehen sie manchmal auf die Nerven, aber man kann ja einfach ein bisschen vorspulen… Das Holiday Special, das Matt und Gillian zu Weihnachten 2013 veröffentlicht und in dem sie quasi ein „Best of“ ihrer bis dahin aufgenommenen Songs zusammen getragen haben, habe ich mir auch noch nicht angehört...
    Jedenfalls kenne ich noch keinen anderen Podcast, der die Serie so ausführlich und tiefgründig analysiert. Matt und Gillian haben wirklich Ahnung vom Thema und kennen sich auch mit der Produktionsgeschichte der Serie gut aus. Im Laufe des Podcasts haben sie mehrere Interview-Specials veröffentlicht; sowohl B5-Schöpfer J. Michael Straczynski (JMS) als auch die Darsteller Peter Jurasik (Londo Mollari), Claudia Christian (Susan Ivanova) und Patrica Tallman (Lyta Alexander) haben sie bereits für interessante Interviews gewinnen können.
    Dieser Podcast ist auch für Neueinsteiger ins B5-Universum geeignet, da jede Folge ganz deutlich in einen spoilerfreien und einen äußerst spoilerhaltigen Bereich untergliedert ist (in der „enhanced version“ des Podcasts lässt sich der „Downbelow“-Bereich mit den Spoilern ganz einfach wie ein Kapitel in einem Hörbuch überspringen). Wer also „Babylon 5“ zum ersten Mal sieht, kann sich nach jeder Serienfolge die entsprechende Episode des „Babble On Project“ anhören und den Bereich, in dem Matt und Gillan die Relevanz der jeweiligen Folge für den großen Handlungsbogen diskutieren, einfach weg klicken. Momentan befinden sich die beiden mit ihrer Besprechung der Serie in der Mitte der fünften Staffel und werden nach dem Ende der regulären Serie auch noch über die TV-Filme podcasten.
  • Ein weiterer interessanter B5-Podcast ist „Downbelow: A Babylon 5 Introcast“, der erst vor relativ kurzer Zeit gestartet wurde. Dem „Introcast“-Konzept entsprechend bringt dieser Podcast alte Fans und neue Zuschauer der Serie zusammen. Will und Ian repräsentieren hier die B5-Kenner, während Heidi und Elizabeth die „Newbies“ sind, die die Serie zum ersten Mal anschauen und dabei die wildesten Theorien über den Fortgang der Geschichte entwickeln. Es hat eine Weile gedauert, bis ich mit diesem Podcast warm geworden bin, da mir die ersten Folgen noch etwas zäh und schwerfällig vorkamen. Die Vier haben einige Folgen lang gebraucht, um richtig in Fahrt zu kommen, inzwischen höre ich ihnen aber gerne zu. B5 wird hier zwar längst nicht so detailliert besprochen wie im „Babble On Project“, dafür sind die Episoden aber auch nicht so lang. In fast allen Folgen ist zudem ein Gast anwesend, der eine weitere Meinung repräsentiert – und wer weiß, vielleicht werde sogar ich selbst in einer der Folgen zur zweiten Staffel zu Gast sein.
    Auch dieser Podcast ist für Neueinsteiger geeignet, weil er natürlich zumindest in seinen regulären Episoden auf Spoiler verzichten muss, um den anwesenden Newbies die Spannung nicht zu nehmen. Hin und wieder gibt es aber auch Spoiler-Folgen, in denen Will und Ian ohne die beiden Neulinge besonders wichtige Folgen der Serie im Kontext des großen Handlungsbogens besprechen. Weiterhin gibt es auch immer wieder Folgen mit Audiokommentaren zu einzelnen B5-Episoden. Auf Facebook existieren zudem zwei Diskussionsgruppen zu diesem Podcast (eine ohne und eine mit Spoilern), in denen fleißig weiter diskutiert werden darf.
  • Ebenfalls sehr interessant finde ich den neuen Podcast „Braving Babylon 5“. Hier zeichnet Phil, der die Serie zum ersten Mal anschaut, stets nach dem Ansehen einer Episode seine Gedanken auf. Da Phil den Podcast alleine betreibt, entspinnt sich zwar kein Dialog, dafür sind seine Episdoen aber auch nicht besonders lang. Sie lohnen sich auf jeden Fall trotzdem, da auch hier jemand am Werk ist, der viel über Serien, Science-Fiction und Storytelling weiß und dieses Wissen in seine Besprechung miteinbringt. Der Podcast wurde erst vor kurzem gestartet; bislang hat Phil den Pilotfilm und die ersten sieben Folgen von Staffel 1 besprochen. Da er noch fast keine Ahnung hat, wie die Handlung weiter verläuft, ist natürlich auch dieser Podcast für Neueinsteiger geeignet. (Ich habe „fast keine Ahnung“ geschrieben, weil Phil über ein entscheidendes Handlungsdetail, das zu Beginn der zweiten Staffel relevant wird, schon bescheid zu wissen scheint und dies auch in einer Folge erwähnt. Da es aber sowieso sehr schwer ist, in dieser Hinsicht völlig spoilerfrei zu bleiben, können Neueinsteiger meiner Ansicht nach diesen Podcast trotzdem anhören.)
  • Ein weiterer noch relativ junger B5-Podcast ist „White Star Five“. Das Konzept dieses Podcasts überzeugt mich bislang allerdings nicht sonderlich. Hier sprechen zwei Fans über B5, die die Serie schon mehrmals gesehen haben – dementsprechend sind auch alle Folgen voller Spoiler, Neueinsteiger sollten diesen Podcast also meiden!  Da es den beiden anscheinend zu aufwändig war, jede einzelne Episode der Serie zu besprechen, behandeln ihre Podcast-Folgen gleich mal eine halbe Staffel auf einmal und gehen dementsprechend wenig ins Detail (zumal sich die beiden oftmals auch noch schlecht an den Inhalt der einen oder anderen B5-Folge erinnern können). Interessanter ist da schon die Idee, zusätzlich Episoden zu besonderen Themen aufzunehmen, in denen dann etwa ein bestimmter Darsteller, die Spezialeffekte oder das PsiCorps im Vordergrund stehen.
  • Um einen noch ganz jungen Podcast handelt es sich bei „The Audio Guide to Babylon 5“. Erika, Chip und Shannon haben bis jetzt nur eine Einleitungs-Episode veröffentlicht, planen aber, jede einzelne B5-Folge künftig in ihrem Podcast zu besprechen. Zum Glück haben sie ebenfalls vor, den Podcast jeweils in zwei Sektionen aufzuteilen (eine mit und eine ohne Spoiler), so dass auch dieser „Audio Guide“ von Neueinsteigern ins B5-Universum genossen werden kann. Ich bin schon sehr gespannt auf weitere Folgen!
  • Um einen Videopodcast handelt es sich bei den „Katie watches Babylon 5“-Videos auf YouTube. Auch diese sind für Neueinsteiger geeignet, da Katie sich die Serie zum ersten Mal angesehen und jeweils nach dem Anschauen der Folgen ihre Eindrücke in die Kamera gesprochen hat – von der ersten bis zur letzten B5-Folge (den Pilotfilm hat sie nicht am Anfang angeschaut, sondern irgenwann mittendrin nachgeholt). Ihre emotionalen Reaktionen gerade zum Ende der Serie hin haben sogar JMS höchstpersönlich dazu veranlasst, diese Videos per Twitter weiter zu empfehlen.
  • Der Vollständigkeit halber möchte ich auch noch den „Klassiker“ unter den B5-Podcasts erwähnen, obwohl ich hier noch gar nicht reingehört habe: Im „The Babylon Podcast“ wurden – soweit ich das auf die Schnelle überblicken konnte – nicht nur sämtliche Serienfolgen und TV-Filme besprochen, sondern auch die B5-Romane und Comics. Zudem gibt es auch hier ein Interview mit JMS. Ich habe vor, mir auch diesen Podcast komplett von der ersten bis zur letzten Folge anzuhören, aber für so viele B5-Podcasts gleichzeitg reicht meine Zeit einfach nicht, deswegen werde ich mit dem „Babylon Podcast“ wohl erst beginnen, sobald das „Babble On Project“ seine letzte Folge gesendet hat. (Inwieweit dieser Podcast für Neulinge geeignet ist, kann ich natürlich noch nicht sagen.)

Das waren also alle mir derzeit bekannten B5-Podcasts. Abgesehen von Katies YouTube-Videos lassen sie sich alle kostenlos über iTunes abonnieren; auf diese Weise verpasst man keine neue Folge. Leider habe ich bis jetzt noch keinen deutschsprachigen B5-Podcast entdeckt – kennt vielleicht jemand einen? Oder gibt es noch andere englische B5-Podcasts, die mir noch unbekannt sind (und die ich dann auch noch anhören muss)? Ich bin mit meinem schriftlichen Rewatch hier im Blog jedenfalls genug ausgelastet, deswegen habe ich die Idee, einen eigenen B5-Podcast zu starten, schnell wieder verworfen. Auf jeden Fall finde ich es aber sehr spannend, dass gerade in den letzten Monaten so viele neue B5-Podcasts entstanden sind. Die Serie scheint wirklich gerade dabei zu sein, eine neue Generation von Fans zu begeistern, und genau das ist es ja auch, was „Babylon 5“ braucht, um weiterleben zu können – ganz im Sinne der von JMS ins Leben gerufenen „Free Babylon 5“-Bewegung.

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UPDATE 19.07.2014:

  • „Jumpgate – The Babylon 5 Rewatch Podcast“ ist ein weiterer neuer B5-Podcast, der mittlerweile neben dem „Babble On Project“ und dem „Downbelow“-Introcast zu einem meiner Lieblings-B5-Podcasts geworden ist. Hier diskutieren die langjährigen B5-Fans Andy und Jinny gemeinsam mit ihrem Freund Nick ausführlich über jede Folge der Serie (momentan sind sie in der Mitte der ersten Staffel angekommen). Da Nick die Serie zum ersten Mal sieht, ist der Podcast frei von größeren Spoilern und somit überwiegend für Neueinsteiger geeignet. Kleinere Spoiler kommen aber immer wieder zu Sprache. Ich liebe diesen Podcast, weil die Drei über ein breites Nerd-Wissen aus den Bereichen TV, Science-Fiction, Fantasy, Film und Comic verfügen und dies immer wieder in ihre Diskussionen und Analysen einbringen (darüber hinaus gehört zu Nicks Interessengebieten auch noch Geschichte, so dass er immer wieder Vergleiche mit historischen Ereignissen und ähnliches einbringt). Sehr empfehlenswert!